COLUNA DO BATALHA

Programa Maloik estreia amanhã (terça, 24)

2012-01-23T16:49:00.006-02:00

MALOIK estreia dia 24 de janeiro!

A partir de 24 de janeiro as suas terças-feiras não serão mais as mesmas! Estreia o programa Maloik, que tem a missão de ser o porta-voz do público da música pesada no Brasil. Para começar, contamos com a ajuda dos nossos amigos das redes sociais para divulgar a estreia do Maloik na TV Mais ABC, canal 14 da NET.

O Maloik estará disponível 24 horas no site www.maloik.com.br, inclusive com atualizações constantes e material exclusivo. Você também pode assistir simultaneamente através do link: http://www.redetvmais.com.br/aovivo.asp

Outra boa notícia é que o programa pode, em breve, entrar em rede nacional. Porém, para que isto aconteça, é preciso que VOCÊ entre em contato com a própria TV Mais (www.redetvmais.com.br/fale-conosco.asp) e demonstre seu grau de satisfação em relação ao Maloik.

O recado foi dado e espero todos na estreia do Maloik, seja na tevê como na net, pois como diz nosso próprio slogan: MALOIK: DE HEADBANGER PARA HEADBANGER!

O programa será transmitido às terças-feiras, quando faltar dois minutos para a meia-noite, na TV MAIS ABC (canal 14 da NET).

Transmissão simultânea pelo link http://www.redetvmais.com.br/aovivo.asp

Disponível 24 horas pelo www.maloik.com.br (a partir das quartas-feiras)

Programa de estreia
E o MALOIK faz barulho logo na estreia com as presenças da "lenda" Tibério Luthier (bateria, Harppia). Há ainda um debate entre Ricardo Batalha (Roadie Crew) e Rodrigo Tomé (Ozzmosis), com o tema Dio ou Ozzy Osbourne. O mais legal é que o público decide quem foi o melhor debatedor, através da enquete disponível no nosso site.

Testamos os conhecidos metálicos de Marcello Pompeu no quadro Heaven and Hell. Já a Tough Girl, Fernanda Lira, entrevista os ícones do metal mundial Kai Hansen e Michael Kiske.

Já o quadro “Desafio das Bandas” apresenta dois clipes de bandas nacionais e o público escolhe o vencedor, também pelo site www.maloik.com.br. Informação e diversão garantidas com todo o peso do Metal!

Clique AQUI e confira uma entrevista com os apresentadores Rodney Christófaro e Amilcar Christófaro, que contam detalhes e tiram dúvidas sobre o Maloik.

Gravações seguem
Na semana passada gravei mais duas participações no quadro "Campo de Batalha"! Na foto abaixo, eu e Rodney Christófaro com os participantes do debate Música Física (Eduardo de Souza Bonadia, 1º esq. p/ dir) X Música Digital (Fabrício Mafezoli, 2º esq. p/ direita).

Retrospectiva 2011 - Metal On Metal

2011-12-24T12:19:00.005-02:00

O grupo canadense Anvil se apresentou pela primeira vez Brasil em fevereiro, "abrindo" para o Primal Fear no Carioca Club (SP). Com sua inseparável Flying V, o autêntico e simpático Lips (vocal e guitarra) comandou as ações, brincando e interagindo com o público. Durante o set, perguntou quem tinha visto o filme/documentário "Anvil – The Story Of Anvil". Com a resposta positiva, disse que queria conhecer a todos pessoalmente, já que todo mundo conhecia sua mãe.

Conseguimos fazer a seção "Blind Ear" com Steve "Lips" Kudlow, que esbanjou simpatia e uma grande paixão pelo Heavy Metal. Algum tempo depois, qual não foi minha surpresa quando a Voice Music lançou o DVD-documentário no mercado brasileiro e vi na capa uma declaração que eu havia feito sobre o material, a pedido de Silvio Golfetti, ex-guitarrista do Korzus e que comanda a gravadora. Assista este DVD e entenda o meu comentário.

Retrospectiva 2011 - Fatos marcantes

2011-12-23T12:18:00.002-02:00

Eles voltaram
O anúncio do retorno do Black Sabbath com a formação original foi o mais saudado pelos fãs. Quarenta anos após lançar o terceiro álbum, Master Of Reality, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward anunciaram sua volta aos palcos (e ao estúdio!). O comunicado foi feito através do site oficial (blacksabbath.com), que vinha fazendo uma contagem regressiva mostrando a data 11/11/11 até a confirmação oficial.

O grupo alemão Running Wild, que fez muita onda quando se separou e até gravou "o último show da carreira" em 2009, voltou à ativa. O líder Rock'n'Rolf já até anunciou o título do novo álbum, Shadowmaker, sucessor de Rogues En Vogue, lançado há sete anos. Já os suíços do Coroner realizaram o show de reunião no festival "Hellfest" (FRA), em junho. Torço para que efetivamente voltem e toquem no Brasil!

Outros grupos que retomaram os trabalhos foram o At the Gates, Ministry, Morgion e Still Remains. No Brasil, o Retturn (ABC) e o Desaster (SP) voltaram à ativa. O Desaster, após vinte anos, realizou um show em dezembro no Dynamite Puyb (SP), na primeira edição do "Dynametal", que também contou com o Anthares. A formação atual traz o reencontro de seus fundadores, Ricardo Pezão (guitarra) Marco Fallador (baixo e vocal), além de Cláudio Galinha (vocal, ex-Noise), Eduardo Magoo (guitarra, Ex-Rrraict Tuff!!!, Inner Voice) e Evandro Jr. (bateria, Anthares, Skinlepsy).

Eles encerraram a carreira...
Ark, Charon, Devian, God Dethroned, Jag Panzer, Metalium, Symphorce, Dismember e Battlelore. No Brasil, tivemos o fim das atividades das bandas The Ordher e Unliver.

...e eles nos deixaram

Alguns músicos infelizmente nos deixaram em 2011: Phil Kennemore (Y&T), Alexandre França (Warlock/RJ), Gary Moore, Kenzo Shimabokulo (ex-Salário Mínimo), Andrew "Mac" McDermott (ex-Threshold), Jani Lane (ex-Warrant), Taiji Sawada (ex-X Japan e Loudness), Phil Vane (Extreme Noise Terror), Jan Somers (Vengeance), Henrik Ostergaard (Dirty Looks), Don Kirshner (produtor e apresentador de TV), Antônio Rosas Seixas "Manito" (Os Incríveis), Cory Smoot (GWAR), Steve Osborne (Bride), Mike Starr (ex-Alice In Chains), Frankie Sparcello (Exhorder), Scott Columbus (Manowar), Seth Putnam (Anal Cunt) e Michael "Würzel" Burston (Motörhead).

Running Free Again
Paul Di'Anno, que passou dois meses preso após ter sido condenado por fraude no sistema previdenciário britânico, novamente realizou uma extensa turnê pelo Brasil, a "Running Free Again – Brazilian Tour". O set dos shows contou com músicas como Purgatory e Drifter, que o vocalista não costumava tocar e incluiu por causa dos trinta anos do lançamento de Killers (Iron Maiden). Assim como ocorreu nas duas turnês anteriores (2009/2010), a banda de apoio foi o Scelerata.

Desta vez não conseguir ver o show dele, algo que sempre faço questão de fazer porque realmente gosto da fase de Di'Anno no Maiden e de toda a sua carreira solo – Battlezone, Killers e afins. Curioso foi que Paul chegou a reclamar por não ter se apresentado em São Paulo no Manifesto Bar. E o cara ainda arrumou tempo para ir ao Pacaembu ver o jogo do time dele (Corinthians) contra o Botafogo (0 a 2) junto com meu amigo Alexey "Piloto" Tsiftzoglou. Deu azar aquele dia, mas o time dele acabou conquistando o Brasileirão. É, o "Di'Anno da Fiel", que agora se prepara para uma turnê ao lado de Blaze Bayley em 2012 na Rússia, virou brasileiro mesmo!

Visita ao Museu da TAM
Já que citei Alexey "Piloto" Tsiftzoglou, que foi o responsável por trazer a banda inglesa Quireboys ao Brasil, acabei me lembrando de um dia muito legal e diferente. A convite dele e da TAM, pude conhecer o Museu da TAM, em São Carlos (SP). Mais legal ainda foi que naquele dia, 28 de março, o piloto e comandante do Eddie Force One, Bruce Dickinson, esteve lá para visitar um dos maiores museus de aviação do mundo entre os acervos mantidos por empresas privadas. Inaugurado em novembro de 2006, em homenagem aos cem anos do 1º voo de Santos Dummont com o 14 BIS, o Museu da TAM hoje conta com mais de 70 aeronaves históricas.

Neto de um engenheiro da força aérea britânica e apaixonado pela aviação, Dickinson parecia uma criança num parque de diversões. "É um museu fantástico!", repetiu diversas vezes durante a coletiva de imprensa realizada após a visita. Na sequência, Bruce retornou ao Rio de Janeiro - em voo pilotado por Alexey -, onde realizou aquele show que havia sido remarcado por problemas com a grade de proteção (lembra?) e que impediu a realização da apresentação da banda no dia anterior (27).

Frases
"Nunca estivemos no Brasil, mas sabemos que temos fãs no país e muitos que curtem a época da NWOBHM", Robb Weir (Tygers Of Pan Tang) – ed. #145 (fev, 2011)

"(...) se você percebeu que todo disco do Exciter tem uma faixa mais cadenciada, pode culpar o Sabbath por isso", John Ricci (Exciter) – ed. #145 (fev, 2011)

"Tocamos em Buenos Aires para quase 30 mil pessoas. Acho que escolheram no Brasil uma casa pequena demais (Via Funchal). Poderia ter sido maior", Paul H. Landers (Rammstein) – ed. #146 (mar, 2011)

"Eu tinha aquela ideia de que os fãs do Mr. Big poderiam estar tão de saco cheio de esperar que não iriam aparecer nos shows. Felizmente, eles apareceram... Os antigos e os novos", Eric Martin (Mr. Big) – ed. #146 (mar, 2011)

"Nós todos gostamos do Brasil, não só a banda, mas a nossa equipe inteira curte. E dentro da equipe temos brasileiros", Lemmy (Motörhead) – ed. #146 (mar, 2011)

"A coisa mais difícil é fazer um disco novo soar como os antigos", Mikkey Dee (Motörhead) – ed. #146 (mar, 2011)

"As pessoas falam mais do Sepultura, que teve mais visibilidade internacional, mas o Korzus foi a primeira boa impressão que tive da cena do Metal brasileiro", Schmier (Destruction) – ed. #147 (abr, 2011)

"Eu passaria a vida cantando covers do Motörhead", Tom Angelripper (Sodom) – ed. #147 (abr, 2011)

"Eu compus tendo em mente como as músicas soariam ao vivo e como a plateia poderia reagir. Tentei criar a partir daí, pensando em moshs e nas pessoas batendo cabeça", Nige Rockett (Onslaught) – ed. #148 (mai, 2011)

"Nunca disse que odiava Heavy Metal. Eu ainda curto muito os discos que cresci ouvindo, como os de Judas Priest, Iron Maiden, Ozzy Osbourne, Dio e Metallica", Michael Kiske (Unisonic, ex-Helloween) – ed. #148 (mai, 2011)

"(...) Percebi que ou ia cometer suicídio ou mudaria tudo. Decidi que seguiria em frente. Tinha perdido tudo, estava sozinho e havia me separado de minha segunda esposa. Bebia, usava drogas... Não tinha o que perder. Mas foi a melhor coisa que fiz por mim, pois fez uma grande diferença na minha vida", Marcie Free (Unruly Child, ex-King Kobra) falando sobre sua cirurgia de mudança de sexo – ed. #149 (jun, 2011)

"(...) Todos os lugares que visito para shows e clínicas eu assino discos do Blue Murder e em todas as entrevistas que concedo as pessoas me perguntam sobre a banda. É incrível!", Carmine Appice (King Kobra e outros) – ed. #149 (jun, 2011)

"Aprendi muito sobre música brasileira e também sobre o povo brasileiro. Aprendi português, também. Bem, eu acho que é meio aquele português típico das ruas de Salvador, porque eu passei muito tempo com aqueles 'malucos armados'", Michael Hoffmann (Assassin) – ed. #151 (ago, 2011)

"Eu gosto das músicas, tenho ótimas lembranças daquele período e acho boas as performances individuais daquela gravação. O produto final veio com muito baixo e a mixagem não contribuiu", Ian Gillan (Deep Purple) falando sobre o álbum "Born Again" (Black Sabbath) – ed. #152 (set, 2011)

"É revoltante, também, você ver caras fazendo o sinal do Heavy Metal cantando música com letrinha da Xuxa", Ivan Busic (Dr. Sin) – ed. #154 (nov, 2011)

"Era impensável cogitar que tocaríamos na Rússia naquela fase do comunismo, mas aquele foi um dos momentos mais incríveis da minha vida. Jamais irei esquecer!", Bernie Shaw (Uriah Heep) – ed. #154 (nov, 2011)

"Não pensamos em homenagem e nem em fazer algo baseado no som de Dio ou Black Sabbath. Influências pessoais são legais quando acabam aparecendo sem que você perceba", Rogerio Fernandes (Carro Bomba) – ed. #155 (dez, 2011)

Retrospectiva 2011 - Shows

2011-12-22T12:17:00.001-02:00

Cancelamentos
O ano de 2011 foi marcado por uma maratona de shows absurda, mas também por alguns cancelamentos que frustraram os fãs. A banda norte-americana de Death Metal Master resolveu cancelar sua turnê que aconteceria em maio pelo Brasil e América do Sul. A banda inglesa Anathema cancelou o show que faria em junho em São Paulo. No mês seguinte foi a vez do Danzig, que tocaria no dia 16 de julho em São Paulo e teve o show cancelado "por motivos de força maior".

Já a banda alemã Mad Max iria se apresentar em agosto ao lado da banda brasileira Sunroad, mas o guitarrista e empresário Jurgen Breforth comunicou que o vocalista Michael Vöss não poderia deixar a turnê ao lado de Michael Schenker e cancelou as datas.

O guitarrista George Lynch (Lynch Mob, ex-Dokken), que já havia adiado o show que ocorreria em maio, teve a segunda data no Brasil (25/09) cancelada. Na ocasião, a banda que acompanharia Lynch teria os brasileiros Nando Fernandes (vocal, ex-Hangar e Cavalo Vapor) e os irmãos Andria Busic (baixo e vocal) e Ivan Busic (bateria e vocal), do Dr. Sin.

Quem adiou o show que faria em junho, mas felizmente compareceu meses depois, a 13 de agosto, foi o grupo norte-americano Tuff. Os fãs de Hard Rock tiveram uma grande noite no Inferno Club, na rua Augusta. Semanas depois, o Faster Pussycat – Sleaze até a última instância! – também tocou na mesma casa e fez um dos melhores shows do ano dos considerados de "pequeno porte" – o outro foi o do grupo inglês de Thrash Metal Onslaught, no Manifesto Bar (SP).

O trio alemão Destruction, que tinha turnê marcada em abril, adiou para agosto e cumpriu fazendo uma apresentação como sempre furiosa e energética no Carioca Club (SP). Este foi o mesmo caso da tour do Black Label Society, que ocorreria em maio e passou para agosto, sendo realizado com ótima presença de público.

Fiasco
Não estou falando do Santos na final do Mundial contra o Barcelona, nem da campanha ridícula do meu São Paulo no Brasileirão, mas da turnê brasileira da Symfonia, que teve um saldo amargo para o brasileiro Andre Matos (vocal, ex-Angra, Shaman e Viper) e o guitarrista finlandês Timo Tolkki (guitarra, ex-Stratovarius e Revolution Renaissance).

Mal planejada, com mudanças de datas e pouco público presente, o que poderia ser um ressurgimento do Metal Melódico foi um furo n'água. "Quando estive por dois dias no hotel Fórmula 1 (o mais barato que você pode conseguir em São Paulo) eu me vi na escuridão e pensando no meu futuro como músico", explicou Timo Tolkki que, de tão descontente com o desempenho do então chamado "supergrupo", divulgou uma extensa nota em seu Facebook falando que pode nunca mais voltar a tocar.

Shows (super)lotados
Muitos shows realizados em São Paulo durante o ano de 2011 tiveram grande presença de público, mas a cobertura mais complicada de se fazer foi, sem dúvida, do primeiro show da banda alemã Accept no Brasil, realizado a 15 de maio no Carioca Club (SP) – na semana seguinte ao do U.D.O., no mesmo local. Estava tão (super)lotado que foi difícil até fazer as anotações no bloquinho que costumo levar aos shows. Ninguém nem ousou sair do lugar ou ir buscar uma cerveja durante a apresentação, porque certamente não iria conseguir voltar para o lugar onde estava. Mesmo assim, o set foi intenso e mostrou que o Accept pode retornar sem o menor problema que será bem recebido.

Outro que compareci e estava nitidamente superlotado foi do guitarrista Slash, a 7 de abril no HSBC Brasil. Azar da minha esposa, que é muito fã de Guns N'Roses e pouco conseguiu ver naquela pista infernal do HSBC. Fazia tempo que não via um show com tanta gente saindo desmaiada e sendo levada pelos bombeiros de maca e cadeira de rodas por causa do calor e da superlotação - o nome da turnê era "We're All Gonna Die". E, mais, se a pior casa para se estacionar carro é o HSBC Brasil, imagine como foi nesse dia.

Fui para ver um e vi outro
Quando tive pneumonia pela primeira vez, acabei perdendo o show do Michael Schenker Group em São Paulo. Felizmente, o 'guitar hero' alemão retornou para um show no Manifesto Bar (SP), onde se apresentou em 26 de fevereiro. Como um dos primeiros discos que tive na vida foi "Obsession" (1978) do UFO – adquirido na Woodstock Discos, ainda na galeria da rua José Bonifácio –, estava mais que ansioso para ver Schenker com sua Flying V em ação. E, sim, eu também gosto MUITO da fase McAuley Schenker Group, ao contrário de alguns fãs.

No entanto, atrás dele estava o mestre Carmine Appice. Eu bem que tentei tirar os olhos da bateria enquanto via clássicos como "Armed and Ready", "Cry For The Nation" e "Lets Sleeping Dogs Lie" – uma das minhas preferidas! – e "Ready To Rock", mas instintivamente minhas atenções voltavam ao monstro das baquetas. Felizmente, além de vê-lo tocando, também pude entrevistá-lo meses depois para falar do álbum de retorno do King Kobra – matéria publicada na ed. #149 (jun, 2011).

Até queria ter visto, mas não deu...
Por causa de um compromisso familiar, não vi o show do experiente vocalista Mark Boals, ex-Savoy Brown, Yngwie Malmsteen, Ring Of Fire, Royal Hunt, entre outros projetos. Boals tocou no Blackmore Rock Bar no dia 1º de outubro, ao lado dos irmãos Busic do Dr. Sin, do tecladista Bruno Sá e do guitarrista Hard Alexandre (ex-Madgator). No set, duas preferidas "da casa": Queen In Love e You Don't Remember, I'll Never Forget. Quem sabe um dia ele retorne.

Ah, o compromisso citado foi muito legal, pois no casamento do meu primo Pedro Silva Jr. acabei encontrando outro parente distante, o Adalberto Flávio Rosado Júnior, ex-baterista da banda Abutre – aquela do "SP Metal 2". Imagine quantas histórias e lembranças "old school"...

Shows de "abertura"
Este ano tivemos alguns 'opening-acts' muito interessantes abrindo, ou dividindo as honras, de shows internacionais. No final de março, o The Sweet aqueceu o público presente ao Via Funchal (SP) e que aguardava ansiosamente pelo primeiro show do Journey no Brasil. Dias depois, a 2 de abril, o Sepultura teve a honra de abrir para Ozzy Osbourne e realizou um set intenso e vibrante na Arena Anhembi (SP). Fazia tempo que eu não vibrava realmente vendo o orgulho do Metal brasileiro, mas desta vez eles estavam a mil e tocaram um set bem balanceado.

Em maio foi a vez do Buckcherry, que se apresentou no Credicard Hall (SP) antes do Mötley Crüe, que também pisou pela primeira vez no Brasil. A histeria que vinha ocorrendo entre os fãs de Mötley nas redes sociais enfim se encerrou, mas duvido que o grupo retorne. Tocam em casas abarrotadas, inclusive na América do Sul, mas aqui não conseguiram lotar o Credicard Hall. Uma pena...

Um show em que a abertura superou a atração principal ocorreu em junho, quando o Hirax se apresentou antes do Beehler no Carioca Club (SP). Não que o set da banda comandada pelo ex-baterista do Exciter, Dan Beehler, tivesse sido ruim, mas o som estava péssimo, o que não ocorreu com o grupo liderado por Katon W. De Pena (foto). A única coisa negativa no Hirax é a performance muito fraca de seu atual baterista. Mas Katon W. De Pena, um exemplo de headbanger, apavorou. Como falei no post de 18 de junho, o simpático e atencioso vocalista tirou fotos, agitou, conversou e interagiu com os thrashers presentes. Este é um que pode e deve ser chamado de 'Brother Of Metal'.

O Whitesnake novamente veio ao Brasil abrir shows para o Judas Priest e desta vez foi monstruosamente engolido. David Coverdale deveria pensar seriamente em mudar o set list colocando músicas mais antigas, porque vê-lo tentar cantar "Still Of The Night" é um martírio. Quem esteve na Arena Anhembi (SP) naquele 10 de setembro sabe o que estou falando. Já o Priest, mesmo sem K.K. Downing, detonou!

Retrospectiva 2011 - Prometeu e cumpriu

2011-12-21T12:13:00.002-02:00

King Diamond, que vem sendo o destaque da seção "Background" da ROADIE CREW, havia sido internado às pressas no dia 29 de novembro de 2010 com dores no peito. O vocalista dinamarquês, que foi submetido a uma cirurgia de ponte de safena tripla para desbloquear artérias do coração, tinha planejado voltar aos palcos em 2011.

O ano passou e poucas notícias foram dadas, até que ele felizmente cumpriu sua promessa! King Diamond e o Mercyful Fate foram homenageados pelo Metallica no dia 7 de dezembro, quando a banda tocou no The Fillmore, em São Francisco (EUA).

A série de shows especiais e exclusivos que marcou os 30 anos de carreira do Metallica ainda contou com a presença de Armored Saint, Diamond Head, Marianne Faithfull, Apocalyptica, Lou Reed, Dave Mustaine (Megadeth), Jason Newsted, Scott Ian (Anthrax), Ray Haller (Sweet Savage), John Marshall (ex-Metal Church), Biff Byford (Saxon), Kid Rock, Geezer Butler e Ozzy Osbourne, entre outros.

THE GOOD OLD DAYS – REVIVAL

2011-08-09T17:45:00.004-03:00

No post "The Good Old Days" (http://is.gd/oB4is6) relembrei com entusiasmo dos momentos que passei no saudoso Black Jack Rock Bar. Hoje, vendo no YouTube parte da banda Trama tocando "Because The Night" na versão gravada pelo Keel, bateu aquele sentimento saudosista. Como eu queria poder abrir "aquela porta" de novo ou mesmo ter a chance de ver, por somente uma vez mais que fosse, a melhor banda cover de Hard Rock que atuou em São Paulo.

Com tantas brigas entre grupos autorais e covers, muita gente parece ter se esquecido de que sair à noite é sinônimo de diversão. E isso o Trama fazia bem. Era pura festa e entretenimento, condizente com tudo que tem a ver com o Hard Rock dos anos 80. Como falei naquele primeiro post, o Black Jack Bar durou vinte e seis anos, de 1980 a 2006, quando fechou as portas e deixou um gosto amargo para todos que o tinham como sua "segunda casa".

O mais estranho é que eu sabia – naquela época! – que aconteceria comigo a mesma coisa que os mais velhos que frequentavam a casa falavam em relação às bandas mais novas. Bem antes de o Trama fazer a festa Hard por lá, lembro do nosso pessoal reclamando que o som do bar "só" tinha Purple, Rainbow e Whitesnake, bandas que obviamente também curtíamos, mas àquela altura vibrávamos ao som de coisas mais "recentes" – podendo ser das pesadas ou das "posers". Eles estavam deixando duas gerações para trás e nós não conseguíamos entender aquilo direito.

Certo dia, cansados de ouvir pela enésima vez "Long Live Rock 'n' Roll" ou "Stargazer", fomos falar com um dos donos, que era sempre muito gentil: "Pô, será que nem Judas Priest dá pra rolar aqui?" Um amigo dele rebateu: "Cara, isso é pesado. Se quer ouvir essas coisas, vá a outro pico." Ok, engolimos e nunca mais nem olhamos para a cara daquele "velho fã de Rainbow". Ah, o maldito choque de gerações. Eu sabia que isso ia acontecer.

Hoje, toda vez que os mais novos falam comigo sobre Lamb Of God, Shadows Fall, Killswitch Engage, Unearth, As I Lay Dying, Trivium e outros, me pego pensando naquele dia que falamos com o "velho fã de Rainbow". Claro que jamais terei a mesma atitude que ele teve, mesmo porque preciso conhecer e ouvir todas estas bandas pela função que exerço profissionalmente. Por outro lado, agora entendo o que se passava pela cabeça dele. Não vou me forçar a gostar do que não consigo gostar. Simplesmente não entra, não desce. Mas, saiba, por mais "mente aberta" que seja, você ainda vai passar por isso em algum momento, se é que já não passou.

O fundamental é conhecer, reconhecer e aceitar, por mais que não desça, que os tempos são outros. Afinal, até o filho do vocalista do Iron Maiden não canta como o pai, mas exatamente como os grupos da tendência que agora está na moda: MetalCore. O que fica de lição: tratar bem os outros nunca faz mal a ninguém. E o sonho de abrir "aquela porta" é mesmo um sonho.

MTV, eu vi

2010-10-20T10:20:00.009-02:00

A alegria durou pouco, mas nos pareceu uma eternidade. Os coroas estavam a mil tentando descobrir uma forma de ganhar dinheiro, já que o Plano Collor confiscou a poupança bancária de boa parte dos brasileiros. E nós, os mais jovens, estávamos preocupados em tentar achar um jeito para conseguir sintonizar aquele "canal americano que rola som o dia inteiro". A partir de 20 de outubro de 1990 não importava como, seja com sintonizador de UHF ou um pedaço de Bombril, todo mundo queria conferir aquela emissora.

Confesso que foi muito complicado começar a gravar os videoclipes em vídeo, especialmente os do saudoso "Fúria Metal", apresentado pelo ex-advogado Gastão Moreira – qualquer semelhança com este que vos escreve é mera coincidência. Em todo caso, o fã do Monster Magnet e ex-companheiro do meu amigo baterista Ricardo Confessori na banda Witchcraft, ia nos brindando com o que havia de mais legal e novo no mundo Metal. Além dos clipes, quando a emissora efetivamente pegou, foram abrindo espaço para entrevistas e matérias especiais quando atrações de peso visitavam o nosso país. Não tão frequente como a absurda e, até certo ponto, improvável enxurrada de shows que assola o país hoje em dia, cada evento era realmente um grande acontecimento. Movimentava todos com enorme euforia. Mais ainda para eles, os profissionais da MTV, que estavam descobrindo a melhor forma de trabalhar e abordar estes assuntos ao público jovem, algo que tempos depois nós (ROADIE CREW) também vivenciamos.

Não seria exagero dizer que a MTV Brasil fez com que Metallica, Guns N'Roses, Skid Row, Bon Jovi, Sepultura, Faith No More, Living Colour, Pantera, Aerosmith e algumas outras bandas incrivelmente atingissem o status de 'cool' no país do Samba. Só que era justamente aí que morava o perigo. Ninguém tinha consciência, mas a turma dos "in" (descolados) começou a trabalhar tramando o passo seguinte, aquilo que substituiria o que nós tanto gostávamos. A turma dos camisa de flanela chegou e aí a MTV se tornou a NTV, mudando aos poucos o seu foco e, anos depois, descambando de vez para o precipício. Claro que estou focando exclusivamente no nosso lado, o do Heavy Metal.

A massificação fez a sua parte e o que antes era marginal entrou na moda. Porém, o que entra na moda tem prazo de validade e aquilo que era legal se tornou motivo de chacota. Hoje, quando lembram que o Heavy Metal existe ou é parar tripudiar ou relembrar os feitos das bandas acima mencionadas que, milagrosamente – ou propositadamente –, conseguiram suplantar o efeito NTV e a linha "severa" da brasilidade exacerbada. Se existe algum problema para abordar o assunto que hoje ninguém mais tem a menor noção na emissora, algum "in"(die) deve dar um berro na redação: "Ah, é sobre isso? Então, chama o Andreas Kisser!".

A noção da fidelidade e da forma passional na relação dos fãs com o Heavy Metal pode ter mudado, mas ainda me lembro do ódio de todos os meus amigos no pós-Rock In Rio de 1985, quando confundiam o Língua de Trapo com grupos de Metal. O "Festival dos Festivais" foi um prato cheio para satirizar os "metaleiros", termo que qualificou de forma caricata o fã de Metal. Assim, nada mais coerente do que o caricato Língua de Trapo ter ficado entre os doze finalistas com a música "Os metaleiros também amam". Aí você pode pensar: "nossa que radicalismo bobo". Sim, bobo. Realmente bobo. Espera aí... Como diria o saudoso Costinha, me lembrei de outra que vem mais a calhar. Ainda na fase "Rock In Rio", a comédia infantil "Os Trapalhões no Reino da Fantasia" (1985) mostrou o quarteto humorístico Didi, Dedé, Mussum e Zacarias parodiando uma banda de Heavy Metal e encenando o show do "Heavy Traps", com referências diretas ao AC/DC. Fazendo uma analogia aos nossos tempos, mais um ponto para a NTV, que reviveu a paródia com seu digno representante do mais puro Heavy Metal: Massacration.

Embora alguns sejam verdadeiros fãs do estilo e grandes comediantes, o desserviço prestado pelos hoje "Legendários" será incalculável. Mais do que o Viper quando tentou seguir os passos do Raimundos com sua fase "Rock nacional pesado". E todos sabem, após se tornar uma megabanda, a banda de Brasília sumiu embalada pela fé de seu ex-frontman. A outra fez sua parte, levando meu amigo e ex-colega de faculdade de Direito, Oswaldo Yves Passarell, ao Capital Inicial. Olha como são as coisas: enquanto o vocalista Dinho queria soar mais pesado com seu projeto solo Vertigo, Oswaldo estava no auge do sucesso com o Viper mas ficava mais preocupado com as provas da faculdade do que com qualquer outra coisa. Chega de divagações, prometo que vou parar de entregar alguns segredos por aqui...

Bem, como diria aquele narrador esportivo, "o tempo passa", mas os objetivos da emissora de atingir um público jovem foram plenamente atingidos. Os profissionais que por lá passaram hoje têm grande respeito na mídia brasileira. Merecidamente, diga-se. E mais, também não seria exagero dizer que a primeira emissora de TV segmentada do país salvou a vida do meu amigo João Francisco Benedan. Se o saldo da NTV é amargo para quem gosta de Heavy Metal, pelo menos nesta leva um dez de dimensões "gordas".

Ah, antes dos parabéns, não poderia deixar de lado uma curiosidade. Apenas cinco dias depois de entrar no ar pela primeira vez há vinte anos, nascia o hoje ator e cantor Fiuk, digno representante do atual momento da NTV. Parabéns. E basta.

'Brasil Heavy Metal': lançamento mundial do clipe da música tema do filme

2010-10-08T00:01:00.000-03:00

Os fãs do Metal brasileiro acabam de ganhar um presente: está no ar o aguardado videoclipe da música tema do longa-metragem "BRASIL HEAVY METAL", com a participação de dezesseis vocalistas do Heavy Metal brasileiro dos anos 80 que, juntos, cantaram o tema com toda garra e emoção.

O diretor do filme, Ricardo "Micka" Michaelis, explica como se deu a ideia desta inédita união: "Em uma certa manhã recebi uma das músicas que farão parte do CD/vinil duplo do projeto 'BRASIL HEAVY METAL'. Era a canção do Stress. Em meio a outras atividades, segui escutando e em menos de um minuto já estava paralizado. Confesso que a emoção tomou conta de mim."

A sonoridade e a letra fizeram o diretor reviver todos os sabores daqueles mágicos anos 80, quando tudo era uma grande descoberta. "Liguei para meu amigo China Lee, vocalista do Salário Mínimo, e coloquei a música para ele ouvir mesmo por telefone", conta. "Ele imediatamente disse: 'Cara, vamos todos cantar essa música!' E aí fizemos a loucura...", completa.

Tendo como base musical a gravação original do Stress, a produção do filme realizou várias sessões de gravação em São Paulo, Belo Horizonte e Rio de Janeiro, contando com a presença de vocalistas brasileiros que representam a identidade do Metal dos anos 80. Além disso, um cenário exclusivo foi desenvolvido e transportado para os estúdios, mantendo o padrão e unidade. "Foram momentos mágicos", revela Micka. "Alguns vocalistas já não estão mais em atividade, mas isso pouco importava. Vi no olhar de cada um o quanto significou ter vivido e ajudado a construir essa história", completa.

Os vocalistas que participaram das gravações foram os seguintes:

Andre Matos (Viper, Angra e Shaman)

Bozó (Overdose)

César "Cachorrão" Zanelli (Centúrias)

China Lee (Salário Mínimo)

Flávio Ferb (Vírus)

Jack Santiago (Harppia)

Julio Michaelis Jr. (Santuário)

Lone (Angel)

"Lucky" Luciano (Metalmania/Robertinho de Recife, X-Rated)

Marcello Pompeu (Korzus)

Marielle Loyola (Volkana)

Otávio Augusto (Taurus)

Paulinho (Witchhammer)

Paulinho Heavy (Inox)

Roosevelt "Bala" (Stress)

Tavinho Godoy (Metalmorphose)

O clipe foi produzido em FULL HD e tem versões em cinco idiomas, com legendas em japonês, espanhol, inglês e alemão. "O espírito, garra e entrega sensibilizou a todos e tenho certeza de que os fãs sentirão a verdadeira energia destes guerreiros. Por isso, queremos realmente fazer a maior corrente metálica que o Brasil já viu! Vamos espalhar essa energia para, juntos, atingirmos 1 milhão de views!", finaliza o diretor do filme que será o mais fiel documento histórico sobre o surgimento do Heavy Metal no Brasil na década de 80.

Acesse: www.brasilheavymetal.com

Bathory: a magia permanece

2010-08-07T08:00:00.005-03:00

Após ouvir mais um habitual “Ricaaaaaaardo, telefone!!!”, proferido diariamente por minha mãe, atendi a ligação. “Fala Slayer! Chega aqui em casa que comprei um disco importado daquela banda que parece Venom”, disse meu amigo Claudio Fortuna. “Pô, legal! Qual disco é?”, indaguei. “Um que chama ‘Under The Sign Of The Black Mark’ e a capa é muito legal”, respondeu Claudio. Nem lembro o que estava fazendo naquela hora em casa, mas saí dizendo que tinha um “compromisso inadiável”. Afinal, estava prestes a ouvir o novo trabalho da “banda que parece Venom”, da “banda de um cara só”, da “banda do disco com a capa do bode”...

A ligação com o Bathory era grande desde o primeiro contato que tive com a banda, no lançamento do EP autointitulado de 1984. Lembro perfeitamente quando Serginho – hoje advogado de renome nacional – e Duda, amigos do time de futebol de praia do Guarujá, compraram “o disco do bode” importado e me enviaram pelo correio a gravação em fita cassete por fonopostal (!). É, quem reclama hoje que o “link está fora do ar” não faz ideia do que fazíamos para ouvir algo novo.

Também me recordo de ver o Paulinho “Pedrinho”, que fazia parte do time de basquetebol do clube Paineiras do Morumby na categoria do Conrado Tabuso, um dos editores do fanzine DeathCore, usando quase que diariamente a camiseta da “banda do bode”, com a capa do EP estampada. Nós até brincávamos que não íamos comprar a camiseta porque senão estaríamos “vestidos de Paulinho”.

Após os treinos e jogos do Paineiras – ou “Parna”, como chamávamos –, naquela fila para pegar o lanche, invariavelmente vinha o papo de quem era melhor – Bathory, Venom, Celtic Frost ou Hellhammer? Nunca quis entrar tão a fundo nessas discussões. Afinal, curtia da mesma forma todas estas bandas, mas sempre falava as mesmas coisas: “Ah, a música ‘Necromansy’ é a melhor do Bathory!” ou “O Venom que começou com isso tudo! Duvido que o Quorthon não tenha se inspirado na ‘In League with Satan’ para fazer a ‘In Conspiracy with Satan’”… Bem, eu falava tudo isso, mas bem lá no fundo eu já sabia que a minha preferida dentre estas era Celtic Frost mesmo. Era, ainda é e acredito que sempre será.

“Under The Sign Of The Black Mark”, o álbum que Claudio Fortuna e eu estávamos ouvindo pela primeira vez, era o terceiro da carreira do Bathory e foi lançado naquele mesmo ano, 1987. Passou o lado A, passou o lado B, mas a música que imediatamente curtimos foi a “Woman Of Dark Desires”, dedicada a Elizabeth Bathory. Ficou no ar a questão: “Quem seria aquela mulher?”... Como não havia internet, deixamos pra lá. Tempos depois, fui consultar algumas enciclopédias que tinha em casa – Barsa, Tudo... – e descobri que se tratava da Condessa Elizabeth Bathory.

O já falecido músico sueco Thomas "Quorthon" Forsberg (17 de fevereiro de 1966 — 7 de junho de 2004) inspirou-se em Erzsebet Báthory para o nome de sua banda. Nascida em 1560, filha de pais de famílias aristocráticas da Hungria, Elizabeth cresceu numa época em que as forças turcas conquistaram a maior parte do território húngaro, sendo campo de batalhas entre Turquia e Áustria.

Como conviveu com todo o tipo de atrocidades quando criança, Elizabeth desenvolveu um alto grau de sadismo. Mais tarde, se tornou uma das mais belas aristocratas e quem a via jamais poderia imaginar que, por trás daquela atraente mulher, havia um mórbido prazer em ver o sofrimento alheio. A Condessa ganhou a fama de ser "vampira" por morder e dilacerar a carne de suas criadas.

Casada com o Conde Ferenc Nadasdy, Elizabeth teve três filhas, Anna, Ursula e Katherina, e um filho, Paul. Após a morte de seu marido em 1604, mudou-se para Viena e daí para frente seus atos tornaram-se mais pavorosos e depravados. As investigações sobre os assassinatos cometidos pela Condessa começaram em 1610, ano em que foi presa e julgada.

Em janeiro do ano seguinte foram apresentadas como provas algumas anotações escritas por Elizabeth, contando com aproximadamente 650 nomes de vítimas mortas pela acusada. Seus cúmplices foram condenados à morte e a Condessa à prisão perpétua. Elizabeth foi presa num aposento em seu próprio castelo, sem qualquer contato com o mundo externo. Vivendo fechada num quarto, sem portas e janelas, apenas com uma pequena abertura para passagem de ar e comida, faleceu a 21 de agosto de 1614.

Não sou cinéfilo e não consigo guardar nomes de filmes e de atores que vi na semana passada, mas uma boa dica para se ter uma ideia de como foi a vida de Elizabeth é o filme “Bathory” (“Condessa de Sangue”, no Brasil), lançado este ano. Mesclando ficção e realidade, o filme dirigido por Juraj Jakubisco mostra como Elizabeth Bathory se tornou uma lenda. No elenco, Karel Roden, Vincent Regan, Haws Matheson, Deana Horváthová e Franco Nero. Coloquei por colocar, já que não faço a menor ideia de quem sejam estes atores, OK?

Os anos passaram, os nossos gostos musicais foram se ampliando, mas aquela magia em relação ao Bathory permaneceu – pelo menos pra mim. Quando montei a banda Midnight com o vocalista Roger Lombardi, sabia da admiração dele em relação a estes mesmos grupos. Chegamos a gravar um CD com o Sunseth Midnight e quando ele saiu para montar o seu próprio projeto, veio com o nome Goatlove – goat que, na tradução literal, significa bode (ou cabra). O som da banda não tem nenhuma ligação com o Bathory, mas com o The Cult, que também tem seu disco “da capa do bode” e outro intitulado “Love”. Entretanto, bastam cinco minutos de papo com ele para perceber que o Bathory é uma referência, mesmo que implícita, assim como o Celtic Frost, Hellhammer, Venom e tantos outros. É, parece que a magia em relação ao quarteto “Bathory-Venom-Celtic Frost-Hellhammer” perdurará.

Obrigado, Ratt!

2010-07-29T07:00:00.005-03:00

Hoje em dia, quando penso que troquei cinco discos de vinil do AC/DC para pegar um do Dark Angel tenho consciência de que não fiz um bom negócio. Não que o Dark Angel seja ruim, especialmente porque ainda tenho o tal disco e também a versão em CD, mas sinto falta dos meus álbuns de bandas "normais", das clássicas, aqueles lançamentos que eu mesmo chamo de "babas". Porém, no auge do radicalismo e da descoberta das bandas mais extremas e "porrada", para mim não havia espaço para curtir som leve. Eram dez horas de Slayer por dia e algum tempo para outras como Celtic Frost, Voivod, Sodom, Venom, Bathory, Possessed e por aí vai.

Já comentei este assunto na "Coluna do Batalha" mas, como "Batalha Slayer", cheguei ao cúmulo de chamar várias bandas que hoje curto demais de "Falso Metal", algo que meu irmão, Frederico, certamente irá me zoar até meus últimos dias de vida. Discos com teclado, saxofone, metais e bateria eletrônica, eu descartava sem sequer ouvir – lia as informações da contracapa ou do encarte e não comprava. Eu sei, você também já ouviu a "máxima" mais imbecil do mundo: "Não ouvi e não gostei".

A vida seguia assim, mas toda vez que escutava riffs de um certo grupo norte-americano que fazia muito sucesso no Hard Rock, eu parava para prestar atenção. Mas não passava disso. Alguns outros amigos, bem menos radicais ou que nem chegaram a entrar a fundo no Thrash/Black/Death Metal, já curtiam aquela banda com entusiasmo. Sempre falavam a mesma coisa: "Batalha, não é possível que você não curte essas bases de guitarra!" Como andava em uma turma cheia de gente que estava esperando um "deslize" para fazer chacota na frente de todos, nunca dei o braço a torcer. Se alguém ficasse sabendo que você gravou, mesmo que no final de uma coletânea, uma música "fora do esquema", estaria perdido. Era um mês de chateação, no mínimo.

Então, certa vez, fui à casa de um outro amigo que ouvia Slayer como eu, o Marco Antonio, para gravar alguns vídeos de shows e videoclipes, outra prática bastante comum nos anos 80. Juntar dois vídeos para gravar era uma coisa que aproximava os fãs e, invariavelmente, criava amizades. Pois bem, estava lá gravando vídeos piratas ao vivo – um deles era aquele do Slayer na Holanda na fase "Show no Mercy" –, e então chegou um outro amigo que tocava guitarra, o Eduardo. O cara só falava na tal banda. Era Ratt pra cá, Ratt pra lá. E falava de um dos guitarristas, Warren DeMartini. E falava do vocalista, Stephen Pearcy...

Quando já estava ficando de saco cheio, falei para ele: "Tudo bem, meu. Coloca essa sua fita, vai." E então ouvimos os riffs iniciais da "You're In Love", faixa de abertura do álbum "Invasion Of Your Privacy". Mais uma vez eu pensei comigo: "Legal!" Também pudera, a trinca de abertura desse disco é fenomenal, seguindo com "Never Use Love" e "Lay It Down".

Só sei que de "legal" em "legal", acabei gravando aquela fita dias depois. Na semana seguinte, comprei o disco "Invasion Of Your Privacy" e nas seguintes os outros que tinham saído no mercado nacional. Quando me perguntavam se eu estava "curtindo poser", respondia: "Sim, mas só o Ratt." Até meu amigo Claudio Fortuna, que ouvia as mesmas bandas mais extremas, mas tinha uma cabeça mais aberta, se rendeu: "O que me irrita é que eles ficam com 'love' pra cá, 'love' pra lá, mas também gostei. É legal esse disco, pode gravar pra mim."

Como sempre uma coisa leva à outra, fui percebendo que estava achando legal demais e então comecei a recuperar o tempo perdido. Como também fora apresentado ao Dokken, a resposta àquela pergunta ia tendo bandas adicionadas a cada semana: "Sim, estou ouvindo Hard, mas só o Ratt e o Dokken." Pensa só na cara irônica do meu irmão, Frederico, tirando sarro diariamente, entrando no meu quarto e falando: "Hummm, curtindo rockinho falso Metal, é?"...

O Ratt não só abriu minha mente ao Hard Rock – o poser, o farofa, o hair metal – e às hoje chamadas 'hair bands', mas indiretamente me levou à redescoberta das bandas que eu havia "abandonado", como o Triumph (um crime!), por exemplo. E mais, me ajudou a aceitar o que antes era quase "proibido". Foi como sair da prisão.

Estava livre. Voltei a ouvir, curtir, ler e estudar sobre as grandes e as mais obscuras bandas dos anos 60 e 70 e "até" Pink Floyd, mesmo com muito teclado, piano e saxofone (!). Aceitei o The Doors, que antes odiava porque o teclado tinha som de "órgão de velho"... Assim, além de buscar outras novidades do Thrash e da música extrema – como o Coroner, que gravei dezenas de cópias da demo-tape "Death Cult" aos meus amigos –, fui descobrindo bandas e vibrando novamente com os sons outrora considerados "leves demais" por mim. Por outro lado, ninguém mais queria ouvir minhas coletâneas quando saíamos de carro ou viajávamos. Ficava todo mundo comentando: "Pô, Batalha, você é louco! Como consegue gravar Ratt, Sodom, Bad Company, Foghat, Kiss, Judas Priest, Thin Lizzy e Kreator na mesma fita?"...

Infelizmente, nunca cheguei a ter uma banda de Hard Rock, nem de Thrash Metal, mas embora o Cizania - então formado por Adalton Ribeiro (guitarra), Marcelo Fanin (baixo) e Eric Yañez (vocal) - tocasse composições próprias fincadas no Heavy Metal Tradicional, certa vez nos apresentamos no encerramento do festival de música da escola estadual Professor Alberto Levy, localizado na av. Indianópolis, local onde vota o ex-presidente Fernando Henrique Cardoso. O festival era um outro grande ponto de encontro de amigos da região e onde se juntavam as turmas que andavam com as bandas Centúrias, Vírus e Cérbero. Pois bem, aquela foi a única vez que toquei Ratt na vida, pois nosso set list contava com a música "What You Give Is What You Get", faixa do álbum "Invasion Of Your Privacy". Sei que meus amigos Macarrão e Leão, e todo pessoal que andava com eles, vibraram durante a execução. Para todos foi uma grande surpresa, porque até hoje não é muito comum uma banda tocar cover do Ratt.

Você sabe (ou vai saber um dia), cada um tem o seu "Ratt" na trajetória musical, mas confesso que se não fosse por esta banda talvez eu não teria condições de trabalhar escrevendo sobre música. Por tudo isso, só posso dizer: OBRIGADO, RATT!

OK, agora só falta vir tocar no Brasil.

Post relacionado:
http://colunasleeversbatalha.blogspot.com/2008/12/basquetebol-e-metal-deathcore-zine.html

Fotos:
Discos: Reprodução
Banda: juancroucier.com

Paulão Thomaz: 50 anos de Rock

2010-07-26T08:00:00.003-03:00

"Tenho muito orgulho de ter ajudado a começar tudo isso. Naquela época (anos 80) era tudo mais inocente e amador. Hoje em dia, as bandas não se interessam em ajudar as outras, é cada um por si" - Paulão Thomaz

"Oi, você pode chamar o baterista do Centúrias, o Paulão, que vai tocar aí hoje?", perguntei à recepcionista do Teatro Mambembe. "Quem quer falar?", seguiu a atendente. "Aqui é o Ricardo Batalha, que vai fazer a filmagem do show". Quando falei para ela esta última frase eu não tinha a menor ideia se iria ou não filmar aquele show. Já havia filmado um da banda A Chave do Sol no Teatro TBC no final de 1986 e, apesar de ter visto várias apresentações do Centúrias, não era amigo pessoal de nenhum integrante da banda. "Oi, quem fala?", indagou Paulão. "Que filmagem é essa?", prosseguiu. Expliquei a situação e ele respondeu com grande entusiasmo: "Claro que pode vir aqui filmar nosso show! Vou colocar seu nome na porta, mas chegue um pouco mais cedo, senão já viu... Até mais." É, Paulão já sabia que a entrada no Teatro Mambembe não era fácil, coisa que só fiquei sabendo depois desta estreia.

Ao me ver pronto para sair com o visual headbanger anos 80 em plena segunda-feira, minha mãe logo falou com aquela cara de espanto: "Mas hoje é segunda-feira, o que você vai fazer com esta câmera?!" Respondi que ia filmar um show importante, pedi o carro emprestado e esperei. "Tudo bem. Pode ir, mas cuidado", disse minha mãe. Comi alguma coisa, peguei o carro e rumei à rua do Paraíso, onde ficava o Teatro Mambembe. Confesso que aquela ladeira não era das mais fáceis para um "carta nova" de 18 anos de idade fazer uma "baliza galã" usando o freio de mão direitinho. Bem, aquilo era o de menos. Afinal, eu ia registrar um show do Centúrias em vídeo!

Ao chegar na porta do Mambembe, aquele meu "velho amigo" metido (já citado algumas vezes aqui neste Blog) mostrou o poder de sua empáfia pela primeira vez. "Cara, seu nome não está na lista. Não sei de filmagem nenhuma. Espera aí do lado". Algum tempo depois, ele veio e falou: "Ninguém está sabendo disso, meu. Com quem você falou?". Respondi que tinha combinado tudo com o Paulão. De repente, o cara mudou. "Ah, com o Paulão?! Espera aí então que eu vou ver com ele." Bastaram poucos minutos para ter minha entrada autorizada.

Fui então ao encontro do Paulão, que me recebeu bem e me apresentou a todos os músicos, roadies e técnicos de som e luz que estavam lá. Contei para eles que tinha visto alguns shows da banda com a formação anterior, da fase "Última Noite". Aí, Paulão perguntou: "Mas por que você escolheu filmar o Centúrias?". Ele ouviu a resposta mais óbvia de todas: "Porque eu gosto!" Todos riram.

Fiz a filmagem do show, peguei o contato do Paulão e disse que entraria em contato para dar a cópia da fita (VHS). Saí do Mambembe e tive uma surpresa nada agradável, pois haviam quebrado o vidro e levado o toca-fitas do carro. E aí, como explicar para seus pais que ir a um evento de Heavy Metal numa segunda-feira em São Paulo era tranquilo. Será que tudo aquilo que eu apregoava em casa seria entendido depois disso? Por sorte, meus pais entenderam.

Dias depois, Paulão chegou em casa de bicicleta. Meu irmão Frederico, incrédulo, falou: "É o Paulo Thomaz do Centúrias que tocou a campainha?" Respondi que sim e fui lá falar com ele. Entreguei-lhe a fita e desde então Paulão se tornou um amigo.

Aí, fui convidado para sua festa de 30 anos, realizada no Black Jack Bar. Lembro-me como se fosse hoje de todos detonando o bolo de chocolate e de ter comentado com vários amigos que, assim como eu, tinham 21 anos de idade em média: "O Paulão está fazendo 30 anos! Ele é muito mais velho, mas nem parece". Todos concordaram e seguiram mandando ver na cerveja, na caipirinha e no alexander, no caso do Fanin. Tudo bem, o Fanin vai dizer que não lembra, mas ele tomava isso.

Os anos passaram e Paulão se tornou um irmão mais velho. Quem sabe o real significado de "brother of Metal", entende. Cheguei a ir em várias festas e encontros "etílicos-metallicus" que ele organizava em sua casa/estúdio, além de fazer várias matérias sobre suas bandas para a revista. Numa destas, ele chegou a comentar e rir: "Pô, Batalha, você vai tão a fundo que colocou até a data do meu nascimento. Agora ferrou, todo mundo vai saber quantos anos eu tenho de verdade", divertiu-se.

Já que todo mundo sabe, no último dia 22 de julho, Paulão Thomaz completou 50 anos de idade e comemorou a data com festa no Blackmore Rock Bar, em São Paulo. O bolo, mais uma vez, estava fenomenal. E olha que quem me conhece sabe que raramente eu como doces, mas bolo da festa do Paulão é tradição. Bolo sim, mas caipirinha de balde nunca mais!

Reencontrar velhos amigos e relembrar histórias de tempos que não voltam mais é uma das minhas coisas preferidas. Porém, naquela ocasião, eu, o Fanin, os outros amigos fãs de Metal e músicos que tocaram ou tocam com Paulão, estavam lá para se divertir e, principalmente, reverenciar uma figura ímpar do Rock brasileiro. A legião de amigos e fãs que foram prestigiar o evento viram shows do Lynyrd Skynyrd Tribute, Grand Funk Railroad Cover (Banda Máquina 70) e George Thorogood Tribute (Banda Garbage Truck). Paulão, obviamente, tocou. Desta vez, foram os grandes clássicos do Lynyrd Skynyrd, executados com a mesma pegada e garra que demonstra desde o começo de sua carreira com o Centúrias. Por sinal, o vocalista Cachorrão me mostrou em primeira mão nesse dia a música inédita que gravaram para o documentário "Brasil Heavy Metal". Quem curte o disco "Ninja", pode ter certeza que também vai adorar.

Imagine quantas mudanças e novas tendências Paulão Thomaz vivenciou desde quando começou a curtir Heavy Metal ouvindo os primeiros discos do Black Sabbath. Ele até tem seus momentos 'deprê', em que acha que tudo está errado, mas sua disposição é maior que a de um novato. Passam-se os anos mas suas atitudes, o ânimo e a garra em tocar Rock permanecem intactos. Aquele garoto que, em 1975, ficou deslumbrado ao ver um show da Patrulha do Espaço demonstra a mesma alegria e até mesmo uma ponta de ingenuidade que todos nós perdemos com o passar dos anos.

O jeito vibrante de Paulão é notado tanto quando ele fala do primeiro disco que comprou na vida – uma coletânea do Slade chamada Sladest –, como quando conta sobre as gravações recém finalizadas para o quarto álbum do Baranga, grupo que ajudou a criar em fevereiro de 2000. Além disso, sente o mesmo orgulho em usar camisetas com estampas de bandas que curte, colete de couro, jaqueta com patches e pins, como quando comprou a sua primeira camiseta – "uma do Jimmy Page – na Stoned Shirts, famosa loja de camisetas da rua Augusta nos anos 70. Assim é o senhor Paulo Thomaz Soeiro Rodrigues Alves. Portanto, se você encontrá-lo agitando na frente do palco em um show cover do AC/DC ou do Carro Bomba, saiba que é um entusiasmo real. E ele vai lhe falar, com uma garrafa de cerveja na mão: "Isso sim é Rock'n'Roll!"

Fotos de Arquivo do site www.centurias.com.br

"Esses Voivod"

2010-07-25T11:00:00.004-03:00

Em mais um domingo de sol no Parque da Aclimação, aquela edição da "Praça do Rock" prometia. Afinal, estariam no mesmo palco bandas como Centúrias e Abutre. Antes dos shows, enquanto os mais novos curtiam a discotecagem cheia de novidades, os da velha guarda não viam as mudanças no Heavy Metal com grande entusiasmo. "Agora todo mundo só quer saber desses 'Voivod'. Não entendo. Pô, vou falar com o Dalam. Eles bem que poderiam rolar um Aerosmith, um UFO ou um Kiss", dizia João Carlos.

O funcionário do escritório de advocacia de meu falecido pai não conseguiu achar Dalam Junior, mas seguiu com seu inconformismo. "A Woodstock já está começando a divulgar demais essas bandas aí. Rica, desse jeito a moçada vai esquecer de quem surgiu antes. Eu não te mostrei Voivod, mas UFO, Aerosmith, Kiss, Judas Priest, Scorpions, Iron Maiden, né?", perguntava Joãozinho, um grande incentivador para me colocar nesse mundo da música pesada e que também era chamado por outros de Sujeirinha ou Johnny Dillinger.

Ao lado de Celso Barbieri, que apresentava os eventos, Dalam Junior (baixista do Mercúrio) foi idealizador e um dos responsáveis pela realização dos eventos na concha acústica do Parque da Aclimação, que tinha apoio do Jornal do Cambuci. Tenho grande respeito e admiração por eles pela perseverança em transformar aquele espaço em um grande ponto de encontro de rockeiros. Basta você imaginar que, no último domingo de cada mês, bastava ir ao Parque da Aclimação para estar rodeado de grandes árvores e todo o verde do local, tendo atrás um belo lago e à sua frente um palco com sistema de som potente, com as melhores bandas de Rock/Metal da época tocando. Ah, sim, sem pagar um centavo.

João Carlos "Sujeirinha" não se conformava, mas eu tentava argumentar: "João, eu gosto dessas bandas novas. Não sei explicar direito, mas elas são bem mais agressivas e eu acho isso legal!". Ele ficava cada vez mais impaciente: "Vou falar com o Orlando para ver se ele muda esse cara do som! Ou mudam ou nunca mais vou chegar cedo aqui!", falava o sempre calmo e bem humorado João Carlos no alto de seu momento de irritabilidade.

Joãozinho saiu do local onde estávamos e demorou para voltar, já que estava procurando Orlando Lui Jr., o já falecido baixista que passou pelas bandas Gozo Metal e Rock da Mortalha e que tinha grande influência entre os organizadores da Praça do Rock. "O Abutre bem que podia começar o show logo para a moçada ouvir som legal e parar com esses 'Voivod'!", seguia o excepcionalmente irritado Joãozinho.

Os shows do Abutre e Centúrias foram excelentes, mas aquele não era mesmo o dia de Joãozinho, pois bastou o Abutre entrar no palco para ele disparar: "Tá vendo? São os 'Voivod' no som e agora os Abutre me aparecem com lencinhos no braço?! Mas o que está acontecendo?!", indignava-se. Como não sentia absolutamente nada em relação àquilo, curti cada momento daquela bela tarde de domingo. Joãozinho, por sua vez, saiu antes do final dos shows.

Na semana seguinte, após passar pela Woodstock Discos, resolvi ir à Galeria do Rock. Joãozinho falou tanto, mas tanto, que resolvi comprar uma fita cassete com a gravação do disco "War And Pain" (1984) do Voivod – algo muito comum naquela época em que os discos importados eram caríssimos e difíceis de se encontrar por aqui. Comprei, gostei e me tornei fã. Porém, mal sabia eu que, muitos anos depois, viveria o papel de João Carlos. Eu sei bem o que ele sentiu e passou naquele domingo. Depois eu conto...

Fotos: Reprodução / Foto Dalam Jr.: Arquivo Brasil Heavy Metal

Lá se vai mais um batalhador

2010-06-04T11:11:00.002-03:00

O fotógrafo e editor do fanzine Metal Gods, Francisco Itamar M. Brasileiro - conhecido na cena paulistana do Heavy Metal como Jaji - faleceu no último dia 18 de maio. Fica aqui o agradecimento pelo árduo trabalho de Jaji como fotógrafo e por ter acreditado em seu sonho, que começou nos anos 80 com o fã-clube Metal Gods.

Fundador e editor do Metal Gods, o incansável Jaji foi um ativista em prol do Heavy Metal, tendo organizado festas e abaixo-assinados para que bandas estrangeiras viessem ao Brasi, como o Manowar. Suas fotos apareceram em publicações de renome, como a extinta Metal.

Lembro-me como se fosse hoje quando eu e meus companheiros do fanzine DeathCore estávamos em busca de fotos de bandas brasileiras para incluir em uma edição. Fomos até a Woodstock Discos e o dono da loja, Walcir Chalas, disse: "Se vocês querem fotos, só vão conseguir com o Jaji". E lá fomos nós para o bairro da Liberdade para encontrá-lo. Com toda a humildade, Jaji se mostrou animado por estarmos editando um fanzine e nos ofereceu o material que tinha disponível, somente pedindo que colocássemos seu crédito.

Quase na mesma época, Celso Barbieri organizava eventos no Espaço Mambembe, no bairro do Paraíso, em São Paulo, e como eu fazia filmagens dos shows sempre cruzava com Jaji antes dos eventos. Ele com sua velha Nikkon e eu com minha então novíssima câmera de VHS Panasonic. Costumávamos falar sobre a força e a garra das bandas brasileiras e certamente seus ideiais eram os mesmos. Seguimos caminhos diferentes mas, anos depois, no início da revista Roadie Crew o "acelerado" Jaji se mostrou solícito e chegou a nos ajudar com suas fotos.

Felizmente, o guitarrista do Santuário e Extravaganza Ricardo "Micka" Michaelis - diretor do documentário "Brasil Heavy Metal" - não esqueceu da luta de Jaji pelo cenário do Metal brasileiro e gravou uma entrevista com o fotógrafo, que agora terá um caráter ainda mais especial em sua memória.

Crédito/Foto: Brasil Heavy Metal

Conexão com "Deus": Ronnie James Dio

2010-05-16T07:45:00.001-03:00

O Heavy Metal está de luto. O vocalista Ronnie James Dio (Ronald James Padavona) morreu na manhã deste domingo (16 de maio), aos 67 anos, após perder a luta contra um câncer estomacal.

A morte de Dio, que ficou mundialmente famoso por cantar em bandas como ELF, Rainbow, Black Sabbath e Heaven & Hell, foi confirmada por sua esposa e empresária, Wendy Dio. "Hoje meu coração está partido, Ronnie morreu às 7h45. Muitos amigos e familiares puderam dizer adeus antes dele morrer pacificamente", postou Wendy no site oficial de Dio (ronniejamesdio.com).

No mesmo comunicado, a esposa de Dio diz que ele sabia o tanto que todos o amavam e agradece o apoio desde que o vocalista soube da doença, em novembro de 2009. "Por favor nos deem alguns dias de privacidade para lidarmos com essa terrível perda. Por favor saibam que ele os amava e sua música vai viver para sempre", finalizou Wendy Dio.

MINHA CONEXÃO COM DIO

Quando peguei aquela nova edição do fanzine do fã-clube de Heavy Metal Rock Brigade, em meados de 1984, pensei: "Que legal, o Dio ficou entre os primeiros na votação dos melhores do ano. Acho que vou escrever para ele pedindo uma foto autografada." A ingenuidade do ato de um fã, que começou a ouvir Heavy Metal justamente por causa do Black Sabbath, falou mais alto.

Estudava inglês e redigi a carta em uma folha de caderno mesmo. Depois daquela tentativa de contato com a revista francesa Enfer, sem sucesso, no fundo tinha esperança de obter resposta de Dio, mas sabia que seria quase impossível. Afinal, nem a banda Dio ou o Black Sabbath haviam tocado no Brasil. Apenas Ozzy Osbourne estava confirmado para tocar por aqui pela primeira vez, no "Rock In Rio", realizado em janeiro de 1985. Fui ao correio do centro de São Paulo e mandei a carta endereçada a Wendy Dio, esposa e empresária do vocalista.

Quase na mesma época, a extinta revista SOMTRÊS veio com uma promoção, sorteando cópias do álbum de estreia do Dio, "Holy Diver". Mais uma vez, fui em frente. Recortei o selinho no canto do anúncio da promoção e mandei a carta. A esperança era a mesma de receber a resposta do Dio. Havia, mas era pequena...

O tempo passou e quando quase nem lembrava que havia enviado tal carta, minha mãe deu um grito: "Ricardo, o carteiro deixou um evelopão aqui em seu nome!". Desci correndo e quando abri era o "Holy Diver". Foi a primeira vez que escrevi para uma promoção. E ganhei!... E era do Dio!...

Passado algum tempo, mais uma vez ouvi o berro: "Ricardoooooo!". Bem, se houvesse uma competição de quem grita meu nome mais alto, minha mãe certamente ganharia até do Dio, Rob Halford, Bruce Dickinson, Geoff Tate, Glenn Hughes, Ian Gillan...

Era do correio. Carta do exterior. Não lembrava mais da carta ao Dio, mas quando vi o remetente Niji Productions Inc., aquele rosto carrancudo deu lugar a um enorme sorriso, com a boca ficando maior que a do Coringa, do Batman... Abri-a em menos de 5 segundos e lá estava a foto autografada com os dizeres: "Magic, from Ronnie James Dio". Só pensei comigo: "Consegui!".

A remetente, Sheila, que era responsável pelo Dio Fan Club, ainda escreveu que ficara contente por saber que Dio tinha se saído bem nos charts brasileiros. À época que recebi a carta, escrita em 25 de junho de 1984, a banda Dio estava perto de lançar seu segundo álbum, "The Last in Line", que saiu oficialmente em 13 de julho e se tornou meu preferido, ao lado de "Holy Diver".

E qual não foi a minha surpresa quando o programa "Fantástico" (TV Globo) exibiu com exclusividade o clipe da faixa título, "The Last in Line". O marketing para o primeiro "Rock In Rio" estava forte em relação ao Heavy Metal. Lembro que estávamos na casa de meus avós paternos, o Professor Sóter e a Dona Carmen, como costumávamos fazer aos domingos. Saíamos de lá quase sempre um pouco depois dos "Gols do Fantástico", que eu, meu irmão, o "Seu" Batalha, meu Tio Bosco e o Professor Sóter, não perdíamos. Imagine o espanto quando o apresentador Cid Moreira, com seu conhecido vozeirão, anunciou: "Agora, o musical do ex-cantor do grupo inglês Black Sabbath: Dio". Meu irmão Frederico e eu ficamos paralisados, hipnotizados, enquanto o Professor Sóter, quase "pescando" em sua grande poltrona reclinável favorita, não entendeu nada.

Anos depois, já trabalhando pela revista Roadie Crew, tive o privilégio de entrevistar Ronnie James Dio em algumas ocasiões, além de Tony Iommi, Ozzy e Vinny Appice. Consegui, inclusive, não perder totalmente o lado romântico de fã e com ele fiz questão de pedir mais autógrafos e fotos, como a mais recente, na nova passagem do Black Sabbath pelo Brasil. Tudo bem, do Heaven & Hell...

ARQUIVO: ENTREVISTA
Se alguém disser que admira o vocalista Ronald James Padavona, talvez você não se dê conta de que a pessoa estará se referindo a um dos maiores astros do Rock e do Heavy Metal de todos os tempos: Ronnie James Dio. O norte-americano, que passou pelas bandas The Vegas Kings, Ronnie and the Rumblers, Ronnie and the Redcaps, Ronnie & The Prophets, The Electric Elves, The Elves, ELF, Rainbow, Black Sabbath, Dio e Heaven & Hell, fala nesta coletânea de entrevistas que fiz para a revista Roadie Crew sobre alguns pontos de sua carreira e algumas curiosidades.

Quando e por que Ronald James Padavona adotou o nome artístico de Ronnie James Dio?
Dio: Quando estava no Rainbow, gravando o primeiro álbum da banda, Ritchie me perguntou se eu tinha um nome no meio, ao invés de Ronnie Dio. Disse que sim e passei a adotar Ronnie James Dio. Mas quando tinha uns dez anos de idade e já estava com uma banda, claro que não era profissional, achava que meu sobrenome era muito longo e resolvi pegar Dio, que também é uma palavra em italiano, assim como é meu sobrenome. Só que eu não fazia a menor ideia de que aquilo significava Deus em italiano, pois havia copiado de um membro da máfia, que também se chamava Ronnie Dio. Aí, tempos depois, vieram me falar que eu estava me intitulando Deus. Só que não sou e nunca serei, não tenho nada a ver com isso, é apenas o nome (risos).

Você nunca teve aulas de canto, mas mesmo assim se tornou um dos mestres com seu talento para cantar e possui uma carreira respeitável. Como é viver apenas da música?
Dio: Tenho sorte por ter conseguido viver somente da música e sempre busquei isso minha vida toda. Nunca pensei que pudesse sobreviver financeiramente vivendo da música, mas não foi o dinheiro que me levou a optar por esta carreira e sim a paixão em estar com uma banda tocando para pessoas que gostam do que você faz. Quando comecei, sabia que esta seria minha profissão, mas não fiquei sentado pensando que um dia ia fazer isto. Simplesmente comecei e fui em frente. Sou um afortunado por conseguir fazer o que mais queria na vida, pois muita gente trabalha duro a vida toda em um emprego que odeia. Fui abençoado com o talento e também por ter uma grande quantidade de fãs que querem me ver.

Quando está em turnê, você gosta e tem o costume de examinar o local e fazer o 'soundcheck antes de entrar no palco para fazer o show?
Dio: Claro. Na maioria das vezes, fazemos um detalhado soundcheck. Isto também depende da qualidade do equipamento que você tem disponível em cada casa de shows. Às vezes, não é o apropriado e por isso a equipe leva mais tempo para deixá-lo ajustado.

Como é para você ter a "Ronnie Dio Way" na cidade em que cresceu, Cortland (EUA)?
Dio: É muito legal e mais ainda para os meus pais. Achei extraordinário que colocaram o meu nome naquela rua na cidade que nasci e cresci. Acho até estranho ver meu nome lá, mesmo depois de tantos prêmios que recebi durante minha carreira. Cada um que ganhei tem um sabor especial, mas este da rua é ainda maior.

Um de seus trabalhos favoritos é o Heaven And Hell, do Black Sabbath, mas sempre achei que você preferisse o Rainbow musicalmente, já que sempre faz questão de tocar muitas músicas nos shows com o Dio e cita a palavra "rainbow" nas suas músicas...
Dio: Não, o Heaven And Hell ainda é o meu preferido! E por diversas razões: primeiro, musicalmente, e depois pelos problemas que o Black Sabbath tinha passado e estava precisando voltar com tudo, pois fazia três ou quatro anos que a banda não fazia sucesso. Eu me senti gratificado por poder recolocar a banda no patamar que merecia estar com o Heaven And Hell. O Rainbow é completamente diferente, pois é um tipo de música que vem da cabeça de Ritchie Blackmore. No Sabbath nós todos trabalhamos juntos e a banda tinha uma sonoridade mais simples e que até me facilitava as coisas, na realidade. Criar melodias naquele padrão mais simples era até melhor para mim como vocalista, entende? E sempre gostei de compor e criar com o Sabbath, porque é mais pesado que o Rainbow e era mesmo isso que queria fazer!

Falando agora sobre o começo do Dio, quando você e o baterista Vinny Appice deixaram o Black Sabbath, em outubro de 1982, como chegaram aos outros músicos para a criação do grupo? Quando você sentiu que deveria seguir em carreira solo com o Dio?
Dio: Quando a minha saída do Black Sabbath foi confirmada, e o mesmo já tinha acontecido quando deixei o Rainbow - ambos grupos que sentia que ainda poderia contribuir muito mais, só que não tive escolha e não saí por opção minha -, decidi que seria hora de fazer algo próprio. Não queria mais que outros controlassem a minha vida. Musicalmente, sabia que estava maduro o suficiente para compor boas músicas. Claro que foi importante tocar com Ritchie (Blackmore) e Tony (Iommi), mas queria poder controlar as minhas ações. Vinny e eu saímos ao mesmo tempo do Sabbath e ele concordou comigo que deveríamos criar algo novo. Eu o conhecia bem e, além do mais, havia o fato de ele ser um ótimo músico. Então nós saímos em busca de um baixista e um guitarrista. Fomos para a Inglaterra e acabamos encontrando com Jimmy Bain e foi por intermédio dele que chegamos ao Vivian Campbell. Nos reunimos em um estúdio em Londres e tudo saiu muito bem, pois nos entrosamos logo de início. Vinny curtia tocar com Jimmy e, apesar de jovem, Vivian já era um brilhante guitarrista.

Quais foram as primeiras composições criadas para o Dio?
Dio: Holy Diver e Don't Talk To Strangers. Já tinha feito estas composições e mostrei-as para Vinny, Jimmy e Vivian assim que formamos o Dio. A partir dali as coisas foram saindo da melhor forma possível. Enfim, um momento mágico.

Você se lembra dos trabalhos e das gravações para o Holy Diver?
Dio: Nós trabalhamos arduamente para lançar um bom álbum. A experiência foi bem autoral, pois fizemos tudo do jeito que queríamos e que achávamos que iria funcionar. Aprendemos bastante coisa naquela produção, inclusive com nossos erros, alguns os quais até ríamos depois. Mas os acertos foram maiores. Veja, por exemplo, o som da bateria... Nós construímos uma sala gigante e ela parece que foi gravada ao vivo! Usamos também para o The Last In Line e isso funcionou bem para o kit da bateria de Vinny Appice. As outras coisas foram aqueles negócios de banda mesmo, com todos dando o máximo nos ensaios e na criação em si. Holy Diver não foi um álbum feito em meio a festas ou eventos paralelos. Foram coisas de trabalho, com toda aquela interação momentânea e espontânea que ocorre entre músicos que estão gravando.

Existe alguma música feita nas sessões de Holy Diver que foi deixada de lado?
Dio: Sim, há uma música, mas ela sequer foi finalizada. Apenas a deixamos de lado e eu a odiava tanto que certo dia cheguei ao ponto de destruir aquela fita. Mas nós nunca fomos de gravar algo a mais, somente quando éramos obrigados, como para o Japão, que sempre pede algum bônus. As músicas que gravamos em todos os álbuns foram aquelas que trabalhamos em cima.

E como foi para você - que carregava o peso de ser um ex-Rainbow e um ex-Black Sabbath - sentir uma resposta tão positiva e rápida para músicas como Stand Up And Shout, Holy Diver, Don't Talk To Strangers e Rainbow In The Dark?
Dio: Acho que as músicas falam por si. Elas têm qualidade e o álbum todo é bom. Mas claro que fiquei surpreso com aquela receptividade instantânea dos fãs. Eu realmente não esperava por uma resposta tão rápida e forte. Fiquei muito contente e confiante.

Como surgiu a ideia de tocar o álbum Holy Diver na íntegra e lançá-lo em CD e DVD (Holy Diver Live)?
Dio: A sugestão partiu de nosso agente na Inglaterra, que tinha pensado que poderia ser uma coisa bem interessante tocar o álbum inteiro ao vivo. O Deep Purple tinha feito isto com o Machine Head, o Queensrÿche com o Operation: Mindcrime e outras bandas também realizaram shows destacando um disco inteiro. Desta forma, senti que o projeto deveria ser levado adiante, ainda mais porque o Holy Diver é muito popular e por isso que, ao invés de tocá-lo somente na Inglaterra, acabamos por fazer uma turnê inteira com este apelo em cima do Holy Diver. A ideia sempre me pareceu legal e acredito que os fãs também aprovaram, especialmente porque muitas daquelas músicas não eram tocadas havia bastante tempo.

As apresentações da turnê "Holy Diver Live" trouxeram boas lembranças de seu passado, do início da carreira com a banda Dio?
Dio: Sim! Tudo foi especial, ainda mais porque o Holy Diver foi o primeiro álbum e o que obteve grande reconhecimento para a banda Dio. E não são apenas algumas poucas músicas boas, o disco inteiro é falado e por isso a receptividade dos fãs nos shows foi altamente empolgante para todos. Muitas pessoas nunca tinham nos visto tocando algumas daquelas composições, enquanto outros não as viam ao vivo fazia muito tempo, há mais de vinte anos... A reação foi muito boa, acredito que não somente pelo Holy Diver, mas também porque o set tinha duração de cerca de duas horas e meia, com outras coisas do Dio, do Rainbow e do Black Sabbath.

A arte da capa de Holy Diver apresenta um personagem que acabou virando mascote para o Dio. A ideia inicial era mesmo esta?
Dio: No começo seria apenas mais uma figura que faria parte de um todo na arte da capa. Queríamos mesmo ter uma pessoa e um outro personagem, além de um logotipo bem chamativo e que pudesse cativar de alguma forma os fãs de Metal. Com o tempo as pessoas passaram a se interessar mais e aquele personagem acabou se tornando a mascote, com "vida própria", um nome e sendo parte do Dio.

Por que deram o nome de Murray para a mascote?
Dio: 'Murray, the monster'... Achei que soaria mais monstruoso e, além disso, seria engraçado chamar de Murray aquela figura malvada...

Ainda sobre isto, o dragão que fazia parte do cenário na turnê do álbum Sacred Heart e era um dos pontos altos do show foi chamado de Denzil...
Dio: Na verdade, todo mundo o chama assim, mas seu nome é 'Dean, the dragon'. Por alguma razão, outra pessoa começou a falar que ele era o Denzil e aí pegou, mas o correto é Dean.

Já que estamos falando sobre curiosidades, muitos também dizem que o logotipo do Dio quer dizer Devil. Qual a sua opinião a respeito disso?
Dio: Não tem nada a ver e não foi intencional. Se você olhar de cabeça para baixo até pode parecer que é, mas não estudamos uma fórmula para que nosso logo fosse visto assim, com duplo sentido. Alguém, um dia, resolveu virar de ponta cabeça, ficou analisando e achou que Dio poderia querer dizer “Devil”, mas não tivemos nenhuma intenção de fazer isto.

E sobre o 'maloik', aquele sinal com os dedos - fechando a mão parcialmente e mostrando o dedo indicador e o mindinho - que tanto caracteriza o Heavy Metal. Você se lembra quando começou a fazê-lo?
Dio: É sempre bom ter alguma coisa que você pode repetir várias vezes e as pessoas aceitam. No meu caso, foi porque a minha avó era italiana e usava o 'Maloik', que a protegia contra o olho do mal ('evil eye'). Quando eu era criança, a via usá-lo com freqüência e, assim, desde a fase do Rainbow, comecei a fazer o sinal. Não foram tantas vezes, mas usei-o. Só que no Sabbath, quando eu queria fazer uma figuração de algo mais malvado, fazia o símbolo do 'evil eye' com as mãos. As coisas foram indo e em certo ponto as pessoas já até esperavam que eu fizesse aquele sinal para que eles repetissem e isso acabou se tornando algo mundial.

Este sinal tem conexão com o Egito antigo, onde o chamavam de 'evil eye sign' (o sinal do olho do mal), mas existe alguma ligação com a música Evil Eyes, do álbum The Last In Line, mesmo porque naquele álbum ainda consta a faixa Egypt (The Chains Are On)?
Dio: Entendo sua explanação, mas, com relação àquela música, apenas achei que o título Evil Eye seria interessante. Não fui tão a fundo e ela não tem esta ligação. Não foi nada além de um bom nome. Ela foi escrita a partir de algum filme, não me lembro direito. E a compus até certo ponto bem rápido, já que precisávamos apresentar uma nova música que tivesse certa conexão entre o Holy Diver e o The Last In Line e esta ficou perfeita.

A banda Dio iniciou a "Dream Evil World Tour” tocando em Irvine/CA (EUA), em um evento chamado "Children Of The Night", mas o que pode falar a respeito do projeto de mesmo nome, também chamado de "Hear’n’Aid 2"?
Dio: Será o mesmo projeto beneficente com um álbum nos mesmos moldes do Hear'n'Aid, que fizemos em 1985, para a instituição "Rock Relief For Africa". Teremos uma música completa, de longa duração, com muitos músicos convidados e envolvidos, com diversos vocalistas, como Bruce Dickinson, e também guitarristas. O resto do álbum terá material inédito de outras bandas, como Doro, por exemplo, que já confirmou sua participação. No começo do ano que vem com certeza ele começará a ser produzido.

Você acredita que terá tempo para trabalhar na segunda parte do "Hear 'N' Aid"?
Dio: Para mim é uma certeza que farei, mas ainda não tive tempo suficiente para efetivamente começar os trabalhos. Todo mundo está com a agenda abarrotada e, além disso, não vou compor algo de baixa qualidade, um lixo desprezível só para dizer que a segunda parte foi lançada.

Considerando que você já tocou ao lado de muitos músicos de renome, quem você gostaria de ressuscitar para integrar um novo projeto "Hear 'N' Aid"?
Dio: Sempre declarei em minhas entrevistas que o único músico que gostaria de dividir o palco e tocar junto seria o Jimi Hendrix.

RAIO-X - RONNIE JAMES DIO:
Nome: Ronald James Padavona
Data de nascimento: 10 de julho de 1942
Data de morte: 16 de maio de 2010
Local de nascimento: Portsmouth, New Hampshire (EUA)
Cidade onde cresceu: Cortland
Ascendência: Italiana
Primeiros instrumentos: Trompete e contrabaixo
Esporte praticado na infância: Baseball
Heavy Metal ou Rock And Roll?: "Heavy Metal para mim, mas é tudo parte do Rock And Roll..."
The Vegas Kings (1957): "O começo"
Ronnie And The Rumblers (1957-1958): "Começando a ficar malvado"
Ronnie And The Redcaps (1958): "Cabeças-de-vento"
Ronnie Dio & The Prophets (1961-1967): "Cabeças-de-vento em dobro"
The Electric Elves (1967-1972): "Excelente material"
ELF (1972-1975): "O real começo do que acabei me tornando"
Butterfly Ball And The Grasshopper’s Feast: "Divertido de fazer, ainda mais por ter Roger Glover"
Rainbow ou Black Sabbath?: "Difícil. Não dá para comparar opostos"
Niji Productions: "Minha vida, cuida dos meus problemas e dirige minha carreira"
Dehumanizer ou Mob Rules?: "Dehumanizer"
Ronald Padavona: "Apenas um cara normal, que vive como todo mundo"

Site: www.ronniejamesdio.com

Nomes femininos no Rock, uma história de homenagens e lendas

2010-04-01T11:00:00.004-03:00

Títulos de músicas com nomes femininos sempre fizeram parte do universo do Rock desde a sua criação nos anos 50. Os precursores acostumaram-se a prestar homenagens ao sexo feminino e estas poderiam tanto ir para seus casos amorosos, como para a mãe, a tia, a avó, a prima a cunhada ou, simplesmente, porque soava bem.

Em 1958, no mesmo ano em que Danny And The Juniors cantava "Rock And Roll Is Here To Stay, It Will Never Die", Chuck Berry emplacava o single Carol, cuja letra falava sobre o temor de um garoto que precisava aprender a dançar para não perder a sua amada Carol. Tempos depois, a música foi coverizada pelos Beatles e os Rolling Stones.

Eleanor Rigby

Passado o grande impacto ocorrido nos anos 50 com o surgimento do Rock’n’Roll, a cena musical viria a se impressionar nos anos 60 com a 'Beatlemania'. E uma das composições mais conhecidas do quarteto de Liverpool é Eleanor Rigby.

Segundo 'Sir James' Paul McCartney, Eleanor é o nome da atriz que contracenou com os Beatles no filme "Help!" (1965) e o complemento Rigby foi tirado de uma loja de conveniências. Só que foi cogitado que o título, na verdade, fora inspirado no nome de uma mulher sepultada em um cemitério situado perto da St. Peter's Church, justamente o local onde John Lennon e Paul McCartney haviam se conhecido em julho de 1957. Na lápide ainda existe uma menção a Father Mackenzie, que também consta na letra de Eleanor Rigby. Todavia, os as evidências sempre foram negadas por Paul McCartney.

Coincidência ou simples charme, o que se pode dizer é que os significados destes títulos com nomes femininos acabam quase sempre voltando para algo positivo. No Grammy Awards de 1966, os Beatles conquistaram o prêmio de melhor música por Michelle e Paul McCartney o de melhor performance vocal por Eleanor Rigby. Afora isso, Revolver (1966) levou o troféu de "melhor capa de disco".

Dois anos depois, os Beatles voltaram a atacar com Julia, faixa do White Album, uma homenagem de John para sua mãe, Julia Lennon. Curiosamente, Eleanor Rigby e Julia saíram juntas na trilha do álbum Love, compilada e remixada para um espetáculo do e Cirque du Soleil em 2006.

Há ainda títulos que sugerem que o nome seja de alguma mulher, mas o humor fala mais alto, caso de Martha My Dear, composta por Paul McCartney, feita em homenagem à sua cadela. A polêmica também entra em cena com Lucy In The Sky With Diamonds, do álbum Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (1967). O título trazia as iniciais LSD, fazendo com que fosse banida de algumas rádios, mas na verdade ela foi inspirada em um desenho feito por Julian, filho de John Lennon. Lucy O' Donnell era uma garotinha que se sentava ao lado de Julian na Heath House School.

Angie

Outro exemplo de mistério e lenda no título é a balada Angie dos Rolling Stones, que obteve o primeiro posto na parada de singles da Billboard em 1973. Assim como Eleanor Rigby dos Beatles, há diversos rumores que cercam o título desta faixa do álbum Goats Head Soup (1972). O maior deles aponta que ela teria sido escrita para a ex-mulher de David Bowie, Angie Bowie, mais uma das centenas de "amigas íntimas" de Mick Jagger.

Dizem ainda que esta teria sido a forma que Mick Jagger encontrou para se desculpar de Angie, que supostamente havia flagrado Mick e Bowie na cama. Outra corrente afirma que a letra sugere que estejam falando a respeito da relação de Jagger com Marianne Faithfull, que se encerrou em 1969. Mais uma possibilidade, a mais cabível, é que Keith Richards - que assina a faixa ao lado de Jagger - tenha escrito-a para sua filha Angela "Dandelion" Richards, nascida a 17 de abril de 1972, ano do lançamento de Goats Head Soup.

Beth

A balada Beth do Kiss é mais um caso curioso. Embora tenha feito enorme sucesso, a música por pouco não foi sacada do álbum Destroyer (1976), já que originalmente seria apenas o lado B do single de Detroit Rock City. Gene Simmons e Paul Stanley estavam receosos em incluí-la, mas um DJ americano de rádio colocou-a por descuido no ar e a composição de Peter Criss e Stan Penridge - originalmente chamada Beck e gravada no Demo-Tape da banda Lips - teve enorme acolhida. Além de ser o primeiro disco de ouro do Kiss em formato single, recebeu o prêmio no 'People's Choice Awards' de 1977.

O baterista e vocalista Peter Criss certa vez afirmou que Beck falava sobre sua esposa à época, Lydia, mas tempos depois reconsiderou e disse tratar de Becky Brand, namorada do guitarrista Michael (Mike) Brand do Chelsea, grupo que deu origem ao Lips.

Segundo Criss, a hipocondríaca Becky estava sempre doente e vivia interrompendo os ensaios. Até que numa ocasião ela telefonou no meio de um ensaio e Criss rascunhou o que o guitarrista Michael estava falando para Becky: "Beck, I heard you calling but I can't come home right now...". No final das contas, o diálogo virou a letra e bastou trocar Beck por Beth.

Whole Lotta Rosie

A letra de Whole Lotta Rosie, clássico do álbum Let There Be Rock (1978) do AC/DC fala sobre uma mulher obesa, Rosie, que tinha tido uma relação sexual com Bon Scott na Tasmânia. Apesar do peso (aproximadamente 120Kg), o falecido vocalista havia dito que a experiência fora uma das melhores de sua vida sexual.

O guitarrista Angus Young confesso que Bon Scott certa vez voltou à Tasmânia e encontrou Rosie bem mais magra, fato que o desapontou. Mesmo assim, Rosie sempre foi reverenciada pelo AC/DC e em diversos shows entra em cena como uma boneca inflável gigante, como consta no vídeo Live At Donington.

Vera
A faixa do cultuado álbum conceitual The Wall, lançado em 1979 pelo Pink Floyd, faz referência à cantora inglesa Vera Lynn, nascida em 1917. A letra traz: "Does Anybody Here Remember Vera Lynn?/Remember How She Said That We Would Meet Again Some Sunny Day?".

O conceito de The Wall era tratar da vida fictícia de um anti-herói chamado Pink, que tinha perdido o pai na Segunda Guerra Mundial e Vera Lynn fez sucesso justamente nesta época, com a música We'll Meet Again, de 1939.

My Michelle

A música My Michelle, composta por Axl Rose e Izzy Stradlin, saiu no platinado álbum de estreia do Guns N' Roses, Appetite For Destruction (1987), fala a respeito de uma conhecida da banda, Michelle Young, que tinha sido amiga da primeira namorada do guitarrista Slash.

De acordo com o vocalista Axl, certa vez ele e Michelle estavam no carro quando ouviram Your Song de Elton John no rádio. A garota logo comentou: "Eu sempre quis que alguém escrevesse uma música para mim". Dito e feito.

Curiosamente, Michelle Young é a garota que aparece no começo do videoclipe da música Welcome To The Jungle, outra faixa de sucesso de Appetite For Destruction.

Outros exemplos

Basta puxar pela memória que rapidamente encontramos hits como Izabella (Jimi Hendrix), Layla (Eric Clapton), Barbara Ann (The Beach Boys), Carol (Rolling Stones), Sara e Johanna (Bob Dylan), Kayleigh (Marillion), Abigail (King Diamond), Little Sheila (Slade), Amanda e Magdalene (Boston), Rhiannon (Fleetwood Mac), Jamie's Cryin' (Van Halen), Madalaine (Winger), Sheena Is A Punk Rocker e Judy Is A Punk (Ramones), entre dezenas de outras que não se tornaram hits, mas têm a mesma ligação.

Só que algumas bandas foram além e fizeram deste recurso quase que uma tradição, caso da norte-americana Toto, com Angela, Goodbye Elenore, Pamela, Melaine, Carmen, Manuela Run, Lorraine, Lea, Anna e um de seus maiores hits, Rosanna, faixa do álbum Toto IV (1982). O mistério sobre o título permanece sem esclarecimento, embora alguns digam que a homenageada seria a atriz Rosanna Lauren Arquette, ex-namorada do tecladista Steve Porcaro. O autor da música, David Paich, nega.

Outro grupo que tradicionalmente incluiu títulos assim foi o inglês Status Quo, como se vê no álbum Ma Kelly's Greasy Spoon (1970) e em músicas como Elizabeth Dreams, Antique Angelica, Caroline, Claudie, Joanne, Sheila (cover do The Satins) e Lucille (de Albert Collins e Little Richard).

O falecido Phil Lynott (vocal e baixo), líder do Thin Lizzy, homenageou sua mãe Philomena Lynott em Philomena, sua avó Sarah Lynott em Sarah, além de Sweet Marie, na qual falava sobre a solidão de estar na estrada, longe de casa e dos entes queridos. Outra muito conhecida da banda é Rosalie, que faz parte do álbum Fighting (1975), na realidade um cover de Bob Seger (originalmente do álbum Back In '72), músico e compositor norte-americano que também incluiu vários nomes femininos em títulos (Evil Edna, Louise, Betty Lou's Gettin' Out Tonight e I Can't Save You Angelene).

Mesmo que nenhuma destas tenha sido criada por causa do real significado do nome, a maioria obteve sucesso e, portanto, não há como negar que a ligação surpreende, especialmente se formos analisar os grupos mais ligados ao Gothic, como The Mission (Severina, Fabienne e Amelia), The Sisters Of Mercy (Alice, Lucretia My Reflection e Marian), Charlotte Sometimes (The Cure) e Christine (Siouxie & The Banshees). Alice, por exemplo, significa 'a verdadeira', enquanto Fabiene significa 'fava que cresce e predispõe a pessoa a ter um sucesso cada vez maior em todos os seus empreendimentos'.

O grupo norueguês Theatre Of Tragedy, que recentemente se apresentou no Brasil, foi além e fez do álbum Aégis (1998) um verdadeiro tributo ao folclore que envolve o sexo feminino, em faixas como Cassandra, Lorelei e Angélique.

Uma outra hora falarei sobre a utilização de nomes artísticos femininos em bandas. Exemplos? Alice Cooper, Bathory, Lizzy Borden, Angelica, Britny Fox, Lillian Axe, Vanessa...

Azar?

2010-02-23T00:01:00.004-03:00

Tudo corria bem na volta do "Wacken Open Air" (ALE) até que chegou o momento de fazer uma conexão no aeroporto de Heathrow, em Londres. A companhia aérea British Airways atrasou o voo vindo de Frankfurt e quando saíamos da aeronave foi aquela correria. Não estou dizendo "correria" no sentido figurado, mas literalmente, pois todo o grupo saiu de forma insana como se estivesse disputando uma prova olímpica. Resultado: perdemos a conexão e vimos o avião da Varig decolando. Imagine a sensação. Agora, imagine você a alegria de não ter um centavo no bolso, dentro de um aeroporto gigante, de madrugada e sem saber o que fazer. Mas que azar, pensei...

A fila do desembarque e a passagem pela imigração ainda revelaram grandes emoções, com um outro voo vindo de algum país do Oriente Médio. Óbvio que havia tensão no ar. Aí, comecei a falar ao meu amigo Carlo Antico: "Fudeu, oIhe pra trás!" Ele, com toda sua tranquilidade, só teve tempo de rir e falar: "Calma, meu". Tudo bem, segui com minha apreensão e passamos sem grande problemas, com Airton Diniz, que liderava aquele pequeno grupo da revista Roadie Crew com a Maria José e a Vera Diniz, explicando a nossa situação.

Depois foi aquele sufoco até conseguirmos falar com algum funcionário da British Airways, com diversos setores do aeroporto às escuras. Felizmente, uma portuguesa que trabalhava na companhia entendeu nosso desespero e agilizou para que conseguíssemos um táxi para ir ao hotel – com todas as despesas pagas pela empresa aérea. No começo ela só falou em inglês, mas "alguém" (eu mesmo!) falou algumas palavras mais fortes – "Fudeu! Olha que merda essa British Airways! E agora?" – e a funcionária, de repente, começou a nos entender melhor. A Maria José brincou comigo, dizendo: "A sua braveza deu sorte pra gente, Batalha!" Depois, caímos na risada.

A "tuga" ajudou, fez todo o trâmite e, enfim, pegamos dois táxis. O meu, junto com um casal de norte-americanos. Claro que fui direto para o lado do motorista achando que já ia sentar, mas aí todos riram alto e os americanos falaram: "We're in London". O motorista só deu uma risada e disse: "Yes, mate. This is my seat". Claro que fiquei com cara de otário e falei: "Sorry. I prefer to sit in the passenger's seat". Mancada inesperada mas corriqueira, segundo o "motora". Todos riram e fomos parar no hotel Renaissance, que não ficava tão longe. É, só no dia seguinte descobri que ficava longe de tudo, porque se era perto do aeroporto é óbvio que ficava bem afastado de Londres, a cerca de 25 quilômetros.

Instalados no quarto do hotel, que se seu fosse pagar a estadia estaria parcelada até hoje, falei para ao Carlo Antico que como eles pagariam tudo, podíamos comer. Pedimos duas pizzas pelo telefone, comemos e "desmaiamos" de cansaço.

No dia seguinte estávamos "livres" e o pessoal resolveu fazer um city tour por Londres. Tudo bem, eu disse que não tinha um centavo, mas tinha só o dinheiro (em real) para pagar o ônibus do aeroporto de Cumbica até Congonhas e uns trocados para o café e o cigarro. Se não fosse pela ajuda do Carlo, que bancou meu city tour, o meu sonho de infância em conhecer Londres não seria realizado. Desde os acontecimentos em Heathrow, Carlo – que apelidei de "Coleção" pela sua incontrolável mania de comprar CDs "para a coleção" – era o mais sossegado e estava curtindo ter perdido a conexão, enquanto eu estava apavorado pensando que ia ter que "dormir" no aeroporto.

Só quando o táxi que nos levou para o city tour estava próximo a Londres comecei a curtir. Comecei a lembrar de todos os amigos que moraram – ou moram – por lá ou que costumam visitar a cidade com frequência. Lembrei-me dos primeiros anos estudando na Cultura Inglesa e de guardar recortes de reportagens sobre Londres. Para ser bem sincero, eu torrava a paciência do meu falecido pai falando que eu queria ir para Londres. Bem, não deu antes, mas deu na sorte! Não foi possível conhecer toda a cidade, o que já era de se esperar de um rápido city tour combinado às pressas, mas pudemos ver locais históricos como o Royal Albert Hall, Palácio de Westminster – "Crianças, vejam o Big Ben!" –, Tower Bridge, Torre de Londres, Museu de História Natural, Hyde Park e, obviamente, o Abbey Road Studios.

Tudo me impressionou, mas a alegria de ver dois 'beatlemaníacos' como Airton Diniz e Carlo Antico na Abbey Road e em frente ao Abbey Road Studios foi indescritível. Porém, ao invés de tirar fotos na rua (Abbey Road) ou de escrever no muro como fazem os fãs dos Beatles, meu negócio era ver o estúdio. Entrei na recepção e joguei um xaveco que não colou. Vi muito pouco, já que não me deixaram entrar nas salas porque duas bandas estava gravando naquele momento. Enquanto isso, os fãs de Beatles estavam na Abbey Road que, ao contrário do que parece pela capa do álbum em que Paul, George, Ringo e John aparecem atravessando a rua, é muito movimentada. Os ingleses estão acostumados, mas não curtem muito aquele vai e vem de turistas loucos no meio da rua.

Depois do Abbey Road voltamos ao hotel, sem antes passar por um grande apuro com o sonolento motorista ao volante. Na "marginal" a caminho do hotel, ele simplesmente colocou o carro no "piloto automático" e cochilou por várias vezes. Enfim chegamos e, em seguida, nos preparamos para retornar ao aeroporto de Heathrow. De lá, saímos sem grandes problemas para Cumbica. Eu, claro, com 1m90 e sempre sentado na pior assento do avião. Mas valeu, mais um sonho de infância realizado e o azar virou sorte.

Resolvi postar esta história porque hoje, 23 de fevereiro de 2010, o estúdio Abbey Road foi classificado pelo governo britânico como sítio histórico, visando proteger o santuário da música Pop contra quaisquer planos de modificações radicais no imóvel.

Seguindo o parecer do organismo de preservação nacional English Heritage, a ministra britânica da Cultura, Margaret Hodge, situou o estúdio na segunda mais alta categoria de locais a serem preservados. Ao tombar o edifício no Grau 2, poderão ser feitas modificações no interior do imóvel, mas quaisquer reformas propostas terão que respeitar o caráter e a preservação dele.

Black Sabbath: primeira obra do Heavy Metal chega aos 40 anos

2010-02-13T00:00:00.001-02:00

No post de 23 de novembro de 2008 ("Volume 4: a descoberta") falei sobre o meu primeiro contato com o Black Sabbath e, por consequência, com o Heavy Metal. Sendo assim, esta data não poderia passar em branco pois, curiosamente, aos 40 anos de idade vejo o primeiro álbum lançado por Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward também chegar a esta marca. Em sentido amplo, o Heavy Metal faz quarenta anos hoje: 13 de fevereiro de 2010.

Alguns estarão curtindo o feriadão de Carnaval, mas fiquemos aqui reverenciando esta obra fantástica e misteriosa, que serviu de referência para todos os seguidores da música pesada. Abaixo, reproduzo o texto publicado na edição #100 da revista ROADIE CREW sobre o álbum "Black Sabbath".

Sexta-feira chuvosa, dia 13 de fevereiro de 1970. A noite cai e os vestígios da escuridão se amoldam às árvores escurecidas. A longa noite macabra se inicia. Ainda perto da lagoa uma jovem garota espera. Ainda que ela acredite ser ela mesma etérea, sorri tenebrosamente ao tocar de sinos distantes. De repente, um calafrio da cabeça aos pés. O que é isso que se levanta à minha frente? Um vulto preto que aponta para mim. Viro rapidamente e começo a correr. Descobri que sou o escolhido. E a chuva continua caindo...

Sob este contexto, com uma proposta macabra e soturna, o Black Sabbath gravou seu álbum de estreia. Tendo uma mesa de quatro canais à disposição no Regent Sound Studios – localizado na Tottenham Court Road, em Londres (ING) – e com 600 libras inglesas para gastar, Ozzy Osbourne, Tony Iommi, Geezer Butler e Bill Ward montaram seus equipamentos como se fossem fazer um show. Os músicos, que àquela altura faziam shows seguidos mas tinham pouca, ou quase nenhuma, experiência de estúdio, gravaram o álbum ao vivo e em poucos takes.

O produtor Rodger (Roger) Bain também estava fazendo seu 'batismo de fogo', sendo esta a primeira experiência para uma grande empresa fonográfica. As composições não foram mexidas, mas os efeitos (sino, trovão, chuva, entre outros) foram sugeridos por Rodger e pelos engenheiros de som, Tom Allom e Barry Sheffield. Todos realmente entraram no clima naqueles três dias - 16 a 19 de outubro de 1969 – e Rodger ainda gravou a harpa judaica ('kakei') da faixa "Sleeping Village".

"Black Sabbath" resumiu-se a sete faixas (oito no relançamento em CD), todas envolventes. O disco abre com pesada e cadenciada faixa título, tendo um clima condizente com a proposta sombria. O track list ainda traz "The Wizard", "Behind The Wall Of Sleep", "N.I.B.", "Evil Woman" (cover da banda Crow), Sleeping Village, Warning (cover do Ansley Dunbar's Retaliation) e "Wicked World".

O trabalho veio embalado com uma misteriosa arte – comandada pelo artista Marcus Keef –, que na primeira (e rara) edição ainda trouxe o desenho de uma cruz invertida no encarte com os dados técnicos e o poema "Still Falls The Rain" inscrito no corpo da cruz.

Para a promoção, o empresário Jim Simpson e os funcionários da gravadora Vertigo decidiram lançar um compacto com "Evil Woman" e "Wicked World". Enquanto o Lado B com "Wicked World" fez sucesso, "Evil Woman" foi renegada pelo quarteto.

"Black Sabbath" alcançou o 8º lugar nas paradas do Reino Unido e a 23ª na Alemanha, mas a obra foi além, sendo o marco zero do que viria a ser classificado como Heavy Metal.

Curiosidades:
A casa de aparência mal assombrada que aparece na capa é um moinho histórico que se localiza na vila de Mapledurham, em Oxfordshire/ING (www.mapledurham.co.uk). A imagem da "bruxa", no entanto, ninguém sabe ao certo e cogita-se que teria sido uma atriz contratada para a sessão de fotos;

Na contracapa do LP, Ozzy veio impresso como Ossie Osbourne;

"N.I.B." não significa "Nativity In Black" e nem "Name In Blood". O título faz referência ao apelido dado a Bill Ward por causa de sua barba, que parecia uma ponta de caneta ('pen nib');

"Behind The Wall Of Sleep" tem ligação com a obra de H.P. Lovecraft ("Beyond The Wall Of Sleep);

A gaita tocada por Ozzy em "The Wizard "foi incluída durante as sessões de estúdio por acaso, após Iommi e Butler terem o escutado tocando-a de forma descontraída, como fazia nas longas jams desde os tempos em que atendiam pelo nome Earth;

A reação do pai de Ozzy, John Thomas Osbourne, ao ouvir o LP foi: "Você tem certeza que só anda fumando cigarro?", e ele ainda fez uma cruz de alumínio e uma corrente de pescoço para Ozzy, Iommi, Ward e Butler "para afastar os maus espíritos";

No local onde ficava o Regent Sound Studios hoje existe uma agência do Abbey Bank.

Arquivo Entrevista: TORE ØSTBY (ARK, Conception)

2009-12-02T11:11:00.000-02:00

Após deixar a banda norueguesa Conception, o guitarrista Tore Østby se juntou ao baterista John Macaluso (ex-TNT e Yngwie Malmsteen) e formou o ARK. Os dois encontraram em Jorn Lande (Millenium, Yngwie Malmsteen, Jorn), na época ‘frontman’ do The Snakes, o vocalista ideal. O primeiro álbum, "ARK" (1999), obteve grande repercussão na Europa, mas como a distribuição foi fraca a banda não estourou. Já com o line-up estável, com a presença do baixista Randy Coven (ex-Holy Mother, Steve Vai, Steve Morse) e o tecladista Matts Olausson (ex-Yngwie Malmsteen), o ARK obteve o reconhecimento com o lançamento de "Burn The Sun" (2001). Lançado no meio do ano passado na Europa e Ásia, e em janeiro deste ano nos EUA e Austrália, este trabalho marcou uma nova era para o ARK, que daqui para frente só tende a crescer.

Vocês realizaram um grande trabalho no CD "Burn The Sun". Onde foram buscar inspiração para compor este tipo original de música? Podemos chamar isto de o "estilo ARK"?

Tore Østby: Muito obrigado por seus comentários! Nos inspiramos em tudo que somos expostos e no que tem sentido para nós. Os elementos básicos para se criar música são as emoções e as experiências pessoais. Deixamos nossa criatividade nos guiar e deixamos a música fluir de dentro de nossos diferentes sentimentos e situações. Quando compomos, normalmente começamos com as guitarras e a bateria. John e eu nos reunimos para ensaiar, fazer ‘jams’ e em algumas ocasiões Jorn também se une a nós, mas nestas reuniões ninguém sabe o que pode acontecer. Deixamos a música nos levar. Às vezes tocamos durantes horas, sem nenhuma pausa. Sempre gravamos tudo e após alguns dias fazendo essas sessões paramos para ouvir e selecionar o material que foi gravado. Depois disso montamos as estruturas das músicas com o material que mais nos chamou a atenção. Por isso, nossa estrutura de composição é totalmente espontânea, o que vai de acordo com o que disse, ou seja, a música flui com naturalidade. Depois disso Jorn cria as linhas de voz, e Randy e Mats colocam suas particularidades nas músicas como se estivessem gravando o álbum. Acredito que você possa chamar isso de “o estilo ARK”, porque nós não pertencemos somente a um estilo específico. Tentamos ser o mais original possível e chamamos isso de ‘ARK-music’.

Quem teve aquela idéia de inserir um barulho de uma moeda caindo no chão na música "Heal The Waters"? E quanto aos riffs de guitarra e aquele duelo de guitarra e teclado no solo?

Tore: A idéia do barulho de uma moeda girando veio de nosso produtor, Tommy Newton. Como o tópico da letra é completamente anti-capitalista achamos que combinaria, ainda mais na parte em que foi usado. O refrão que vem na seqüência do efeito da moeda dá uma atmosfera especial e é uma subida forte para o fim da música. Os riffs de guitarra são baseados em uma mistura de harmonias orientais e ocidentais, feita com energia, potência e intensidade. A respeito do solo, quando Mats entrou no estúdio para gravar a sua parte ele não tinha escutado sequer um acorde desta música. Ele somente teve contato com nosso primeiro álbum e isto foi proposital, porque queríamos que ele fosse o mais espontâneo possível. A idéia era dividir os solos, mas Mats começou a improvisar. Na segunda vez que tocamos a mágica aconteceu. Achei o ‘take’ dele brilhante e conclui que seria até vergonhoso dividi-lo em partes. Mantivemos o solo dele inteiro e depois eu adicionei uma segunda harmonia em cima do que ele tinha gravado.

O baixo fretless na faixa "Torn" passa uma vibração que remete ao Rush, concorda?

Tore: Sim, você pode levar para esse lado. Eu tive a mesma sensação quando estávamos em estúdio. Randy surpreendeu a todos de forma positiva com sua extraordinária habilidade no ‘fretless’, o que deu um brilho todo especial ao nosso som.

Ainda sobre essa faixa, Jorn Lande faz uma espécie de efeito nos falantes com um jogo de palavras completamente maluco no meio da música. Aquilo também surgiu espontaneamente? Vocês são loucos?

Tore: Jorn está cantando em seu ritual nativo particular. Se somos loucos? Sim, certamente. Eu nunca estive junto com um grupo de pessoas tão loucas como agora. Adoro isso, pois além desta loucura girar em torno da criatividade, é muito divertido!

A faixa-título, "Burn The Sun", tem uma linha mais Hard Rock, especialmente no refrão. É comum vocês incorporarem elementos do Hard no "estilo ARK", considerando que o guitarrista Ronni Le Tekro (TNT) é uma grande inspiração para você, assim como o vocalista David Coverdale é para Jorn Lande?

Tore: Todos nós temos fortes raízes no Hard Rock. Tekro foi provavelmente a razão para que eu começasse a tocar guitarra, mas nós não pensamos em fazer algo parecido com alguém ou alguma outra banda. Quando compomos nós simplesmente seguimos nossos instintos.

Já que você disse isso, poderia me falar de onde surgiu a idéia da música "Just A Little"? Ela conta com elementos mais Pop, que lembram o trabalho do Seal, além de um ‘groove’ vindo da música latina, que é uma coisa que você costuma fazer uso desde os tempos do Conception.

Tore: Sempre gostei muito do som das cordas de náilon. Os estilos de música latina para mim sempre foram coisas ardentes, que me transmitem uma grande paixão e fogo. Também é um estilo que combina muito bem com o Rock, por causa de sua intensidade.

Você vem trabalhando com o produtor Tommy Newton desde a época do Conception. O que ele sentiu quando ouviu as músicas do "Burn The Sun" pela primeira vez? Ele sugeriu muita coisa para incrementá-las?

Tore: Sempre gostei de trabalhar com Tommy. Sua principal preocupação é com o modo e a energia com que você executa as músicas, o que acredito seja fundamental na hora da gravação, não tem essa de fazer pequenas emendas. Ele é um engenheiro de som incrível, muito criativo e tem uma grande paixão no que está fazendo. Ele sempre foi como um integrante da banda durante as gravações. Quando finalizamos a base das composições para o álbum, John e eu fomos para a França para comemorar com um curto período de descanso. Neste período de férias, passando pela Alemanha, nós paramos lá para encontrar Tommy e fazer algumas baladas por lá. Nesta estadia apresentamos algumas músicas e ele simplesmente não acreditou. Instantaneamente ele veio com várias idéias e falou como ia fazer a produção do álbum. Depois que ouvirmos o que ele tinha para nos dizer, concluímos que ele havia compreendido nossa proposta. Nós mantivemos os arranjos da maneira que foram criados mas, sem dúvida, Tommy contribuiu muito para o resultado final. Ter a contribuição de uma pessoa como ele é sempre um prazer!

Falando a respeito das letras, parece que vocês gostam de escrever sobre o espaço, a natureza e o universo, não?

Tore: As letras são um espelho de nossas vidas, personalidades, ideais e como nos refletimos a respeito do que está ao nosso redor. As letras são um equilíbrio e um distúrbio do que está dentro e fora de nossas vidas. E tudo isso também está conectado fisicamente com os meios. Natureza, corpo, universo. As histórias estão sendo ditas de dentro de nós. Nós falamos muito sobre estes assuntos diferentes, além da emoção particular do núcleo de cada música. Então Jorn e John ordenam todas as idéias. A maioria delas foi escrita e gravada na Alemanha e isto, mais uma vez, vem de encontro com o objetivo principal de nosso processo criativo, que é a espontaneidade. Posso citar como exemplo, a "Waking Hour", que teve a letra escrita e os vocais gravados justamente no dia em que os Palestinos declararam o "Dia da Ira" (N.R.: Declarado pelo grupo islâmico radical Hamas em protesto contra a ação do Exército israelense no dia 6 de outubro de 2000). Estas notícias abalaram a nossa atmosfera no estúdio e Jorn cantou com muita emoção, um sentimento que vinha de encontro com toda aquela situação do momento.

Sei que a distribuição do primeiro álbum não foi muito boa, mas como foi a receptividade do público e da mídia?

Tore: Nosso primeiro contrato de licenciamento na Europa foi algo bem estranho e tivemos que rescindi-lo, mas agora o álbum está sendo distribuído pela InsideOut. Entretanto, foi lançado na Ásia, Estados Unidos, Noruega e França por outras empresas bem mais fortes em termos de representatividade e que tornaram as coisas melhores. A “bola” começou a rolar!

Por que vocês relançaram o primeiro álbum com outra capa? Foi algum tipo de exigência da InsideOut?

Tore: Sim, e achamos que foi uma grande jogada, ainda mais porque gostei muito da nova arte da capa.

Ainda sobre os contratos de distribuição dos CDs, os álbuns são lançados na Europa pela InsideOut e na América e Austrália pela Favored Nations ou ainda existe uma outra gravadora?

Tore: Acredito que somente a América do Sul seja o território onde nossos álbuns ainda não foram lançados, mas as negociações estão a caminho. Por isso, a pessoa que estiver interessada aí no Brasil só poderá conseguir comprando a versão importada, através de diversas lojas virtuais. Além disso, existe uma série de varejistas na Internet que está vendendo nosso material. Gostaria de deixar bem claro que gostamos de trabalhar com total liberdade e por isso nós fundamos nossa própria companhia, a Trust Me Records, que licencia os álbuns para a Favored Nations (EUA e AUS), FaceFront (NOR), NTS (FRA), InsideOut (resto da Europa) e Marquee/Avalon (JAP e Ásia). O primeiro álbum saiu nos EUA pela Laser’s Edge. Acho que agora deu para ficar tudo claro (risos).

Como está o trabalho com o novo empresário, Paul Ewing? Ele está conseguindo abrir as portas para a banda ao redor do mundo?

Tore: Está sendo fantástico tê-lo em nosso time! Quando estávamos cuidando dessa parte empresarial, sempre ficávamos atolados de trabalho à medida que as demandas aumentavam. Queremos ficar ocupados somente com a arte, não com os negócios. Então, está sendo um refresco ter uma pessoa que cuide dessa parte para a gente, ainda mais um empresário como ele. Paul é um veterano nessa área, foi vice-presidente da Warner Music asiática por 18 anos. Ele sabe muita coisa da indústria musical e tem contatos em todas as partes do mundo. Estou certo de que ele abrirá muitas portas para a banda.

Atualmente você está morando na França. Como foi sair da Noruega?

Tore: A França é o país da Europa com mais ligação com o mundo das artes. Existe muita inspiração que posso buscar nessa cultura tão rica! O clima também é bem diferente do Norte da Europa e eles ainda tem uma comida incrível, bem como, um vinho fenomenal. Além disso, acho muito bem ir para diferentes lugares e fugir da mesmice. Eu ainda por cima encontrei minha adorável companheira nesse país...

Como foi o show no "Prog Power Festival", nos EUA? Você teve contato com Roy Khan, já que o Kamelot também tocou lá?

Tore: Aquilo foi muito engraçado para mim. Estar no palco com Roy do meu lado direito era comum para mim, mas esta foi a primeira vez na vida que eu vi sua performance de palco do lado de fora. Foi uma situação estranha. Roy é um dos meus melhores amigos e nos chegamos a morar juntos por dois anos antes de eu me mudar para a França recentemente. Quer saber mais? Nós estamos nos vendo muito mais agora do que na época em que fazíamos as turnês com o Conception. Há cerca de um mês eu fui a um show do Kamelot em Montpellier (FRA). Foi matador!

Você ainda tem intenção de fazer um projeto paralelo com Roy Khan? Qual a sua opinião sobre o Kamelot com ele nos vocais?

Tore: Na realidade nós já temos muito material composto para este projeto. Faz dois anos que trabalhamos em cima disso nas horas vagas. Quanto ao Kamelot, acredito que a banda deu um passo gigantesco quando Roy assumiu o microfone. Ele também é um grande compositor e moldou a banda da forma exata e coesa com esse som mais épico. Está sendo muito legal testemunhar a evolução da banda e ver Roy nessa posição de destaque. Este show em Motpellier foi realmente forte, com Roy totalmente a vontade no palco. Ele está com uma performance realmente matadora, assim como a banda.

Falando em Conception, você ainda tem contato com o baterista Arve Heimdal e o baixista Ingar Amlien?

Tore: Lógico, estamos sempre em contato. Nós sempre fomos e seremos grandes amigos. Ingar está trabalhando com sua nova banda, Crest Of Darkness. Acho muito interessante que três ex-músicos do Conception estão se estabiliazndo com suas novas bandas. Estivemos juntos por muito tempo, dividindo várias experiências e sempre seremos como uma família!

Você compôs quase todas as músicas do Conception. O que você sente quando ouve músicas como "Building A Force", "My Decision", "Under A Mourning Star", "Gethsemane", "Flow" e "Reach Out", que são muito diferentes do estilo do ARK?

Tore: Elas são diferentes mas, ao mesmo tempo, têm alguma semelhança com o ARK. Eu comecei a ouvir o Flow novamente e adorei este álbum! É muito raro eu ouvir os trabalhos que eu mesmo participei, mas redescobri este álbum e ele me cativou. É óbvio que a energia é diferente, os músicos são outros, mas eu gosto muito das duas bandas. É claro que eu tenho grandes lembranças quando ouço Conception.

Vocês gravaram um vídeo (VHS) do Conception na turnê do "Parallel Minds" num show de abertura para o Gamma Ray na Alemanha. Como foi a resposta dos fãs ao "Parallel Minds"? Acredito que a música mais saudada foi a "Roll The Fire", não?

Tore: Este foi o álbum que nos colocou em contato com todos os fãs de Metal ao redor do mundo. Foi uma época muito legal! Éramos bem jovens, inexperientes e totalmente empolgados. Um dia estávamos numa sala de um estúdio na Noruega e, de repente, nos vimos na estrada, viajando para tocar. Aquilo era a realização de nosso sonho, levar o nosso som para as pessoas! A música "Roll The Fire" se tornou mesmo bem popular em todos os clubes da Europa e acredito que tenha ido bem em todos os países. Aliás, a resposta dos fãs foi enorme, além das nossas expectativas!

Ainda sobre a "Roll The Fire", como foi trabalhar com Andreas Marschall, que produziu o videoclipe desta música?

Tore: Passamos muito frio. Era um dia típico de outubro e parecia que estávamos dentro de uma geleira no Norte da Alemanha. Andreas foi muito legal, ele ainda está produzindo vídeos?

Acredito que sim. Ainda sobre o Conception, é verdade que a banda acabou por causa das vendas do álbum "Flow"? Considero o "Flow" um grande álbum, mas ele foi incompreendido pelos fãs e a imprensa mundial, se comparado ao "Parallel Minds" ou ao "In Your Multitude".

Tore: Não foi esta a razão de nossa separação. Naquela época já estávamos juntos havia mais de dez anos e todos estavam ávidos por novas experiências. Comecei a trabalhar com John e gravamos a base do que seria o primeiro álbum do ARK em 1995. Eu estava pronto para iniciar o ARK, Ingar queria fazer algo na linha do Black Metal extremo, Arve juntou-se a uma banda de Hard Rock/Blues e Roy encontrou sangue novo no Kamelot. Ou seria o ‘Youngblood’ no Kamelot (risos). Aquele foi o momento ideal para que ocorresse a nossa separação e seguir caminhos diferentes.

No pôster promocional do "Flow" está escrita a frase; “Direto ao futuro”, mas eu acredito que o futuro seja mesmo o som que o ARK está fazendo. Você concorda que o ARK está longe dos modismos e não tem um estilo definido?

Tore: Não posso dizer que estamos ignorando modas e um estilo, porque sempre observamos tudo que está ao nosso redor, mas nós não fazemos um exame do que está ou não na moda quando estamos criando. A gente não liga para isso, nós fazemos música que soa do jeito que gostamos, sem querer saber se estamos sendo inspirados por um hit atual ou por alguma coisa do passado. O ARK é livre!

O vocalista Jorn Lande se juntou ao Masterplan, que conta com os ex-Helloween, Roland Grapow e Uli Kusch). Você acredita que isso possa atrapalhar o trabalho do ARK?

Tore: Não. Jorn nos explicou tudo de forma clara e disse que só gravaria o álbum com eles se as coisas não interferissem no trabalho do ARK e assim nós demos permissão. Todos nós estamos envolvidos com outros músicos em diferentes projetos. Vou falar de novo: o ARK significa liberdade (risos)!

Vocês irão começar a gravar o novo álbum do ARK em maio. Já existe alguma música pronta? Vocês irão manter o mesmo estilo do "Burn The Sun"?

Tore: John está vindo para a França e em breve iremos começar a compor as músicas para o novo álbum. Eu deverei me encontrar com Jorn na Noruega antes disso. Então, eu e Jorn iremos para Nova York nos encontrar com John. Esté será o método que faremos as novas composições. Acredito que entraremos em estúdio no começo do nosso verão. Estilo? Depende de como vai estar nossa disposição no momento (risos). Bem, é muito cedo para falar alguma coisa. Temos muitas novas idéias rolando mas, me desculpe, isso nem eu sei!

Você se apresentou no Brasil com o DC Cooper. Quais foram suas impressões sobre o país? Existe alguma possibilidade de realizar um show do ARK por aqui?

Tore: Foi uma experiência muito legal! Passei grandes momentos durante a semana que estive no Brasil! Os fãs são muito passionais e têm muita energia! Me encontrei com pessoas fantásticas, e me tornei um torcedor fanático pelo Corinthians! Os brasileiros parecem ser bem compenetrados a apaixonados no que estão fazendo e esta é uma grande qualidade! Eu poderia morrer por uma nova chance de me apresentar no Brasil. O mais cedo que o ARK chegar às mãos dos fãs no Brasil, melhor!

Você pretende incorporar alguns elementos e ritmos brasileiros ao som do ARK?

Tore: Tenho quase certeza que sim, já tenho muitas inspirações. Gosto muito da tensão e excitação na música e eu realmente gostaria de ir a fundo na cultura musical do Brasil. Gosto muito dessas batidas tribais!

Pelos lados do Metal, você gosta de alguma banda do Brasil?

Tore: O Sepultura gravou grandes álbuns e eu aprecio muito a maneira como eles incorporaram esses elementos da música folclórica brasileira ao som pesado, com seus riffs “colossais”. Não sou tão familiarizado com o som da banda depois da saída do Max. O Angra é outra grande banda de Metal progressivo do Brasil.

Entrevista publicada na edição #39 da revista ROADIE CREW (abril de 2002)

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Arquivo Entrevista: LIV KRISTINE (Theatre Of Tragedy)

2009-12-01T04:04:00.000-02:00

A vocalista norueguesa Liv Kristine Espenaes, 26 anos de idade, ficou mundialmente famosa com a banda Theatre Of Tragedy, que ajudou a fundar quando estava completando 18 anos. Formada atualmente por Liv, Raymond I. Rohonniy (vocal), Hein Frode Hansen (bateria), Lorentz Aspen (teclado), Frank Claussen e Vegard K. Thorsen (guitarras), a banda assustou os antigos fãs com seus dois últimos trabalhos de estúdio, Musique (2000) e Assembly (2002), onde a sonoridade adotada segue uma linha bem mais Pop e ainda conta com vários elementos eletrônicos vindos da Dance Music. Apesar da mudança ter causado espanto, Liv conseguiu manter a classe e criou um novo estilo de cantar. Sua iniciação na música começou antes mesmo que começasse a falar e com uma técnica apurada e uma voz angelical, teve seu auge com o lançamento do álbum Aégis (1998), tornando-se referência para as vocalistas das bandas de Metal Gótico, estilo que vem sendo muito bem aceito na Europa e também no Brasil.

Qual a razão principal de toda essa mudança no seu estilo de cantar, principalmente no novo álbum, Assembly?

Liv Kristine Espenaes: Na verdade eu não planejei nada antes de entrar no estúdio para gravar. Como demoramos muito para gravar os Demo-Tapes, não tive nem como preparar as coisas com antecedência. Quando recebi as fitas, obviamente percebi que a música do Theatre Of Tragedy tinha mudado e achei que seria o momento ideal para eu também fizesse algo diferente. Quando fui gravar, o produtor Hilli Hilesma me ajudou muito no desenvolvimento deste novo estilo de cantar. Ele sempre me incentiva e nunca descartava as possibilidades. Eu cantava alguma coisa e ele logo dizia: “Vamos tentar uma tonalidade mais baixa”. Foi o que fiz e soou legal. Terminei minha parte em três dias e estou contente com o que fiz. Depois de 20 anos de um soprano angelical era tempo de mudar.

Vinte anos! Quando você começou a cantar?

Liv: Meus pais sempre me disseram que eu comecei a cantar antes mesmo de aprender a falar (risos). Quando estava com apenas 5 anos de idade já me interessava muito em música e costumava ouvir bandas como Black Sabbath, Led Zeppelin e Abba. Já por volta dos 8 ou 9 anos eu comecei a criar minhas próprias músicas e minha primeira banda foi aos 12 anos. Esta banda foi formada com uma amiga de classe da escola. Depois continuei e não parei mais, pois com 18 anos formamos o Theatre Of Tragedy. Á exceção do amor, a música é a coisa mais importante da minha vida.

Você gosta de outras bandas com vocais femininos?

Liv: Sim, gosto muito do Nighwish e aprecio muito o estilo de Tarja. Ela canta muito, é fantástica. A vocalista do Tristania também tem muito talento. Existem outras bandas no meio Gótico que contam com vocalistas mulheres que não são tão talentosas. Pessoalmente gosto muito da Madonna, acho que carrego isso desde os cinco anos (risos).

Como o estilo da banda atualmente está mesclando o Rock Gótico eletrônico com um Pop dançante, você tem intenção de seguir sua carreira seguindo a linha de artistas como Madonna ou Björk?

Liv: Essa é uma boa pergunta, nunca tinham me perguntado isso. Nunca pensei nisso. Sempre que vou gravar ou fazer um show, penso no meu trabalho naquele instante. Nunca sei o que vai acontecer no futuro e nem me inspiro em ninguém, faço o que meu coração e minha alma mandam. Madonna e Björk são famosas, mas espero que tudo saia bem para a banda toda. Só assim eu poderei ser considerada uma superstar.

Ainda sobre mulheres, você gosta do estilo de Kate Bush, Enya e Loreena McKennitt?

Liv: Gosto muito. Na semana passada eu comprei um Best Of da Kate Bush. Na verdade essa foi a segunda vez que comprei esse CD. Eu escutei tantas vezes, mas tantas vezes, que estragou e eu tive que comprar outro. Acho que isso responde sua pergunta com relação a Kate Bush (risos). O estilo celta de Loreena McKennitt é algo fenomenal e especial para mim. Quando eu a ouço, sinto muitas e diferentes emoções, pois esse tipo de música tem ligação com a natureza e diferentes culturas.

Como você analisaria esta drástica mudança no estilo da banda dos trabalhos anterior, incluindo o Aégis, para o Assembly?

Liv: É difícil definir isso. Para mim o Aégis é um Gothic Metal melódico com vocais femininos. O Musique e o Assembly são bem mais difíceis de definir com exatidão. Para falar a verdade nos colocamos o nome do álbum de Musique porque não conseguimos definir como estava o estilo da banda naquela época. E isso também aconteceu com Assembly, que teve este título porque é como se fosse uma união de vários elementos, do Pop, Rock, Gótico, Metal, Dance e Clássico.

Mas algumas músicas do Assembly poderiam ser tocadas em danceterias, concorda?

Liv: Não me importo nem um pouco que tipo de pessoa está ouvindo nosso álbum e nem onde ele pode ser tocado ou apresentado para o público. Se uma pessoa conseguir ou for dançar uma de nossas músicas ficarei contente. Música foi feita para expressar suas emoções e é por isso que não ligaria de ver alguém dançando com nosso som.

Assembly traz uma grande massa de efeitos e muitos elementos eletrônicos. Quem é o principal compositor da banda atualmente, o tecladista Lorentz Aspen?

Liv: Não é Lorentz Aspen. Ele tem um papel fundamental em todas as músicas, mas que mais compõe é Raymond. Ele tem seu home-studio e produz tudo. Daí os outros se juntam a ele em seu estúdio e finalizam as músicas. Como atualmente moro na Alemanha e eles na Noruega, costumo pegar o material pronto ou então ficamos discutindo pela Internet. Essa nova tecnologia nos permite isso, o que é muito mais fácil do que ter que pegar um avião para resolver pequenos problemas ou sanar algumas dúvidas. Só que Assembly também foi um marco para mim, porque foi a primeira vez que escrevi todas as letras, já que Raymond não estava com tempo disponível. Sempre quis isso e desta vez consegui.

Como foi a resposta dos fãs de Metal ao álbum Musique? Você acredita que eles irão aceitar o Assembly?

Liv: Eu diria que a metade dos que ouviram gostaram do Musique e a receptividade do Assembly está sendo melhor. Os fãs de Metal foram os mais críticos e em nosso site existem muitos fãs discutindo exatamente sobre nossos dois últimos álbuns. Acho que é uma boa marca e cada um tem sua própria opinião. Quando vamos fazer um álbum não marcamos uma reunião antes só para resolver como vamos soar. Não é nada premeditado. Não existe o papo de: “Será que a gravadora gostará de ouvir isso?”, ou então “Como vamos fazer um som para ganhar mais dinheiro?”. Queremos fazer o melhor tipo de arte possível. Música é arte! O que fizemos nos dois últimos álbuns foi criar algo diferente. É como trabalha um pintor, ele nunca pinta a mesma coisa duas vezes.

Qual o seu grande sonho pessoal? Você já se imaginou cantando junto com Ozzy Osbourne ou até mesmo com sua irmã menor, Carmen Elise?

Liv: Isto seria muito legal. É claro que eu gostaria de cantar com Ozzy, pois o meu pai é o maior fã dele do planeta (risos). E cantar com minha irmã seria muito interessante porque ela é uma vocalista fantástica. Ela estuda música e espero que ela venha para a Alemanha morar comigo e assim poderemos viabilizar este dueto. Meu sonho pessoal seria cantar com Enya, mas acho que nunca será realizado. Esse é um dos meus maiores sonhos.

Mas você não pretende mais lançar álbuns solo?

Liv: Nem sempre as coisas acontecem como queremos. Às vezes esse meio é uma merda, injusto. Tivemos problemas contratuais em minha carreira solo e só poderei pensar em alguma coisa depois de resolver tudo com a gravadora. Quando fico pensando muito nisso chego a chorar. Faz mais de três anos que estou querendo lançar um novo álbum solo.

Entrevista publicada na edição #39 da revista ROADIE CREW (abril de 2002)

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Arquivo Entrevista: JOHAN EDLUND (Tiamat/Lucyfire)

2009-11-01T17:17:00.000-02:00

O compositor, vocalista, guitarrista e tecladista Johan Edlund vem trabalhando de forma incessante ultimamente. No ano passado estreou seu projeto solo Lucyfire, lançando o álbum This Dollar Saved My Life At Whitehorse, muito bem recebido pela crítica e pelos fãs. Já o Tiamat, sua banda principal, acaba de lançar o sétimo álbum de estúdio, Judas Christ. A seguir, Johan conta tudo sobre o novo do Tiamat, não esconde sua paixão pelo Rock Gótico e traça planos para o futuro.

Como foram as sessões de gravação do novo álbum?

Johan Edlund: Foi muito longa, frustrante por causa do enorme trabalho que tivemos, mas tudo saiu muito como queríamos. Foi um longo período entre o processo de composição, os ensaios e a gravação. O restante da banda também esteve reunida na maior parte do tempo e trabalhamos muito bem em conjunto.

E quanto a sua parceria com o produtor Nissen, que começou na mixagem do álbum do seu projeto solo Lucyfire?

Johan: Nos entrosamos muito bem quando estamos trabalhando e ele é uma pessoa que não fica tentado nos controlar o tempo todo. Ele estava lá para nos ajudar e vislumbrar como o nosso som iria soar. Ele dava todas as possibilidades e nós entravamos num consenso. Nós tínhamos claramente em mente tudo que queríamos para esse álbum, mas não é sempre que você pensa uma coisa e consegue fazê-la. Nissen é o cara perfeito para fazer as coisas funcionarem, ou seja, ele captou o que desejávamos e colocou tudo em prática.

Como você se sentiu trabalhando no P.U.K. Studio, na Dinamarca, que já tinha sido usado por astros do Pop como Elton John e bandas renomadas da cena Gótica, como o The Sisters Of Mercy e o Depeche Mode?

Johan: Foi muito inspirador trabalhar neste local. Além disso que você citou, é um excelente estúdio, onde você fala com profissionais altamente gabaritados no assunto. Antes mesmo de gravar você já têm aquela consciência de que irá soar bem.

Já que você falou em inspiração, o álbum Foodland do The Sisters Of Mercy serve como guia quando você compõe?

Johan: Em certos momentos pode-se dizer que sim, é um álbum de uma banda que todos nós gostamos bastante.

Existe alguma razão especial para escolher a faixa Vote For Love como primeiro single do novo álbum? Vocês pretendem gravar um videoclipe para esta música?

Johan: Acredito que a mensagem positiva da música, algo novo para nós, levou a esta escolha. Não sei se esta é a música mais representativa do álbum, mas seu tema tem uma declaração muito pesada e forte. Quanto ao videoclipe, nós já o gravamos e acho que deverá sair em breve, pois em poucos dias irei conferir a edição final.

Você concorda que algumas partes do Judas Christ são similares ao seu trabalho com o Lucyfire?

Johan: Acho que é até difícil fugir deste tipo de comparação, ainda mais porque eu componho e canto em ambas as bandas. Sempre poderá pairar uma dúvida se o que está tocando é o Lucyfire ou o Tiamat.

O que você quer dizer com o título Judas Christ?

Johan: Nada em especial.

Vocês não estão provocando os que crêem no Cristianismo?

Johan: Não estamos contra os cristãos e sim contra o cristianismo.

E o que você diz sobre os radicais islâmicos?

Johan: Eu devo dizer que acho o Cristianismo a religião mais hipócrita que existe. Por outro lado sempre respeitarei as pessoas e se elas têm sua crença no Islamismo, Budismo ou o que quer que seja sempre continuarei respeitando o ser humano. Quero falar das questões que estão por trás da religião e neste ponto não existe coisa mais hipócrita que o Cristianismo.

Mudando de assunto, muitas bandas que começaram suas carreiras tocando Death Metal estão agora fazendo Gothic Metal, incluindo o Tiamat. O que você pode nos falar sobre esta transição?

Johan: Nunca pensamos que isso poderia acontecer, mas esta mudança ocorreu devido a muitas mudanças que tivemos em nossas vidas ao longo desses anos de banda. Estamos fazendo isso há treze anos e, obviamente, muita coisa muda.

Qual sua opinião sobre bandas como Moonspell, Darkseed e Paradise Lost?

Johan: Gosto destas bandas. Não diria que elas são influências principais ou que nos influenciaram a mudar o som. Já excursionamos com o Paradise Lost e agora estamos prestes a fazer uma turnê com o Moonspell. Acho que estas bandas que você citou têm as mesmas influências e esta é a melhor forma de você nos conectar a elas. O Tiamat e o Moonspell têm o mesmo ‘background’.

Você acredita que uma pessoa que compre o CD Judas Christ e depois álbuns como o Sumerian Cry ou The Astral Sleep poderá aceitar logo de cara que é a mesma banda, a não ser pelo nome?

Johan: Espero que sim (risos). Sempre existe uma conexão lógica em cada um de nossos álbuns, do primeiro para o segundo, do segundo para o terceiro e assim por diante. Será um choque muito grande a pessoa ouvir o novo álbum e o primeiro, mas sei que intrinsecamente existem muitas coisas em comum.

Como você desenvolveu seu estilo de cantar? Foi complicado mudar do estilo mais agressivo para uma voz mais baixa, limpa e grave? Todo mundo que ouve você cantar sabe que é o Tiamat ou agora o Lucyfire...

Johan: Complicado não foi, mas eu acho que percebi que para ser ouvido você não precisa ficar o tempo inteiro gritando o mais alto possível. A pessoa que fica gritando sem sentido tende a ser ignorado pelas pessoas. Por isso nós percebemos que existiam outras maneiras de chamar a atenção das pessoas e com o mesmo entusiasmo de antes.

Com o álbum Wildhoney a banda obteve reconhecimento mundial. Este é o trabalho mais vendido do Tiamat?

Johan: Sim, é o mais vendido. Na época nós não imaginávamos que isto pudesse acontecer e até mesmo a gravadora ficou surpresa. Quando lhes entregamos a fita master com a gravação do álbum eles já curtiram de imediato. Por outro lado eles estavam com receio porque aquele som era muito experimental para a época. Por sorte, a resposta positiva veio de forma rápida. Todo mundo fala do Wildhoney.

Falando sobre o Lucyfire, a atmosfera que o álbum passa se assemelha às bandas de Hard Rock dos anos 80, porque você fala de festas, mulheres bonitas, carros luxuosos, belas e ensolaradas praias. Por outro lado, o som é o típico Rock Gótico. Este é o outro lado de Johan Edlund?

Johan: Eu não me dividiria em dois lados, há muito mais que isso, lógico. Mas, se você quer fazer alguma coisa diferente deve procurar os caminhos que o levem para isto e eu achei melhor expressar estes outros sentimentos. Mesmo assim isso é muito pouco para explicar o que eu sou, ou seja, uma coisa dimensional. Como estou em duas bandas, a coisa é bidimensional, mas ainda é muito longe de poder afirmar que estes são os dois lados da minha pessoa. Ninguém vai aprender isso ouvindo apenas a minha música.

Como você econtrou os músicos para gravar o This Dollar Saved My Life At Whitehorse? Se você for lançar outro álbum eles serão novamente escalados para participar?

Johan: Eles são músicos de estúdio e eu não os conhecia antes de gravar o álbum. Eu não posso afirmar categoricamente que eles irão gravar outro trabalho comigo, pois como o Lucyfire é notadamente um projeto paralelo eu posso querer experimentar outras coisas, trabalhar com músicos de outras bandas e aí eles poderão ficar de fora.

No álbum do Lucyfire há uma versão bem interessante de Sharp Dressed Man do ZZ Top. Você a escolheu por causa da concepção da letra, que vai de encontro com a temática do álbum?

Johan: As letras são bastante engraçadas e tinham conexão com o Lucyfire mas, ao mesmo tempo, a estrutura da composição também caiu muito bem com o estilo que eu estava criando para o álbum.

Como os fãs e a imprensa reagiram ao álbum do Lucyfire? Existe a possibilidade de você estar atuando ao mesmo tempo nas duas bandas?

Johan: O álbum vendeu muito bem e todos aceitaram esta proposta. Para lhe falar a verdade eu anseio muito estar à frente das duas bandas. Existem planos para uma turnê com o Lucyfire, mas até agora só participamos de um festival.

Falando sobre o Brasil, existe a possibilidade de você vir para cá com o Tiamat?

Johan: Estou trabalhando em cima disso, espero poder fazer uma turnê pela América do Sul este ano. Pelo menos é isso que estamos planejando.

Entrevista publicada na edição #38 da revista ROADIE CREW (março de 2002)

www.roadiecrew.com

XXX: a segunda do Lado A

2009-10-27T00:00:00.004-02:00

Toda vez que as coletâneas contendo bandas novatas de Heavy Metal eram lançadas havia uma espécie de obrigação em se obter, no mínimo, uma gravação em cassete. Aí era aquela correria habitual daqueles tempos em que os 'tape traders' e os fanzineiros dominavam: um passava para o outro, que copiava para outro e assim por diante. A propagação, que hoje é feita em poucos minutos através dos downloads – sem ao menos o álbum físico ter sido lançado –, era mais lenta, porém mais romântica.

A mais representativa e famosa destas coletâneas, a "Metal Massacre", surgiu em meados de 1982. Pouco tempo depois, aquela ideia do chefão da gravadora norte-americana Metal Blade, Brian Slagel, era uma realidade na cena. Tudo bem que no Brasil as versões chegavam com atraso, mas com as coletâneas – as fitinhas copiadas – em mãos, cada um passava eleger suas bandas preferidas e saía em busca de qualquer sorte de material que pudesse encontrar sobre elas. Havia algumas divergências, mas algumas destas foram unânimes logo na primeira audição, casos dos então novatos Metallica e Slayer, por exemplo.

Os anos iam passando e a "Metal Massacre" continuava firme, revelando boas bandas. Em meados de 1985 veio a "Metal Massacre VI", trazendo o Possessed com "Swing of the Axe" como "abre alas". Como a gravação comprada em lojas como a Woodstock Discos ou algumas da Galeria do Rock (SP) não faziam nenhuma alteração – o lado A do disco era o lado A da fita cassete e o lado B era o lado B –, a ordem das faixas era a mesma. Algumas vezes, quando tínhamos a cópia da cópia da cópia em mãos, algum intermediário dava uma alterada no track list e confusões viravam "lendas urbanas" do meio Metal. Sempre tem aquele carinha que diz ter certeza absoluta que a terceira música do lado B é da banda X, porque a fita dele era gravação do disco original. Bem, deixa pra lá, você já deve ter passado por isso alguma vez na vida. Infelizmente, a gravação que obtive da "Metal Massacre VI" era uma destas alteradas.

Por sorte, descobri que os mesmos amigos do basquetebol do clube Paineiras do Morumby, que editariam pouco tempo depois comigo o fanzine DeathCore, tinham a cópia com a ordem correta da "Metal Massacre VI". Assim, enquanto eu pensava estar ouvindo e curtindo muito uma banda chamada Steel Assassin, os irmãos Caio e Conrado Tabuso me alertaram que aquela era a "Welcome to the Slaughterhouse", do Dark Angel. Sorte que não passei a confusão adiante, porque já estava começando a fazer propaganda demais a outros amigos de bandas que, na realidade, nem tinha gostado tanto.

Regravei-a com a ordem correta e então começamos a eleger as melhores. Como éramos os mais "porradeiros" e curtíamos muito mais os sons extremos, o primeiro eleito foi o Possessed, seguido pelo Hirax, Dark Angel e Halow's Eve.

Só então comecei a perceber que toda vez que ouvia aquela segunda do lado A, a sensação era diferente. Até mesmo quando ia montar uma coletânea para outro amigo conhecer novas bandas, incluía a "XXX". Cheguei a fazer isso para uma das dezenas que gravei ao Claudio Fortuna, que também passou a comentar bastante sobre aquela, segundo ele, "banda esquisita, mas legal".

O som era um Heavy/Thrash de certa forma esquisito mesmo, mas que cativava. Não era aquela coisa que impressionava pela agressividade, como quando ouvimos pela primeira vez o Possessed, mas eles tinham alguma magia diferente. Passei dias, meses e até hoje ainda me pego com aquele refrão sacana "XXX... Triple X". O Nasty Savage provou que havia espaço para a sacanagem explícita no Metal e que as bandas mais agressivas não precisariam viver só de "satan", "evil" ou "demon".

O grupo foi formado na região de Tampa (EUA) no início dos anos 80, por Fred Dreschigan (baixo), Ben Meyer (guitarra) e Craig Huffman (bateria), ainda com o nome de Nightmare. A entrada do vocalista "Nasty" Ronnie Galleti fez com que mudassem radicalmente a linha musical. A primeira mudança ocorreu antes da assinatura do contrato, com a saída de Craig Huffman e entrada de Curtis Beeson, além da chegada de Dave Austin, como segundo guitarrista.

Após a gravação da Demo-Tape "Wage Of Mayhem" (1984), a Metal Blade se mostrou interessada e apostou no potencial da banda, que fez sua estreia justamente na coletânea "Metal Massacre 6". Posteriormente, saiu o cultuado 'debut' "Nasty Savage" (1985), lançado inclusive no Brasil em vinil. Na sequência, após a mudança de baixista com a entrada de Dezso Istvan Bartha, saiu "Indulgence" (1987), mostrando uma sonoridade mais agressiva, bem trabalhada e totalmente Thrash Metal.

Àquela altura, o Nasty Savage tinha um dos shows mais intensos da cena americana. Entre outras estripulias, o insano e performático vocalista Nasty Ronnie cuspia sangue e quebrava aparelhos de televisão no palco, enquanto o baterista Curtis Beeson fazia sua pirofagia cuspindo fogo após seu solo.

E qual não foi a surpresa geral dos fãs brasileiros, quando Nasty Ronnie veio ao Brasil para promover o lançamento de "Indulgence" – que trouxe a regravação de "XXX" – e acertar os detalhes para uma possível apresentação no país. Aquela tarde de sábado à frente da Woodstock Discos, que já estava situada em seu segundo endereço – em frente ao metrô Anhangabaú –, foi inesquecível. Ao contrário da maioria das sessões de autógrafos, Nasty Ronnie fez questão de ficar fora da loja. Passou horas ali, no meio dos bangers, conversando, tirando fotos e concedendo autógrafos na maior humildade.

Estava junto com os grandes amigos do Rio de Janeiro – músicos da banda Necromancer – e de um grande colecionador e conhecedor de Metal, o Fernando Folena. E foi justamente o Folena que me convenceu a voltar para casa para pegar meus discos de vinil para que Nasty Ronnie os autografasse. Foi o que fiz e hoje sei que somente pelo Metal isto é possível.

Além dos autógrafos nos discos do Nasty Savage, Nasty Ronnie ainda fez questão de assinar na página dedicada à banda no fanzine DeathCore, sem antes perguntar: "Você falou bem da minha banda?". Expliquei qual era o teor do texto e Ronnie rabiscou um "DeathCore Rules!". Saímos todos contentes por termos passado uma tarde diferente e agradável em frente à Woodstock Discos.

Naquela longa noitada na extinta Choperia Pedágio, localizada no bairro do Ibirapuera, o papo foi quase que exclusivamente sobre Heavy Metal e, claro, o Nasty Savage. Acredito que os poucos assuntos, fora comentar sobre todas as mulheres presentes no bar e Heavy Metal, foram os drinques esquisitos do Pedágio – "Pô seu Guarda", "Subida da Serra", "Descida Perigosa" – e o chope de 1 litro, o famoso Maracanã. Aí foi aquela habitual discussão sobre futebol paulista X futebol carioca.

No ano seguinte veio a grande notícia, com a confirmação de shows do Nasty Savage no Brasil, com datas no Rio de Janeiro (RJ) e em São Paulo (SP). A inesquecível data da apresentação na extinta casa Projeto SP ocorreu a 23 de julho de 1988, com abertura a cargo da melhor banda brasileira de Thrash Metal: Korzus. No Rio, o 'opening act' foi a Dorsal Atlântica. Ah, como era boa a época que escolha da abertura era feita exclusivamente por merecimento...

E lá fomos nós... Tudo bem que alguns foram "no embalo", já que show internacional no Brasil era coisa rara. Quem realmente curtia, estava eufórico. Eu e o Claudio Fortuna – aquele mesmo, que tinha conhecido a banda por causa da "Coletânea Batalha Vol. 15" – fomos com uma missão extra: filmar o show. Estava acostumado a filmar os shows de bandas nacionais no Teatro Mambembe, no Rainbow Bar ou em qualquer que fosse o buraco que tivesse show, mas a velha câmera Panasonic VHS estrearia em um evento internacional.

Estávamos apreensivos, pois mesmo com toda negociação feita de forma antecipada com o dono da revista Rock Brigade, Antonio Pirani, a entrada de uma pessoa não credenciada em um show naquela fase era quase impossível. Imagine, então, duas pessoas com ingressos comuns portando uma filmadora. Se um fã era proibido de entrar com uma simples máquina fotográfica, com uma filmadora era algo tão raro que parecia mais proibido e difícil que entrar em um show com alguma substância ilícita.

Até houve um pequeno estresse na entrada, com aquelas costumeiras palavras proferidas de forma agradável por seguranças e porteiros, como "não estou sabendo de nada" ou "sem credencial, sem chance". Enfim, conseguimos entrar e fomos para o "Balcão Nobre", já que filmar na pista seria inútil.

Os shows foram fantásticos. Como fiquei tentando me concentrar na filmagem não deu para agitar muito, mas obviamente curti e vibrei com músicas como "Stabbed In The Back", "Gladiator", "Inferno", "Unchained Angel", "Witch's Sabbath", "Metal Knights", "Divination", "You Snooze, You Lose", "Abstract Reality" e, obviamente, "XXX". Já o Claudio Fortuna ficou abismado e tão empolgado com a qualidade de som e a postura de palco do Korzus, que afirma até os dias de hoje que preferiu o set dos brasileiros, mesmo tendo gostado bastante da performance do Nasty Savage. Eu sei, você também pensou ou já ouviu dizer que quando dão as mesmas condições e a mesma estrutura, as bandas brasileiras detonam... Uma pena que não é sempre assim.

Ao final da apresentação do Nasty Savage, fomos tentar achar o Toninho da Brigade para entregar a fita VHS com a filmagem do show e receber o pagamento. Claro que ouvimos quase as mesmas coisas: "aqui não pode entrar", "sem credencial não dá", "fazer o quê no camarim?"...

Com a entrada liberada, conseguimos até mesmo falar com todos os músicos, algo raríssimo mesmo depois de quinze anos de atuação como imprensa no meio do Heavy Metal. Dá para contar nos dedos de uma mão as vezes que conseguimos entrar em camarins ou falar com músicos de bandas após um show. Ficou surpreso com isso? É, não existe essa de credencial "all access" para a mídia não.

Falei com Nasty Ronnie e lembrei-o daquela tarde na Woodstock Discos e do Fanzine DeathCore. Como o lado fã falava muito alto e o do jornalista parecia instintivo, havia levado no bolso uma folha de papel com o provável set list e colado uma foto da banda que tinha saído em um jornal de grande circulação de São Paulo. Já que a folha estava no bolso mesmo, aproveitei para pegar autógrafo de todos.

Todos assinaram e quase preencheram a folha toda. Todos, menos o guitarrista Ben Meyer. Engraçado que na hora, ainda pensei: "Mas que cuzão esse cara!". Continuei falando com todos, menos com ele.

Aí, já em casa, peguei a folha de novo, tomei um susto e me senti mal... O cara tinha assinado o nome dele bem pequeno, quase imperceptível, em cima da foto que tinha sido publicada no jornal. Quem adora esta história é o meu grande amigo "anão" (2m04) Fernando "Jospeh Goose" Biava, ex-companheiro de Basquetebol e parceiro de tantos outros shows e baladas. O cara adora rir da minha cara e pede direto para eu contar para os outros esse tremendo fora que dei no camarim com o Ben Meyer.

Após a passagem pelo Brasil, o Nasty Savage seguiu promovendo o EP "Abstract Reality", mas depois substituiu seu baixista, passando a contar com o já falecido Chris Moorhouse. No ano seguinte, saiu o álbum "Penetration Point", mostrando ainda mais evolução musical. Durante aquela turnê, o baterista Curtis Beeson cedeu o posto para Rob Proctor, que esteve como músico convidado. Entretanto, problemas internos de relacionamento e na gerência dos negócios fizeram com que a banda encerrasse as atividades.

O show de retorno ocorreu somente em 1998, no festival alemão "Bang Your Head". Os fãs se animaram, mas a volta oficial ocorreu somente após o lançamento do EP "Wage Of Mayhem", em 2002. Aí, a vontade falou mais alto e Nasty Ronnie (vocal), Ben Meyer e David Austin (guitarras), Curtis Beeson (bateria) e Richard Bateman (baixo) voltaram ao estúdio e gravaram "Psycho Psycho", que saiu em 2004. A qualidade musical apresentada foi a mesma, mostrando que os caras não tinham perdido a mão. Fiz questão de entrevistar Nasty Ronnie e a matéria foi publicada na edição #68 da revista Roadie Crew. E, claro, perguntei sobre a "XXX", a segunda do Lado A...

ARQUIVO RB: ENTREVISTA – NASTY SAVAGE

Por que o Nasty Savage resolveu encerrar as atividades após o lançamento do álbum Penetration Point?
"Nasty" Ronnie: Nós ficamos cansados de tudo e todos sabem que, às vezes, um relacionamento se desgasta e aí você fica mesmo de saco cheio. Tivemos alguns acordos mal feitos nos negócios e também problemas com o empresariamento. Com isso, sentimos que não iríamos conseguir sair daquele ponto onde paramos e resolvemos nos separar.

Após a separação, Ben Meyer formou o Gardy Loo e gravou com o Acheron, e você tentou seguir em frente com a banda Inferno. Como foi aquela época?
Ronnie: O Inferno era apenas um projeto, algo que eu sempre quis fazer, com um som extremamente pesado, para mostrar que eu também conseguia cantar Death Metal. Não fiz tanta questão em me dedicar de corpo e alma e procurar loucamente por uma gravadora. A Cook Records lançou o álbum e ele agora é parte da história, apenas isso.

Quando vocês tiveram a ideia e a vontade de voltar para cena com o Nasty Savage?
Ronnie: Nós não planejamos nada e eu nem fazia ideia de que estaria novamente num palco e sequer gravando um novo álbum de estúdio. Mas se é uma coisa que você tem em seu coração, nunca perde aquele sentimento. A "destruição" voltou e agora tivemos a chance de fazer este novo álbum, depois de termos relançado o EP e o Penetration Point. Aí, a Cook Records nos ofereceu uma ótima proposta para um trabalho inédito. Por causa disso sentimos que deveríamos nos reunir e esquecer o que aconteceu no passado e olhar somente para frente, criando coisas novas para que tivéssemos um Nasty Savage versão 2004! Desta forma, todo mundo trabalhou com mais paixão e emoção no processo de composição, resultando em um álbum como o Psycho Psycho.

Antes desse retorno oficial vocês realizaram um 'reunion show'. Como foi aquela apresentação e como foi a resposta do público?
Ronnie: Nós fizemos o festival "Bang Your Head" na Alemanha, em 1998. Aquele foi o primeiro momento que voltamos a tocar muito depois de anos de ausência, mas naquela época ainda não estávamos com o baterista Curtis. Foi muito legal aquele show, pois puder voltar no tempo, agitar, cantar, vibrar, ficar novamente louco e quebrar TVs... (risos). Fora a emoção ao ver o público cantando conosco e gritando: "Nasty Savage, Nasty Savage...". Aquilo foi tão bom que para nós passou depressa demais. Depois ficamos mais cinco anos sem nos apresentarmos. Tudo correu bem e o que interessa é que agora estamos de volta!

Alguma razão especial por terem escolhido o título de Psycho Psycho para o novo álbum?
Ronnie: Bem, no começo o título da música era Psycho Sexual, mas nós não sabíamos ainda qual seria o nome que colocaríamos no álbum. Essa foi uma questão meio complicada que demoramos para resolver. Aí fizemos uma lista com o nome de todas as músicas que tínhamos composto e mais outros que vieram à mente na hora. Só que quando estávamos em estúdio gravando, muitas pessoas vieram nos visitar, alguns jornalistas, amigos e fãs. Todos eles depois que ouviram a música que antes era Psycho Sexual nos disseram que haviam curtido muito "aquela onde o refrão repetia 'Psycho Psycho'"... (risos). Aí como percebi que aquilo havia grudado de imediato na cabeça das pessoas eu resolvi mudar para Psycho Psycho. E aí acabamos usando-o não só para a música, mas também como o título do álbum. É uma música muito forte e intensa, que marca realmente e todos concordaram que seria a melhor escolha, ainda mais porque todo mundo é mesmo um pouco 'psycho psycho' (risos). Muitas coisas de nosso dia-a-dia nos deixam assim, como o trânsito caótico, as filas, a seu chefe pentelho e todos aqueles altos e baixos da vida de qualquer pessoa. Todo mundo pensa um pouco em jogar tudo para o alto e ficar um pouco 'psycho psycho' (risos).

Concordo plenamente com isto!
Ronnie: (risos) Mas isso é uma coisa que está dentro de qualquer um e todos podem explodir a qualquer momento!

E os seus 'psycho psycho fans', como estão reagindo ao novo álbum?
Ronnie: Os nossos verdadeiros fãs ficaram extremamente contentes, animados com nossa volta e adoraram o álbum! Eles nunca achavam que poderiam nos ouvir e por isso ficaram espantados. Por sinal, convoco nossos amigos brasileiros a postar sua mensagem no guestbook de nosso site oficial! Queremos ter conhecimento da reação das pessoas e ler o que eles estão achando sobre o álbum e o nosso retorno! Sobre a imprensa, muitos que hoje estão trabalhando na mídia eram jovens 'headbangers' na época do Nasty Savage, há cerca de quinze ou vinte anos, e se lembram da banda com carinho, porque cresceram ouvindo nosso som! Como eles estão trabalhando no meio, seja em sites, revistas, gravadoras, rádios, casas de shows, e não deixaram de ser fãs de Metal, nos trataram muito bem. Isso é muito legal, porque as resenhas positivas superam as negativas. Parece que estamos conquistando novos fãs, pois muitos pensam que somos uma banda nova.

Quem teve a ideia de regravar a música Savage Desire, vinte anos após o lançamento da clássica Demo-Tape Wage Of Mayhem? Como vocês chegaram a Chris Jericho (Fozzy) para fazer uma participação especial nesta faixa?
Ronnie: Vejamos as músicas da Demo. A XXX entrou no Indulgence. A Unchained Angel saiu no Abstract Reality. Aí pensamos em trazer de volta uma música daquela época e deixá-la com a cara de 2004. Escolhemos a Savage Desire desta vez e no próximo álbum quero regravar a Witch's Sabbath! Chris Jericho veio através de um amigo e um amigo.

Pensei que o seu envolvimento com Chris Jericho tinha vindo da paixão pelo Wrestling e as Artes Marciais em geral. Ele é lutador profissional de Wrestling e é tricampeão Intercontinental da WWF!
Ronnie: Isso também, mas foi pelo lado musical, porque o próprio Chris havia dito que era um grande fã de nosso trabalho e que queria nos conhecer pessoalmente. Marcamos um encontro e fomos jantar. Na primeira hora de papo ele não disse outra coisa a não ser a história do Nasty Savage! Ele provou mesmo que era um verdadeiro fã, além de ser um cara legal e talentoso, porque eu escutei os álbuns do Fozzy. Ele canta bem! Tempos depois, quando fomos gravar, o convidamos e ele disse que seria uma honra participar de nosso álbum. Até hoje nos falamos de vez em quando. Sobre as Artes Marciais, eu ainda sou fanático, mas como estou muito ocupado agora com a música e outras atividades, não tenho tido tempo. Posso voltar a praticar a qualquer momento, porque é outra coisa que está no meu coração!

Ainda com relação a músicas antigas da banda, por que vocês nunca gravaram as primeiras composições, como Stormchild, Satan's Defeat, Way Of The Warlock e Vigilante?
Ronnie: São músicas boas que você lembrou! Ainda tinha a Sirens' Call! Bem, apenas acabou acontecendo e elas foram ficando para trás e a Vigilante seria uma boa pedida para uma regravação! Se bem que eu acho que já usamos algum pedaço dela em outra música e aí ficaria ruim. Way Of The Warlock é outra legal! Existem alguns discos ou fitas piratas dos anos 80 onde tocamos estas músicas e muitas pessoas correm atrás deste material raro. Eu acho que agora já contentamos os velhos fãs com a Savage Desire e, como disse, a Witch's Sabbath poderá ser outra. Vamos pensar para frente, olhar para o futuro e criar coisas novas.

Falando em coisas novas, por que resolveram mudar um pouco o 'layout' do logotipo?
Ronnie: Foi amassado e esticado um pouco, mas apenas em termos de se fixar ao contexto geral da capa.

O Nasty Savage foi uma das primeiras bandas de Metal a gravar no Morrisound Studios. Você se lembra como foram as sessões de gravação do primeiro álbum, Nasty Savage?
Ronnie: Foi bem legal! Lembro que Brian Slagel da Metal Blade foi ao estúdio quando o álbum estava sendo mixado. Nós tínhamos produzido-o junto com Jim Morris e os outros engenheiros de som de lá, que eram muito bons. Depois que o Nasty Savage e também o Savatage gravaram lá todo mundo se interessou! Até mesmo o Sepultura, Agent Steel, Death, Destruction e outras. Demos o passo inicial e o Morrisound se tornou a casa das bandas! Scott Burns veio e começou a produzir também por lá. Acho que é interessante ver que o seu trabalho foi bem analisado e que muitos seguiram o bom caminho. Ser um abre-alas no estúdio Morrisound nos deixa felizes!

Uma das melhores faixas do primeiro álbum é a No Sympathy. É verdade que vocês a compuseram no estúdio, meio em cima da hora?
Ronnie: Na verdade é complicado lembrar exatamente isso após tantos anos, mas eu acho que não foi feita por último. Tínhamos todas as músicas compostas quando fomos gravar, ensaiamos muito antes da gravação. E quando chegamos no Morrisound ainda tocamos bastante todas as composições e acho que a No Sympathy estava incluída. O processo foi totalmente o inverso do Psycho Pyscho, que fizemos inteiramente no estúdio, pois não ensaiamos nenhuma vez para gravá-lo! Todo mundo criou a sua parte em separado e nos encontramos em estúdio. Dave vive no Tennessee e só encontrei com ele três vezes antes de começar a gravar o Psycho Pyscho. Eu nunca demorei muito tempo para escrever as letras, mas só consigo quando tenho a música pronta nas mãos, com os solos e tudo mais. Preciso disto para sentir realmente a vibração de uma composição! Desta forma, após tanto tempo, fiquei como um pintor que olha para a tela em branco, mas não tem o que pintar. Eu fiquei maluco, mas quando recebi as músicas novas gravadas eu enlouqueci, e fiz como Picasso ou Van Gogh em seus quadros, usei todas as cores que tinha (risos). Tudo que estava na mente foi colocado no papel e aí saíram a Dimension 13, Psycho Pyscho, Betrayal System... Escrevi a respeito de situações de relacionamento entre as pessoas, do tratamento, as emoções e os sentimentos.

E quanto ao seu modo de cantar? Você se lembra quais foram as primeiras influências e como desenvolveu seu estilo pessoal?
Ronnie: Sempre fui muito mais um 'performer' a um vocalista técnico e estudado. Quando era bem criança, na época de escola, o que me chamava mais a atenção era um seriado de TV chamado "West Side Story" e eu lembro das gangues lutando e depois as danças. Lembro-me também que quando meus pais e familiares falavam para mim o nome do seriado, eu saia dançado pela sala (risos). Todo mundo cantava as músicas daquela série. Aí, nos anos 80 eu disse para mim mesmo que seria vocalista de Heavy Metal. Formei uma banda e depois entrei no Nasty Savage e a razão de termos feito logo de cara músicas próprias foi porque eu não conseguia cantar músicas dos outros, era muito limitado nos covers (risos). Só que se você está cantando suas próprias músicas ninguém vai falar que falta algo ou que você está fazendo errado, porque é coisa que você criou! Aí dei a ideia de nos concentrarmos na gravação de Demos ao invés de pensar em covers. Disse para o pessoal: "vamos fazer do Nasty Savage uma banda e fodam-se os covers". Eu acho que sempre você pode mudar seu estilo de tempos em tempos, por isso eu nunca parei e continuei tentando coisas diferentes. Minhas influências pessoais vem do Black Sabbath antigo e também Ian Gillan, Iron Maiden com Paul Di'Anno e Bruce Dickinson e Rob Halford. Muitos pensam que meu estilo nos falsetes e gritos são por causa do King Diamond, mas na verdade me inspirei no estilo do Rob Halford. Lembro-me escutando aquela música do Judas Priest, Exciter e outras do álbum Stained Class, e ficava tentando chegar às notas mais altas. Mas aí você aprende a controlar e como chegar nelas. Foi o que fiz e adaptei ao meu estilo. No Psycho Pyscho eu não tive que cantar em cima de passagens complicadas e partes difíceis como aconteceu no passado e por isso pude realizar um trabalho diferente. No Abstract Reality sim, eu achei mesmo que estava cantando sério (risos). Lembra da Eromantic Vertigo? Sempre encaro como um desafio, pois se você não encarar desse modo, não vai evoluir e curtir e aí o melhor que faz é parar.

Como você mesmo disse, sempre pensou em tentar coisas novas. Foi por isso que no segundo álbum, Indulgence, você deixou de lado os falsetes e as notas altas e adotou um estilo mais agressivo?
Ronnie: É complicado mudar completamente, porque mesmo no Indulgence ainda cantei algumas notas mais altas e uns agudos. Só que da mesma forma que alguns aprovam as mudanças, outros só ficam questionando a respeito disso. No Psycho Psycho eu fiz realmente o que queria, sem qualquer influência. Bem, eu trabalhei no estúdio com Donald Tardy o baterista do Obituary e Mark Prator, engenheiro de som e também baterista. Toda vez que eu falei que ia dar um grito ou elevar a voz mais para o agudo, lá vinham eles: "Puxa irmão, outro desses..." (risos). Eu estava contra todos e disse "foda-se, farei do jeito que queria mesmo". Só que tenho consciência de tem os que querem escutá-los e os outros que não gostam e preferem o agressivo e o gutural.

Schmier, baixista e vocalista do Destruction, passou pelo mesmo, porque quando ele parou de dar os agudos e notas mais altas nos gritos, muitos fãs reclamaram. Agora ele voltou a usá-los...
Ronnie: É normal que aconteça isso e eu o conheço bem porque fizemos algumas baladas juntos, já que eles também gravaram aqui em Tampa, no Morrisound. Na verdade, você não pode fazer querer agradar a todos, mas também não dá para obedecer aquele que pensa que é o "Sr. Metal", o sabe-tudo, entende? Faça o que está no coração, porque muitos desses são meros modistas e depois poderão estar escutando outro tipo de som. E isso vale não só na música, mas em nossa vida.

Como foi o começo da sua carreira? Por que sua primeira banda, Crionic Dogs, não vingou?
Ronnie: Crionic Dogs... Bem, era apenas uma banda de garagem. Eu ficava nervoso naquela época quando estava cantando (risos). Tocávamos alguns covers e tínhamos somente uma música própria, a Red Devil Massage, que até hoje nem sei do que se trata. Bem, foi um aprendizado até que eu chegasse ao Nasty Savage.

No início o Nasty Savage tinha uma vocalista mulher...
Ronnie: Sim, naquela época se chamava Nightmare e tinha mesmo uma garota no vocal, além de Fred Dreschigan no baixo, Ben Meyer na guitarra e Craig Huffman na bateria. Lembro que os vi em algumas baladas e tempos depois fiquei sabendo que eles estavam procurando um vocalista. Fui atrás e fiz o ensaio com eles. Acho que cantei umas quatro vezes a Wrathchild do Iron Maiden. Depois de um mês ninguém me disse se eu havia sido aceito na banda até que eu os encontrei numa festa e perguntei se estava dentro. Eles disseram que sim e no dia seguinte eu cheguei já com o nome Nasty Savage em mente e disse para eles. Estava bem consciente que queria eu falei também que eu seria "Nasty" Ronnie e que nós iríamos compor músicas próprias, juntar dinheiro para gravar um Demo de quatro faixas. Depois iríamos buscar uma gravadora, lançar um álbum, fazer turnês e ter uma carreira. Um ano depois tudo isso aconteceu, porque planejamos e aquele era nosso objetivo!

Como surgiu a oportunidade de fazer parte do cast da coletânea Metal Massacre 6 da Metal Blade, com a faixa XXX?
Ronnie: Quando gravamos a Demo eu comecei a mandar para todas as gravadoras, lojas, rádios, fanzines, fãs de Metal e tudo quanto é lugar que tinha endereço que tinha alguma conexão com o Metal! Em nossos shows eu sempre fiz questão de termos fotógrafos próprios e acesso total para repórteres, pois assim eu mesmo poderia mandar nossas fotos para revistas. Aí muitas deles nos colocaram na capa e foi gratificante para nós porque deu resultado. Além disso, uma rádio no Texas que tocava nosso som sem parar. Foi ele que mandou a fita para Metal Blade e fez com que fizéssemos shows por lá, mesmo sem ter álbum lançado. E nessa época toda vez que íamos tocar fora, como eu morava com minha família, eu telefonava para minha mãe para saber como estavam as coisas e se tinham chegado cartas para mim em nome da banda. Toda vez ela dizia que tinham muitos pedidos para envio de nossa Demo, acho que vinte ou trinta cartas por dia. Aí, um dia ela disse que tinha uma carta em nome da Metal Blade Records. Eu logo pedi para que ela lesse a carta inteira. Bem, dizia que a gravadora havia se interessado pelo nosso trabalho, queria incluir uma música na coletânea Metal Massacre 6 e assinar conosco para um álbum. Preciso falar minha reação? (risos).

Como está a relação do Nasty Savage e a Metal Blade atualmente?
Ronnie: Hoje em dia trabalhamos com eles apenas na Europa, mas por lá está indo tudo bem e eles sabem trabalhar na promoção de uma banda. É bom sentir que eles sabem cuidar de seus negócios, porque investiram dinheiro e tenho certeza que querem retorno. Bem, até o momento não temos nada do que reclamar e está indo tudo muito bem.

Qual o álbum mais vendido da carreira da banda?
Ronnie: Acho que todos mantiveram a mesma média. Não tivemos aquele estouro, mas também nenhuma decepção.

Haverá uma turnê de promoção ao Psycho Psycho?
Ronnie: Bem, após a entrevista irei embarcar para o Brasil (risos). Brincadeira... Nós poderemos fazer uma turnê pela Europa, mas penso que se for para fazermos algo a este respeito, tem que ser uma coisa concreta e que vá dar bons frutos para a banda. Quando você fica mais velho, maduro, tem que pensar mais nos negócios porque você não é mais aquele jovem bobão, no bom sentido, mas que faz qualquer coisa e fica alegre. Tenho minha família, meus filhos, contas a pagar e minha empresa, onde produzo um programa de TV, chamado "Born To Ride", sobre motocicletas e tudo que envolve esta área. Aliás, quem tiver interesse em motociclismo, basta entrar no site www.borntoride.com.

O Nasty Savage estaria preparado para uma nova passagem pelo Brasil?
Ronnie: Sim, claro! Amamos o Brasil! O Psycho Psycho será lançado no Brasil, pela mesma gravadora que lançou um CD ao vivo nosso, Live In Clevland 1987 (N.R.: Marquee Records). Se tudo correr bem, poderemos fazer algumas datas por aí e rever nosso fãs brasileiros. A música Welcome Wagon (N.R.: faixa de abertura do álbum Penetration Point) já diz tudo no verso: "I'd like to go back to São Paulo / South America Down in Brazil / Then it was off To Rio De Janeiro / I was still thinking About São Paulo / The beautiful beaches Of Ipanema wasn't long / We saw the Tonga / Over the mountains Through the jungles On our way to Humberto's place / South America down in Brazil". Bem, preciso falar mais alguma coisa? (risos) Já falei sobre o Brasil nesta música, porque adoramos nossa estada por aí, as pessoas são muito amáveis e visitamos belos lugares. Além disso, os brasileiros sabem como fazer uma festa e se divertir, além de serem grandes fãs de Metal! Ah, e queremos muito comer nas churrascarias daí, que são absurdas de boas (risos). O cristo redentor no Rio também dá uma força e aquela vista nos pontos turísticos, as mulheres muito bonitas e gostosas. Adoraríamos voltar!

Sobre a performance da banda no palco, de quem veio a ideia de você quebrar uma TV e o baterista Curtis cuspir fogo após o solo, entre outras coisas 'psycho' que a banda faz nos shows?
Ronnie: Gostei das observações sobre coisas 'psycho' (risos). A ideia surgiu logo no início da banda, porque eu mesmo sofri influências nas loucuras dos shows da Wendy O. Williams (N.R.: falecida ex-vocalista do Plasmatics). Eu fui naquela linha e começamos com as nossas maluquices. Desde nosso primeiro show sempre tivemos esse lado cênico muito forte e que dá ainda mais força ao espetáculo. Lembro que uma vez quebrei duas TVs em Tampa e aquele foi um show sangrento. Também quase nos baniram em New Jersey, proibindo-me de quebrar a TV no palco no peito como eu fazia. Eu disse que aquilo era besteira e que eu faria de qualquer jeito (risos).

Falando em acidentes, vocês chegaram a ter problemas com incêndio ou fogo? Não estou falando de tragédias, como o ocorrido com o Great White, mas algo que aconteceu com Curtis cuspindo fogo após o solo de bateria...
Ronnie: Tivemos alguns probleminhas e eu até ajudei a apagar com toalhas molhadas, se é que aquilo ajudou mesmo (risos). Isto sempre acontecia em clubes de menor porte, mas já aconteceu de pegar foto no teto de alguns lugares, mas nada como a enorme tragédia que aconteceu com o Great White. Você tem que tomar o máximo de cuidado!

O Nasty Savage dividiu o palco com bandas como DxRxIx, Hallows Eve, Slayer, Exumer, Atomkraft, Korzus e outras. Quais foram os grandes momentos e os shows inesquecíveis?
Ronnie: Muitos nos Estados Unidos, mas claro que não vou deixar de citar os shows no Brasil, no Rio de Janeiro e São Paulo, que foram muito bons. Tocar na Polônia para quinze mil pessoas foi marcante também. Outro que marcou foi o "Bang Your Head" na Alemanha, em 1998, que nos trouxe de volta. Gosto de relembrar aquela cena da Flórida também, onde abrimos caminho de algum modo e não esqueço de que músicos de bandas como Morbid Angel, Obituary sempre estavam presentes em nossos shows, antes mesmo de formarem suas bandas. O falecido Chuck do Death costumava fazer baladas conosco também e aquela época era bem legal! Agora também os shows que estamos fazendo estão sendo muito legais e estamos nos aprimorando a cada apresentação, por isso a mais recente é sempre a mais legal. Acho que no futuro será ainda melhor, pois o set estará mais insano e doente! As pessoas me perguntam se não estou muito velho para fazer Heavy Metal, quebrar TVs no palco e cantar como um louco, mas eu lhes digo: "Vão se fuder! Se pensam que estou acabado que vejam a intensidade nossos shows". Não quero ficar sentado só falando coisas como "eu era", "eu costuma ser vocalista de uma banda", "um dia eu fiz isso", porque agora é o que conta!

Esse pessoal então nem conhece Ronnie James Dio, Alice Cooper, Ian Gillan...
Ronnie: Claro, são mestres que estão na ativa até hoje! Este é o ponto chave e você melhora com o passar do tempo. A maturidade ajuda o músico e também em nossa vida pessoal. Está certo que vários momentos do passado são inesquecíveis e todos nós temos nosso lado saudosista, mas olhar para frente tendo um objetivo é o que mais conta. Quando você toca em um festival de Metal, são trinta ou mais bandas como a sua e o que irá fazer com que você se destaque é a sua performance no palco. Se for um show matador, todos irão comentar, caso contrário, será apenas mais uma que tocou. Não damos espaço nem para uma pessoa sair para pegar sua cerveja, porque se for irá perder algo!

Sendo um grande exemplo do Metal dos anos 80, como você compararia a cena daquela época com a que temos atualmente?
Ronnie: Com a Internet, é incrível a velocidade de como as notícias se espalham. Tudo acontece como que num piscar de olhos. Só que, infelizmente, a cena americana para mim é uma merda. Acho que os americanos às vezes são muito modistas, caem em qualquer embalo. Um dia são Metal, Hard Rock e no outro gostam de Grunge e agora do Slipknot e Limp Biskit. Porra, o que é isto? Apóiem o verdadeiro Metal, aquilo que não é tendencioso, falso, fingido, modista! Os europeus e os sul-americanos são bem mais fiéis e verdadeiros. Se eles gostam de uma banda, não deixarão de gostar de um dia para o outro. A situação do Metal nos EUA não está tão boa assim, a não ser para nomes como Slayer, por exemplo.

Quais são os planos para o futuro?
Ronnie: Agendar shows e esperar que o álbum seja bem aceito e que venda, porque só assim poderemos voltar ao Brasil e tocar na Europa. Precisamos de um clipe, de um DVD, de estar novamente na mídia e se isso não acontecer, nosso nome não será ampliado aqui nos Estados Unidos. Quero muito que todos os nossos fãs escutem o Psycho Psycho e que nos ajudem e ter ainda mais sucesso que no passado! Quando uma pessoa gasta o seu dinheiro suado comprando algum material nosso, isso significa muito para nós, pois sabemos que não podemos desapontá-la! Gostamos de conversar com fãs, dar autógrafos e você deve ser real e não o "Senhor Rockstar". Temos muito trabalho a fazer, estamos sem empresário, mas vamos ver o que acontece.

Site: www.nastysavage.com

Arquivo Entrevista: TIMO TOLKKI

2009-09-01T13:13:00.000-03:00

O guitarrista finlandês Timo Tolkki, 36 anos de idade, faz parte de uma das mais importantes bandas da cena do Metal Melódico mundial, Stratovarius. Tendo a Música Barroca e o guitarrista Ritchie Blackmore (Deep Purple e Rainbow) como grandes influências, Timo iniciou sua carreira com a banda Road Block. Em 1985 entrou no Stratovarius no lugar de Staffan Stråhlman e, pouco tempo depois, passou a conciliar as funções de guitarrista e vocalista. Após lançar dois singles, saiu "Fright Night", em maio de 1989. Três anos depois, foi a vez de "Twilight Time", no qual Timo, além de gravar as guitarras e vocais, fez todas as linhas de baixo. A partir daí a banda não parou mais de crescer e figurou entre as mais saudadas no Japão e Europa. Na mesma época do lançamento do álbum "Dreamspace" (1994), Tolkki começou a gravar seu primeiro trabalho solo, "Classical Variations and Themes". Nesta fase, decidiu abandonar os vocais e recrutar Timo Kotipelto para o Stratovarius, que lançou "Fourth Dimension" (1995), vendendo o dobro de cópias em relação ao trabalho anterior. O grupo foi crescendo naturalmente e obteve status de banda top, lançando "Visions" (1997). Um ano depois saiu "Destiny", que entrou direto na 1ª posição dos charts na Finlândia, conquistou disco de ouro, o prêmio de melhor banda finlandesa de Metal, além de conquistas individuais dos músicos e várias outras honrarias. Tudo se repetiu com o trabalho seguinte, "Infinity" (2000). Na turnê de divulgação do álbum, a banda toca na Europa ao lado do Angra, reforçando a amizade que havia se iniciado em 1997, em Atenas (GRE). Em 2001, a banda optou por dar uma pausa nas atividades, mas lançou "Intermission". No entanto, este período de férias foi bastante produtivo para Tolkki, que soltou seu segundo trabalho solo, "Hymn To Life" que, segundo ele, foi um álbum feito com total liberdade e num clima bastante relaxado.

Em 1997 eu era roadie de bateria do Angra e nos conhecemos em Atenas (GRE). Naquela época, você já havia lançado seu primeiro álbum solo, "Classical Variations And Other Themes", no qual você buscava expor sua técnica e virtuosismo. Você concorda que "Hymn To Life" apresenta mais ‘feeling’ se comparado ao anterior?

Timo Tolkki: Bem, meu amigo advogado (risos)... Quando nos conhecemos eu estava fazendo uma ‘promo tour’ de divulgação do álbum "Visions" pela Europa e coincidentemente o Angra foi tocar na Grécia e eu estava lá, justamente hospedado no mesmo hotel. Foi legal aquele contato com o pessoal do Angra. Nós saímos, fomos jantar juntos e depois fomos beber umas cervejas num bonito bar perto do Paternon. Quanto ao álbum, eu concordo que tem mais ‘feeling’. Isto foi intencional, eu quis mesmo tirar umas férias do lado “guitar hero”. É óbvio que amo tocar guitarra, me apresentar para o público, mas com este álbum este lado não combinaria.

Sendo você o principal compositor do Stratovarius, foi difícil compor algo totalmente diferente como neste seu novo trabalho solo?

Timo: Neste caso não, foi realmente fácil. Este álbum foi quase como uma terapia para mim. Tiramos um período de descanso com o Stratovarius e eu queria fazer algo totalmente diferente. Foi a chance que eu estava esperando para botar em prática. O ano passado foi muito bom para mim, pude relaxar e recarregar as baterias para o que vem pela frente.

"Hymn To Life" é totalmente desprovido de imposições. Você realmente se libertou para fazer um som sem rótulo?

Timo: Sim! De fato eu me senti muito bem ao trabalhar desta maneira. Não é fácil ouvir este álbum e rotulá-lo. Não sofri nenhum tipo de pressão ou um estilo que fosse obrigado a seguir, fiz o que quis e com total liberdade. Isto não quer dizer que eu não tenho liberdade no Stratovarius, lógico que tenho. Não gosto de limitações e, na banda, aquele é o som que quero fazer. Para "Hymn To Life" os ideais foram basicamente pessoais, algo que acredito ser bastante comum para um trabalho solo.

Como surgiu a idéia de falar sobre a infância?

Timo: Faz tempo que venho querendo falar sobre isso. Venho fazendo psicoterapia há três anos e isto está sendo muito bom para mim, pois me abro mais como ser humano. Este álbum é como se fosse uma fase do processo da terapia. Quando eu era criança passei por maus momentos e esta terapia vem me ajudando muito. Se você não faz nada para ajudar a si mesmo essas coisas ruins vão continuar com você para o resto de sua vida. Parece que cresce dentro de você.

Mas por que você quis dividir experiências pessoais com seus fãs?

Timo: Existem várias razões para isto. Uma delas é que sou um artista e escrevo sobre o que sinto, as coisas que vejo e o ponto de vista pessoal a respeito do mundo que vivo. A segunda razão é que se por um acaso uma pessoa tiver sentimentos parecidos com os meus, o conteúdo do álbum irá tentar explicar o que isto significa.

E o grito na introdução do álbum, foi você que deu aquele berro?

Timo: Fui eu mesmo (risos). É apenas uma maneira diferente de começar um álbum. Talvez seja um alerta para que as pessoais saibam que o que irão ouvir não é o que estão esperando. Ainda mais se acha que o som será parecido com meu primeiro trabalho solo. Também é um pouco irônico e engraçado, pois a gravadora esperava algo mais comercial e achei que esta seria a maneira mais horrível de começar o álbum (risos).

Como se deu a participação de Michael Kiske na faixa de abertura, "Key To The Universe"?

Timo: Quem não gostaria de ter Michael Kiske no seu álbum? Na realidade eu compus esta música pensando como se a voz dele estivesse na minha mente, foi algo muito especial. A medida que ia compondo, já o imaginava cantando. Michael é um grande vocalista e faz tempo que queria trabalhar com ele. Tê-lo cantando numa composição de minha autoria foi como um sonho que se tornou realidade.

Como você compararia o estilo de Timo Kotipelto com o de Michael Kiske?

Timo: Timo tem algumas semelhanças com Michael, mas o tipo de voz é bem diferente, é mais um ‘feeling’ escandinavo. Como os registros das notas vocais são similares, não há como negar esta similaridade. Cada um tem sua individualidade e um vocalista tem que ter personalidade e sua identidade. Quando uma pessoa ouvir ela vai saber diferenciar que está cantando. Eles sabem quando é o Kiske, o Kotipelto ou o Bruce Dickinson. É uma questão de identidade.

E quanto a Sharon Den Adel? Quando você começou a gostar de bandas como Within Temptation?

Timo: Mas eu não a ouvi no Within Temptation e sim no álbum do Avantasia, do Tobias Sammet. Então, quando compus a música "Are You The One" queria ter uma voz feminina e aí logo pensei em Sharon. Entrei em contato com ela e gostei muito do resultado final, ficou muito bom. Ela tem uma bela voz.

Falando sobre esta música, qual a mensagem que você quer passar com "Are You The One"?

Timo: É uma música de amor, a busca pelo par perfeito. É algo que na verdade não existe (risos). Todo mundo queria estar ao lado do seu par perfeito, mas no ser humano não existe a perfeição. Acredito que exista uma mulher perfeita para cada homem e um homem perfeito para uma mulher. Bem, se o cara for homossexual, então para ele é um homem perfeito (risos). Não vou zoar não (risos). Não tenho nada contra.

Onde você buscou inspiração para criar a música "Fresh Blue Waters"? Parece até Tom Petty...

Timo: Nossa, cada um fala uma coisa diferente. Já me falaram sobre Pink Floyd, David Bowie, U2. O que vale é que é uma coisa bem diferente do que costumo fazer. Esta música fala sobre estar sobriedade. O que me veio em mente foi a imagem do oceano, do mar, como a bela praia de Recife. Aquela imagem da cor azul do mar não saía da minha cabeça. Bem, isto estava na minha mente, mas eu a compus quando estava na estrada. Eu a fiz num quarto de hotel na Noruega (risos).

Você pensa em fazer shows para promover seu álbum solo?

Timo: Não, eu justamente quis dar um tempo com o Stratovarius por causas das turnês. Isto tem sido estafante. Fizemos mais de cem shows em 2000, um horror. Estávamos muito cansados e preferimos dar uma parada. Afora poucas apresentações em festivais nós passamos o ano de 2001 descansando e estamos prontos para outra. Começaremos agora a preparar o novo material. Me sinto muito bem para seguir em frente, tenho músicas novas prontas e estão bem legais.

Falando em Stratovarius, quais são suas lembranças da última apresentação em São Paulo?

Timo: O que posso dizer? Uma casa fantástica como aquela! Um público tão caloroso a atuante! Foi um dos pontos altos de minha carreira e me senti honrado em ter tido esta oportunidade. O público e o povo brasileiro é muito amigável, vibrante e certamente voltaremos para fazer shows e manter contato com os amigos. Da próxima vez queremos passar mais tempo com vocês, pois desta última nós não tivemos tempo disponível.

Para finalizar a entrevista, gostaria de saber...

Timo: (interrompendo) Eu já sei, você vai querer saber os meus álbuns preferidos em todos os tempos (risos).

Não (risos). Queria saber o que você tem escutado atualmente?

Timo: Como eu já tinha respondido daquela vez pensei que você fosse perguntar de novo (risos). Bem, atualmente tenho escutado... Ah, o meu álbum solo (risos). Ouço muita coisa de Música Clássica, como Vivaldi e Bach, e também U2, John Lennon, Iron Maiden, Dio. Também tenho ouvido os discos antigos do Stratovarius para voltar a pegar aquele mesmo ‘feeling’. Como trabalhei exclusivamente para este trabalho solo não costumava ouvir outras bandas, principalmente quando estava em casa. Aliás, em casa eu fazia outras coisas, menos ouvir música.

Você chegou a ouvir o novo álbum do Angra, com a formação nova?

Timo: Sim, eu adorei. É um grande álbum, com boa produção, vocais grandiosos e eu até parei de tocar guitarra por algum tempo depois que ouvi os solos deste álbum (risos). Isto é verdade, eu achei os solos incríveis e as músicas muito boas, com novas idéias.

Você ouviu o álbum do Virgo?

Timo: Ainda não, mas ouvi muitos comentários positivos a respeito do Virgo, este projeto com o Sascha Paeth. Me falaram que é de altíssima qualidade e bem diferente do que estamos acostumados a ouvir dele. Acho Andre Matos um cara bastante talentoso e ele certamente também nos mostrará material de qualidade com sua nova banda, Shaman.

Os fãs brasileiros estão ansiosos pela sua volta ao Brasil.

Timo: Muito obrigado, vocês são especiais para mim. Espero rever a todos em 2003, pois antes disso não posso prometer nada. Vamos tomar umas caipirinhas de novo (risos)?

Mas você não vai exagerar e tomar dez numa noite só como fez aquela vez em São Paulo no Manifesto Bar...

Timo: Não! Aquela foi a lição que eu aprendi mais rápido em toda minha vida (risos). Passei o dia seguinte inteiro tomando água e coca-cola (risos).

Entrevista publicada na edição #38 da revista ROADIE CREW (março de 2002)

www.roadiecrew.com

Arquivo Entrevista: TOM ANGELRIPPER (Sodom)

2009-08-01T13:13:00.000-03:00

No início dos anos 80 o trio alemão Sodom iniciou sua carreira fazendo um som simples, direto, agressivo e com uma temática que o colocava como um dos pioneiros do Black Metal, como comprovam os álbuns In The Sign Of Evil (EP, de 1985) e Obssessed By Cruelty (1986). Após várias mudanças no line-up, o líder Thomas Such “Tom Angelripper” (vocal e baixo) decidiu mudar o tópico das letras. Esta mudança, aliada a uma natural evolução técnica, transformou a banda como uma das grandes realidades do Thrash Metal germânico. Os constantes problemas com as trocas de integrantes não foram capazes de obscurecer o sucesso dos álbuns Persecution Mania (1987) e Agent Orange (1989). O single Ausgebombt fez com que o trio fosse o primeiro nome do estilo Thrash a entrar nos charts da Alemanha. Em 1990 saiu Better Off Dead, evidenciando a veia Punk/Hardcore que tanto o líder aprecia. O agressivo e rápido Trapping The Vein (1992) marcou a saída do baterista Christian Dudeck “Witchhunter”, que estava desde o início e foi substituído por Guido Richter “Atomic Steif” (ex-Living Death). Steif permaneceu dois anos no posto, tendo gravado o ao vivo Marooned Live (1994). Já em Masquerade In Blood (1995), o line-up foi novamente mudado, com a saída do guitarrista Andy Brings e a entrada de Dirk Strahlmeister “Strahli”. Em 1996, saiu a coletânea Ten Black Years. Nesta época, Tom já colocava em prática o seu projeto Unkel Tom. O novo trabalho inédito veio somente em 1997, Til Death Do Us Unite, seguido de Code Red (1999). No entanto, Tom acredita que o novo álbum, M-16 (2001), marca uma nova fase para o Sodom, com um line-up sólido e unido. O líder espera que o trabalho ao lado de Bobby Schottkowski (bateria) e Bernemann (guitarra) seja prolongado por muitos anos.

É sabido que você gosta muito sobre o tema Guerra, mas qual foi o motivo de escrever sobre a Guerra do Vietnã?

Tom Angelripper: Não é somente sobre o Vietnã, apenas usamos alguns fragmentos, pois todo mundo já ouviu falar muito sobre este tema, existem muitos filmes que retratam esta passagem, como o “Apocalypse Now”, “Full Metal Jacket”. Em nossas letras nós fazemos questão de esclarecer os males de uma Guerra, o quão ruim ela pode ser e seus efeitos. Nós somos alemães e poderíamos escrever muita coisa a respeito da Segunda Guerra Mundial e se você analisar as letras encontrará sempre uma mensagem subliminar: “parem a Guerra”. Esta é minha opinião, pois isto não leva a nada e você vê o que está acontecendo atualmente com o problema na América, que está gerando conseqüências ruins para todo o mundo.

Musicalmente M-16 capta o som do Thrash Metal tradicional, mas vocês ainda mantêm aquela pegada de Punk e Hardcore.

Tom: Sim, como você disse, M-16 é o típico Thrash Metal à moda do Sodom. Algumas pessoas estão comparando-o ao Agent Orange e ao Persecution Mania. Os álbuns que contém mais elementos do Punk e do Hardcore são o Masquerade In Blood, Get What You Deserve e Tapping The Vein. Eu gosto muito da música Punk, mas em M-16 quisemos mesmo fazer um Thrash clássico e muitas músicas poderão vir a se tornar clássicos do Sodom, pois quando estávamos criando-as pensamos em fazer coisas mais cativantes, bons refrãos e termos uma maior preocupação com o instrumental. Quando você ouve as músicas do álbum mais de duas vezes eles ficam em sua cabeça e será difícil esquecê-las para sempre. Esta foi nossa maior intenção e acredito que conseguimos!

Como foi a produção do M-16, que ficou novamente nas mãos de Harris Johns? Ele que trabalhou com o Sodom no Persecution Mania, Better Off Dead, Tapping The Vein e Till Death Does Us Unite!

Tom: Harris Johns é um grande amigo e nossa relação tanto pessoal como profissional é muito boa. Considero-o como um quarto integrante da banda. Ele sabe exatamente como devemos soar e sempre me dá garantias de que não irá deixar nosso som falso, mascarado, com uma produção saturada. O som que está no CD é mesmo o Sodom! Desta última vez quando estávamos em estúdio parece que alguém ligou a máquina do tempo, pois nós realmente voltamos aos anos 80. Resumindo, Harris Johns é a pessoa certa para produzir o Sodom!

O Sodom tem o costume de gravar covers, como Motörhead, Tank, Accept e agora a Surfin’ Bird, que ficou mundialmente famosa com o Ramones. Vocês pretendem lançar um álbum contendo só covers no futuro?

Tom: Não, este negócio de lançar álbum de covers é só para fazer dinheiro. Quando gravamos estes covers nossa única intenção é prestar uma homenagem às bandas que consideramos e também por diversão.

Assistimos ao show do Sodom no “Wacken” este ano e uma das coisas que mais chamaram a atenção foi o cenário do palco, com uma bela iluminação e um efeito bem legal com o pano de fundo que contém o logotipo.

Tom: Foi bom, mas você sabe, todo ano nós tocamos no “Wacken” (risos). Desta vez nós gravamos o show para um futuro lançamento em DVD, que sairá em 2002, mas tivemos muitos problemas técnicos com os efeitos pirotécnicos, algumas luzes que não tiveram o efeito desejado e também a qualidade do som. Mas, isto é assim mesmo, pois se você prepara uma grande produção específica para um festival corre esse risco. Mas o que podemos fazer? Nós subimos e fizemos nossa parte! Não dá para controlar tudo, estávamos lá primeiramente para tocar nossa música. O “Wacken” é um grande e importante evento, sempre nos traz algo de bom, uma experiência nova. Este ano nós tocamos depois do Motörhead! Foi bem legal tocar para 30 mil fãs do Sodom, àquela altura todos bêbados e agitando conosco. Não entendi direito, vocês foram do Brasil somente para o “Wacken”?!

Sim, nós fomos fazer a cobertura do evento.

Tom: Nossa, isto é muito legal, eu não sabia disso! No ano que vem eu estarei lá novamente, mas não com o Sodom, mas com meu projeto paralelo, o Unkel Tom.

Falando sobre shows, quais são as suas expectativas sobre a turnê “Sodom, Kreator e Destruction”?

Tom: Estou esperando muita coisa boa, será algo inesquecível para os fãs. Pessoalmente acredito que será algo para entrar na história, pois está turnê em conjunto é um fato inédito na carreira destas três bandas, que são consideradas as maiores do Thrash Metal alemão. Tudo foi feito em benefício dos fãs, até mesmo ingressos com baixo custo. Na Alemanha o revival do Thrash está sendo muito comentado e esta turnê irá colocar ainda mais fogo, já que houve a volta do Destruction, o Kreator fez um álbum de Thrash Metal e nós também gravamos um álbum mais com essa pegada. Não me importo com o que possam falar, pois o Sodom sempre manteve seu tipo de som, nunca mudamos e os fãs nunca ficaram desapontados. Muitas datas já estão ‘sold-out’ e estamos planejando algo maior! Quem sabe na América do Sul? Também temos planos para tocar na Ásia. Na verdade, esta é uma grande oportunidade dos promotores pegarem este pacote e aí poderemos fazer uma grande turnê mundial!

Não só pelo fato histórico, mas também porque as três bandas lançaram excelentes álbuns!

Tom: Não sou um grande fã do Destruction e do Kreator, mas os álbuns que eles lançaram são excelentes! É uma grande chance para todos nós, especialmente para os fãs.

Quando você formou o Sodom quais bandas serviram de inspiração? Sei que na época você gostava muito das bandas da New Wave Of British Heavy Metal...

Tom: Eu sempre fui um fanático por Motörhead, gosto muito do Venom, Slayer, Exciter e as bandas da New Wave Of British Heavy Metal, como o Raven, Jaguar, Witchfinder General e muitas outras. Mesmo assim, quando começamos a banda fizemos um som completamente sem pensar em nada, sem puxar nenhuma influência, queríamos apenas fazer apenas a nossa música. O Sodom do início era completamente diferente do Venom ou do Motörhead. Fizemos um tipo diferente de Black Metal no começo.

E os fãs de Black Metal respeitam muito o Sodom. Você credita isso ao som ou a temática das letras que usavam no início de carreira?

Tom: Sei que muitas bandas de Black Metal da atualidade pegam inspiração do material antigo do Sodom. Queiram ou não temos 20 anos de carreira e somos uma banda que faz parte da história e estas bandas novas sempre se interessam pelos primórdios do estilo que estão tocando. Não podemos comparar o estilo musical daquela época com as bandas de Black Metal da atualidade, pois elas estão se tornando bem comerciais nas Alemanha e na Europa de um modo geral. É outro tipo de música! Compare o som do Bathory, Venom e Celtic Frost, era bem mais próximo ao Rock and Roll e nós nunca usamos teclados, apenas fazíamos tudo de uma forma bem visceral. Era um Black Metal que tinha algo do Rock'n'Roll e do Hardcore. Bandas como Cradle Of Filth e Dimmu Borgir são bem famosas na Alemanha, são grandes comercialmente falando. Não dá mesmo para querer comparar com o nosso início de carreira. Me sinto muito orgulhoso de que tanto as bandas quanto os fãs de Black Metal se interessarem por nosso som no começo de carreira. Isto é genial!

Mas você acredita que isto acontece por causa das letras ou pelo som?

Tom: Ambas as coisas. As letras no início tinham ligação com minha paixão por Aleister Crowley, os grandes magos e os temas satânicos. Mas se você se aprofunda nestas coisas de Crowley fica louco. Na verdade isto não me trouxe nada e por isso mudei a temática a partir do Persecution Mania. Mais uma vez eu digo que aqueles eram outros tempos, não há como comparar o início dos anos 80 com o momento atual.

Já que falamos sobre o começo da carreira, é verdade quie o nome da banda veio por causa de uma frase que sua mãe dizia: “Jesus, este quarto está parecendo Sodoma e Gomorra!”

Tom: Sim é verdade! Toda vez que ela entrava no meu quarto dizia esta frase (risos). Mas ela também me explicou toda a história do que seria Sodoma e Gomorra, que foi uma cidade destruída por Deus devido aos pecados cometidos por seus habitantes.

E o que ela achou disso depois que a banda ficou mundialmente conhecida?

Tom: Sentiu-se muito orgulhosa, pois todo mundo conhece a banda Sodom. Ainda somos uma banda underground, mas nesta área somos uma das mais famosas do mundo!

No Brasil nós costumávamos trocar tapes K-7 e os Demo-Tapes do Sodom, Witching Metal e Victims Of Death, eram bastante procurados pelos fãs! Isto também aconteceu na Europa?

Tom: No começo foi algo muito engraçado, porque todo mundo sabia que o som estava mal gravado e as músicas eram bem primárias, mas de alguma forma muitos começaram a colecionar nosso material. Inclusive faz pouco tempo que recebi um e-mail de uma pessoa oferecendo três mil dólares pela Demo-Tape Wicthing Metal original. Isto eu não vendo e nem quero ganhar dinheiro em cima disso! Sei que na América muitos comentam sobre este material. Naquela época diziam que nossa banda era ainda mais pesada e rápida que o Venom e o Hellhammer e isto atraiu a atenção de muita gente. Aliás, esta foi a grande razão por termos conseguido nosso contrato para gravar o primeiro álbum.

O EP In The Sign Of Evil mesmo tendo uma produção ruim foi bem aceito pelos fãs...

Tom: Foi engraçado porque antes de fechar o contrato o chefe da gravadora SPV (N.R.: Manfred Schotz) disse que o Sodom era a pior banda que ele já tinha visto na vida! E por isso assinamos com eles! Quando fizemos o In The Sign Of Evil, tínhamos muito mais que cinco músicas, mas não tivemos a chance de gravar um álbum completo. Mesmo assim, conseguimos expandir nosso nome para o mundo inteiro e até hoje esse EP é muito comentado e faz sucesso. Tenho a impressão de que o In The Sign Of Evil é um dos álbuns do Sodom com a vendagem de toda discografia! A produção ficou bem brutal, o som das guitarras e da bateria ficou bem pesado, mas tivemos muitos problemas, pois éramos péssimos músicos e tínhamos pouco tempo disponível para gravar. Isto é engraçado, pois este EP foi bem aceito pelos fãs no mundo todo. Já as críticas na época foram péssimas. A Rock Hard, a Metal Hammer e as revistas americanas disseram que nós éramos a pior banda do mundo (risos)!

Para ser bem honesto, eu prefiro o som do In The Sign Of Evil ao Obssessed By Cruelty.

Tom: Sim, a produção do Obssessed By Cruelty é pior mesmo! Nós o gravamos duas vezes e nenhuma ficou boa. A primeira ocorreu em Berlim. Depois desta sessão, enviamos as fitas master para a gravadora analisar. Eles recusaram e pediram para que gravássemos tudo de novo. Daí, fomos para um estúdio completamente diferente, em Nornberg, mas o som também ficou ruim. É por isso que o álbum tem duas versões diferentes. Uma saiu especialmente para a América, que foi a gravação do estúdio de Berlim, e a outra para a Europa, das sessões gravadas em Nornberg. Mesmo assim, o Obssessed By Cruelty sempre teve uma grande procura. Até hoje este álbum é bem vendido e tem muita procura, seja por fãs daquela época que não tem o CD ou pela nova geração, que ouviu falar e quer conhecê-lo.

A partir do Persecution Mania que o Sodom começou a se tornar uma grande lenda do Thrash Metal alemão. Você concorda que um dos maiores fatores foi da entrada de Frank “Blackfire” Godsdzik no lugar de Uwe Christophers?

Tom: Você está certo, foi a primeira vez que tivemos um grande guitarrista na banda. Frank era um grande guitarrista naquela época e fizemos músicas bem pesadas e com uma grande pegada! Nós evoluímos e muitos reconheceram isso, tanto que disseram que este sim era nosso primeiro álbum com qualidade. O Persecution Mania é o típico Thrash Metal e devo dizer que as letras também tiveram outro foco, daí esta mudança foi mesmo completa. Nós acertamos em ter mudado, pois desde então mantemos o mesmo estilo.

No álbum seguinte, Agent Orange, houve uma evolução musical ainda maior!

Tom: Foi mesmo, nós fomos melhorando gradativamente a cada álbum. Não sou um grande fã do Agent Orange e muitos podem até estranhar, mas a gravadora havia nos dito que deveríamos tentar repetir a grande receptividade que tivemos com o Persecution Mania. Por isso mantivemos exatamente a mesma linha, mas o material que tínhamos em mãos era para o Better Off Dead. Por incrível que pareça o Agent Orange nasceu assim (risos). E deu certo, porque é a nossa maior vendagem até hoje! Eu tinha dito que um dos mais bem vendidos foi o In The Sign Of Evil, mas o Agent Orange é um álbum completo e por isso está na frente. Não acho-o o melhor álbum. Gosto muito mais do Code Red, Tapping The Vein e o Get What You Deserve.

Se as coisas estavam indo bem, por que Frank saiu da banda para se juntar ao Kreator?

Tom: Ele teve a chance de fazer uma turnê na América com o Kreator e preferiu nos deixar. Ele nos disse: “Sou muito amigo do Mille, vivemos na mesma cidade e estou com a chance de realizar o sonho de ir fazer shows na América”. Na verdade não gostei de sua atitude, porque ele nos deixou duas ou três semanas antes de iniciarmos a turnê do Agent Orange, que também seria grande. Nós tivemos que arrumar um substituto às pressas e isto pegou muito mal. Eu disse à Frank: “Deixe disso. Você pode muito bem fazer esta turnê e depois sair da banda”. Ele recusou porque o Kreator estava prestes a embarcar para a América. Foi uma questão de prioridade e a dele era ir para a América.

Como vocês chegaram a Uwe Baltrusch, que era do Mekong Delta? Foi uma boa escolha para substituir Frank?

Tom: Eu já o conhecia e tinha seu contato, além disso era um guitarrista muito técnico. Logo que Frank decidiu nos deixar eu perguntei se ele poderia nos ajudar e em pouco tempo ele decorou todo o repertório. Mesmo ele não sendo o músico ideal para a nossa banda, o que ele fez foi inacreditável! Eu não queria cancelar esta turnê de jeito nenhum, porque seria junto com o Sepultura.

O estilo do Mekong Delta era bem diferente e muito mais complicado.

Tom: Por esta razão ele tirou nossas músicas tão rápido. Para ele era fácil e ele conseguiu decorar tudo em menos de uma semana. Quando fomos ensaiar com ele, já aprovamos de cara e confirmamos a turnê. Mesmo assim muitos fãs ficaram desapontados quando não viram Frank no palco. Eles não sabiam que ele tinha saído da banda. Em muitas ocasiões, logo na primeira música muitos já ficavam olhando com cara de espanto, como se perguntassem: “Cadê o Frank?!”. Eu tinha que explicar para o público que nós preferimos substituí-lo e fazer a turnê por respeito aos nossos fãs.

Falando ainda sobre esta turnê, além destes problemas com a saída de Frank, vocês se desentenderam com o Sepultura?

Tom: Foi uma turnê de muito sucesso para o Sodom e para o Sepultura. Eu ouvi muitos rumores de que nosso relacionamento tinha sido péssimo, mas isso é um grande mal entendido. Para eles foi uma grande chance de tocar na Europa e nos demos bem. Todos os shows foram ‘sold out’!

Seguindo no tempo, você disse que gosta muito dos álbuns Code Red, Tapping The Vein e Get What You Deserve, mas e quanto ao Better Off Dead?

Tom: No Better Off Dead estávamos com um grande guitarrista, o Michael Hoffmann, que também é muito técnico. Ele era o guitarrista mais rápido que já tinha visto. Quando o ouvi tocando no Assassin já achei aquilo demais! Mesmo assim, ele não era o típico guitarrista para o Sodom. Algumas músicas do Better Off Dead são minhas favoritas em todos os tempos e, sem dúvida, o álbum também é um dos que eu mais gosto. Mas também fiquei muito triste quando Hoffmann saiu. Ele foi para o Brasil e disse que queria começar vida nova. Nós concordamos, pois a vida é dele!

Após mais uma baixa no line-up, como vocês encontraram Andreas Brings?

Tom: Fizemos alguns contatos com pessoas de revistas, dizendo que estávamos precisando de um guitarrista e então Andreas entrou em contato com Witchhunter. Começamos a ensaiar e eu gostei muito do estilo dele, pois ele sabia bem mesclar o som pesado, tocando de uma maneira agressiva, com toda a energia do Punk, já que ele sempre foi um grande fã do Ramones. E ele também gostava muito de Kiss. O problema com ele foi que estava usando a banda em seu próprio benefício. Eu dizia que ele deveria nos ajudar, sermos um grupo unido e ele queria ser conhecido como um rockstar, fazia tudo de forma individualista, até mesmo no palco! Ele faz parte da história do Sodom, gravou grandes álbuns conosco, o Tapping The Vein, Get What You Deserve e o ao vivo Marooned, mas, infelizmente, tive que pedir para ele nos deixar. Não havia mais clima e união para trabalharmos em conjunto.

Já que estamos falando bastante sobre problemas, o que houve com o baterista Christian Dudeck, o “Witchhunter”? Por que ele deixou a banda?

Tom: Na verdade o maior problema é que ele havia se transformado num alcoólatra, estava sempre muito bêbado. Teve problemas com sua namorada, cancelou ensaios, shows e estava sempre muito irritado. Ele nunca aceitou que Tom Angelripper fosse o líder da banda, ou algo assim, mas nós trabalhamos assim por 13 anos. Mas ele criou os problemas e eu tive que olhar para frente em benefício da banda. Tínhamos que continuar compondo, ensaiando, gravando, fazendo turnês e evoluindo. Para se fazer isso você tem que ser muito amigo de seu parceiro de banda. Se você está sempre bêbado não consegue prosseguir com seriedade, não trabalha direito. A gravadora e o empresário também perceberam o que estava acontecendo e disseram que daquele jeito não daria mais. Então, ele teve que sair.

Daí veio Guido Richter “Atomic Steif”, que era do Living Death.

Tom: Eu já conhecia há mais de 15 anos, tanto por causa do Living Death, como pelas baladas nos fins de semana. Sempre o considerei um dos bateristas mais rápidos da Alemanha. Além de ter uma boa técnica ele tocava muito rápido! Quando Witchhunter saiu eu disse a ele: “Por que você não se junta a nós? Você não tem mais o Living Death, não está com outra banda e não tem problemas contratuais...”. Eu fiquei muito satisfeito e ainda o considero um dos melhores bateristas da Alemanha! Infelizmente tive problemas com ele também, porque ele sempre quis ganhar muito dinheiro com a música e nem sempre isso é possível. Ele também não me aceitava como líder e queria ganhar sempre a mesma quantia que eu ganhava. Eu disse que isso não era possível. Aliás eu disse: “Tenho essa banda há 15 anos e você faz parte dela há 2 anos, o que você quer?”. Ainda bem que atualmente não este tipo de problema está sanado.

Mas na fase do Masquerade In Blood você ainda enfrentou mais problemas.

Tom: Sim, é verdade. Foi nosso último trabalho pela SPV até então e o guitarrista Strahli foi preso logo após as gravações. Ele sempre teve envolvimento com drogas e esta foi a causa de sua prisão. O pior é que foi condenado por vários anos, já que aqui na Alemanha não é brincadeira. O que mais eu podia fazer? Atomic Steif tinha saído, Strahli estava preso e então comecei o meu projeto Unkel Tom. Dois anos depois, percebi que deveria remontar o Sodom e aqui estamos. O line-up atual está unido, sólido e é bem forte! O M-16 está indo bem, e acho terei chances de negócios ainda melhores para este novo ano. Gostaria de dizer que mesmo tendo passado por vários problemas, eu sempre quis manter um line-up estável e agora nós somos grandes amigos, gostamos basicamente do mesmo tipo de som e ninguém aqui se preocupa em aparecer mais do que o outro. Somos uma banda!

Mesmo assim você tem intenção de lançar mais um álbum com seu projeto solo Unkel Tom?

Tom: Sim, sairá ainda este ano. Os outros álbuns foram bem, principalmente na Alemanha, porque eu vinculo o som com a cultura da bebida e como você sabe, aqui todos gostam de beber cerveja!

É como o Tankard!

Tom: Isso mesmo, mas no nosso caso é muito mais por diversão. É legal tocar sem nenhuma preocupação e se você puder ver um show do Unkel Tom saberá o que estou tentando dizer. Qualquer um pode subir no palco para cantar e beber junto comigo. É uma bagunça total, mas a música é direcionada para este tipo de fã.

Fora da música seu hobby é igual ao do Ted Nugent, pois vocês se tornam verdadeiros caçadores quando não estão envolvidos com a banda. O que você sente quando está caçando?

Tom: Para mim é como uma terapia. Eu aprecio muito a natureza, mas não caço profissionalmente. Eu acredito que todo homem no fundo é um caçador. Nunca ganhei dinheiro para fazer isso, muito pelo contrário, para caçar em locais autorizados você despende uma boa quantia. Na Alemanha não temos tantas florestas, mas eu relaxo bastante e limpo minha mente. É uma coisa bem pessoal e se você não amar a natureza não conseguirá se enfiar numa selva ou numa floresta para caçar.

Falando agora sobre o Brasil, quais as melhores recordações que você guarda do público brasileiro e dos shows?

Tom: Foi incrível, as pessoas estavam sedentas para ver o Sodom. Não dá para querer comparar com o cenário alemão, porque aqui você pode ver qualquer tipo de banda todo ano. Quando tocamos no Brasil, Paraguai, as pessoas têm sentimentos bem diferentes, elas estão lá porque passaram anos esperando para ver a banda. Esta atmosfera é muito legal. Nós tocamos no final de 2001 em Bangkok (THA) e foi a mesma coisa. Nenhuma banda de Thrash Metal tinha tocado lá! Depois da turnê européia, nós tentaremos ao máximo encontrar as pessoas certas que possam nos levar de novo para o Brasil e toda a América do Sul. Certamente vocês verão o M-16 ao vivo e nós faremos uma grande festa!

Entrevista publicada na edição #37 da revista ROADIE CREW (fevereiro de 2002)

www.roadiecrew.com

Arquivo Entrevista: NEIL HUTTON (Benediction)

2009-07-01T07:07:00.000-03:00

Em seus onze anos de carreira, a banda inglesa Benediction, formada atualmente por Dave Hunt (vocal), Darren Brookes e Peter Rew (guitarras), Frank Healy (baixo) e Neil Hutton (bateria), sempre figurou no alto escalão do Death Metal mundial. A estréia foi com Subcouscious Terror (1990), que contou com o vocalista Barney Greenway (Napalm Death), rapidamente substituído por Dave Ingram. Depois, bastaram The Grand Leveller (1991) e Transcend The Rubicon (1993), para que o fiel público do Death transformasse o Benediction numa referência do estilo. Após uma pequena mudança na sonoridade em The Dreams You Dread (1995), a banda voltou a atacar o som mais violento em Grind Bastard (1998). No mais recente lançamento, Organized Chaos (2001), o poder sonoro característico da banda promete levá-la novamente ao topo. Mas, para Neil Hutton, isto só será possível se a gravadora Nuclear Blast voltar a investir na promoção e divulgação do álbum.

Acredito que Organized Chaos apresenta os mesmos elementos usados no Grind Bastard (1998), em especial a mistura do velho estilo da banda com o Hardcore ‘old school’. Vocês encontraram a melhor maneira de compor?

Neil Hutton: Esta é uma boa análise sobre como fazemos nossas músicas e tudo que é dito a nosso respeito deve ser levado em consideração. Mas, para lhe falar a verdade, a melhor maneira de compor é se juntar e fazer a música e se ela saiu deste jeito é porque sabemos fazer música desta maneira, é o nosso estilo. Concordo que há muito mais variedade em nossas composições atualmente, existem diferentes elementos musicais dentro do nosso universo Metal. Vejo isto com bons olhos, caso contrário iríamos sempre atingir as mesmas pessoas que já nos conheciam. Não fazemos isso de forma proposital.

Esta variedade vem por exemplo em Suicide Rebellion e Stigmata, que são mais técnicas e o lado Hardcore aparece em Suffering Feeds Me.

Neil: É isso mesmo que estava lhe explicando. Com relação a Suffering, nossos dois guitarristas gostam muito do estilo Punk e daí surge naturalmente esta maneira de compor. É uma coisa bem natural, é a vibração que eles têm no momento que estão fazendo a música. É uma faixa bem simples, mas tem impacto.

Este período de três anos entre os lançamentos está se tornando uma marca da banda ou é somente uma coincidência?

Neil: (risos) É somente uma coincidência. Aliás, nunca tinha parado para pensar nisso. Quando fizemos o Grind Bastard nós realmente ficamos contentes com o resultado final e sabíamos que o trabalho seguinte deveria ter, no mínimo, o mesmo impacto e por isso deveria ser feito sem pressa. No final das contas agora estamos contentes com ambos os lançamentos, pois Organized Chaos é tão bom ou melhor que o Grind Bastard.

A entrada do vocalista Dave Hunt no lugar de Dave Ingram tem algo a ver com esse período de três anos entre os lançamentos?

Neil: Dave Hunt foi uma das melhores coisas que aconteceram para o Benediction nos últimos tempos. Ele entrou na banda seis meses depois do lançamento do Grind Bastard. O último show com David Ingram foi no “Wacken” de 1998. Por volta de outubro do mesmo ano fomos para estrada e fizemos uma excelente turnê ao lado do Death. Aquela foi sua primeira turnê e o Organized Chaos é seu primeiro álbum e para mim ele superou David Ingram em dez vezes. Dave Hunt era meu amigo e eu já tinha o visto atuar em alguns pubs com sua banda de Black Metal. Por isso não houve problema em encontrar um substituto para Dave Ingram e todos ficaram muito satisfeitos.

Falando sobre sua performance no novo álbum, você criou partes simples, especialmente os andamentos mais rápidos, lembrando a velha escola do Hardcore. Você acredita que está conseguindo provar que é possível tocar de uma forma simples, mas obtendo um resultado final de alto nível?

Neil: Concordo com você, o que interessa é o resultado final. A bateria em muitas partes é mesmo simples, mas tentei ao máximo mesclar coisas interessantes e legais de ouvir sem me preocupar em estar sendo considerado um baterista técnico. Gosto de me inspirar nos grandes bateristas que cresci ouvindo e nós também temos feito turnês com grandes bandas e da mesma forma que capto algo dos bateristas eles pegam algo que faço de forma instintiva. Muitos também usam sua técnica apurada em certas partes e não ficam fazendo viradas mirabolantes e quebrando o ritmo o tempo todo. Gosto de tocar de uma forma mais agressiva, violenta e quando é possível encaixar uma parte mais técnica eu faço. O mais legal é o ouvinte sentir aquela parte difícil e comentar depois e não ficar babando sem saber o que o baterista está fazendo. Isto é chato.

O Benediction vem usando a tecnologia em benefício próprio, pois apesar de contarem com uma produção que melhora a cada álbum, a banda não se preocupa em utilizar elementos eletrônicos?

Neil: Acho que com o passar do tempo vamos descobrindo como deixar nosso som legal, manter nossas características intactas, mas apresentar ao fã uma grande qualidade sonora. O Death Metal dever ser produzido de uma forma transparente, deve ser barulhento e limpo. As bandas que não se preocupam com uma boa produção não saem do lugar. Algumas até fazem excelentes álbuns, mas como a produção está uma merda ninguém gosta. Com um CD bem produzido é óbvio que mais pessoas prestarão atenção ao som da banda. Uma produção pode colocar você no céu ou no inferno!

Ainda sobre isso, como foi trabalhar com Andy Sneap nos álbuns Grind Bastard e Organized Chaos?

Neil: Ele é uma grande pessoa, um amigo bem próximo de nosso baixista Frank. Andy é bem conhecido no meio e fez excelentes trabalhos com outras bandas, como o segundo álbum do Machine Head e o Stuck Mojo. Toda vez que for possível trabalhar com ele nós o faremos.

No começo dos anos 90 bandas americanas como Death, Massacre e Master criaram um estilo bem típico. Mesmo sendo uma banda inglesa, o Benediction incorporou estes elementos do Death Metal americano?

Neil: Pode ser que sim, mas não exatamente com relação a todas estas bandas que você citou, pois surgimos na mesma época. Tanto o Benediction como estas bandas do início do Death Metal sempre levarão alguma vantagem, pois criaram algo, surgiram primeiro e são originais. O Benediction é reconhecido por seu estilo próprio e acho que o Massacre também.

Por outro lado a Inglaterra revelou Carcass, Napalm Death, Bolt Thrower, Paradise Lost e, claro, o Benediction. Qual sua opinião sobre a cena no começo de sua carreira com o que temos atualmente?

Neil: No início o Death Metal cresceu muito rápido e se tornou muito popular entre os fãs de Metal. Não vou dizer que em todo continente, mas na cena underground da Inglaterra o Benediction era muito popular. Quando saíamos em turnê pela Escandinávia e na maior parte da Europa era uma loucura porque todos nos conheciam e compareciam em peso aos shows.

Muitas bandas que foram formadas na mesma época do Benediction mudaram um pouco a sonoridade ou até mesmo abandonaram o estilo. Você não acredita que para manter seus fãs é preciso continuar sendo fiel?

Neil: É difícil falar sobre isso. A coisa mais certa é fazer música com honestidade e mostrar isto para os seus fãs. Mesmo que você mude deliberadamente seu estilo e existem bandas que fazem ou fizeram isso, o que mais importa é que tenham algo a dizer, que não visualizem somente o dinheiro que irão ganhar, pois este ganho pode custar bem caro. Sei que muitas destas mudanças são por causa do dinheiro. Eles começam a fazer um som mais acessível para tocar nas rádios e, por conseqüência, tentar ganhar mais dinheiro. Não sei se eu aceitaria isso, pois acho estranho quando fazem isso. Nunca me vi tocando numa banda Pop!

Desde o Subcouscious Terror a banda vem trabalhando com a Nuclear Blast. Como está o trabalho da gravadora para a banda, copnsiderando que Inglaterra existem gravadoras como a Earache e a Peaceville?

Neil: Não tenho escutado muitos comentários bons a respeito da Earache e de nenhuma outra gravadora inglesa. Mesmo assim, o trabalho nosso com a Nuclear Blast está uma merda! Eles não estão mais a fim de nos promover. Basicamente é uma merda e isso é tudo que posso dizer. Não estão promovendo nosso último álbum como poderiam fazer. Uma promoção de duas semanas para um álbum ficar conhecido mundialmente é muito pouco. Saímos na Metal Hammer, na Terrorizer, fazemos uma turnê, voltamos para casa e nada mais acontece.

Então vocês já estão planejando uma troca de gravadora?

Neil: É bem possível que sim, mas ainda é muito cedo afirmar qual será esta nova gravadora. Acho que ainda faremos mais um álbum e aí sim poderemos mudar, pois não quebraremos o contrato.

Você concorda que a sonoridade do álbum The Dreams You Dread é um pouco diferente dos lançamentos mais recentes?

Neil: É verdade, foi um trabalho onde fizemos algumas experimentações, mas as pessoas não estavam tão preparadas para aquilo que tínhamos em mente na época. Depois gravamos o Grind Bastard e atendemos a expectativa de todos os nossos fãs. Mesmo assim, se fossemos experimentar novamente, faríamos algo na mesma linha do The Dreams You Dread.

Vocês costumam sempre gravar covers, como por exemplo Forged In Fire (Anvil), Electric Eye (Judas Priest) e Destroyer (Twisted Sister). Existe algum plano para um álbum só de covers?

Neil: Temos falado muito sobre isso atualmente, mas não estou certo de que lançaremos. Pessoalmente acho que seria uma coisa legal. Gostaria de tocar alguma do Obituary, do Cause Of Death.

Mesmo com esses problemas com a gravadora, existe alguma possibilidade da banda tocar no Brasil?

Neil: Nós gostaríamos muito de tocar na América do Sul, mas isto só seria possível se tivéssemos uma boa promoção da Nuclear Blast e se vendêssemos muitos álbuns por aí. Para mim seria muito legal tocar no Brasil.

Arquivo Entrevista: SCHMIER (Destruction)

2009-06-01T13:13:00.000-03:00

O trio alemão Destruction foi formado em 1983 por Schmier (vocal e baixo), Mike (guitarra) e Tommy (bateria) e, no ano seguinte, assinou com a SPV para a gravação do EP, "Sentence Of Death", que foi bem aceito em todo mundo. O primeiro álbum, "Infernal Overkill", saiu em 1985 e pouco tempo depois o trio se destacava como uma das maiores revelações do Thrash Metal europeu, ao lado do Kreator e do Sodom. O álbum que consolidou a posição de banda top foi "Eternal Devastation" (1986) que foi uma febre inclusive no Brasil. Mas, pouco tempo depois ocorre a primeira baixa no line-up, com a saída de Tommy para a entrada de Olly e, ainda, a inclusão de um segundo guitarrista, Harry. Com este time, a banda lançou o EP, "Mad Butcher" e, na época, chegou a tocar no Brasil. Em 1988 soltaram um álbum mais técnico, "Release From Agony", excursionando com o Motörhead pela Europa. Porém, a situação interna não andava bem e depois do lançamento do primeiro ao vivo, "Live Without Sense", ocorre a saída de Schmier. Com o auxílio do vocalista Andre (Poltergeist) é lançado o álbum "Cracked Brain", que não foi bem aceito pelos fãs. Mesmo assim, Mike e Olly decidem continuar com a banda até o final de 1991, quando anunciam o fim do Destruction. Em 1999, após uma grande demanda dos fãs para que a banda voltasse, Mike e Schmier decidem reformar o Destruction com um novo baterista, Sven. O resultado foi "All Hell Breaks Loose" (2000). Com a excelente receptividade, a banda prossegue e finalmente este ano gravou "The Antichrist", um trabalho que certamente colocará o Destruction no patamar mais alto da cena do Thrash Metal. Na entrevista a seguir, Schmier conta passo a passo a carreira da banda, o bom momento vivido pelo trio e os planos futuros, incluindo uma nova passagem pelo Brasil.

Vocês estão satisfeitos com a performance obtida com o novo álbum, "The Antichrist"?

Schmier: É claro! Sei que é uma coisa bem normal para qualquer banda gostar de seu álbum mais recente, pois todos sempre dizem que o último é o melhor. Ficamos muito contentes quando deixamos o estúdio com certeza de que tínhamos realizado um grande trabalho. Fazer um álbum é como criar um filho, você tem uma paixão especial pelo que fez e é um sentimento muito forte para nós da banda. Acho que vendo pelo lado externo, ou seja, tirando nossas próprias opiniões, o álbum está sendo muito bem falado pela mídia e o público está gostando muito. Isto mostra que estamos no caminho certo e que poderemos subir mais um degrau em nossa carreira.

A sonoridade do novo CD se aproxima muito mais do que vocês faziam nos anos 80, se comparada ao "All Hell Breaks Loose", concorda?

Schmier: Sim, concordo com isso. Tentamos esquecer os problemas que tivemos quando fizemos o "All Hell Breaks Loose". Desta vez nós mesmos buscamos a sonoridade que estávamos pensando, pois queríamos deixar bem claro para o ouvinte de onde viemos. O som das guitarras e da bateria estão bem melhores que no álbum anterior, pois soam exatamente do jeito que criamos nosso próprio estilo, é o típico Destruction!

E o baterista Sven está tocando muito bem, com uma performance superior que no "All Hell Breaks Loose". Acredito que ele incorporou-se bem ao som de vocês e, além disso, está criando seu próprio estilo.

Schmier: Sim, ele foi desenvolvendo seu em cada show que fizemos na última turnê e por isso conseguiu uma melhor performance. Sven é jovem e precisa aprender, por isso acredito que tocar ao vivo é a melhor maneira para desenvolver o som de uma banda. Nós sentimos que depois da turnê estávamos muito entrosados e poderíamos fazer um som bem forte e coeso. Você pode ouvir no novo álbum que ele está tocando com mais desenvoltura e tanto isso é verdade que ele só levou dois dias para gravar todas as partes de bateria.

A capa do "The Antichrist" é uma nova versão do "Infernal Overkill"? Quem teve essa idéia?

Schmier: Exatamente, é o mesmo conceito, pois nós queríamos colocar o mundo explodindo e isto se identifica com o "Infernal Overkill". A idéia partiu de mim e um amigo da gravadora. Nós estávamos bebendo e conversando durante o festival "Bang Your Head", no ano passado, falando sobre como poderia ser a arte da capa. Daí veio a idéia de usar a mesma caveira do "Infernal Overkill", porque ela se tornou uma marca da banda. Quando as pessoas lembram do Destruction, automaticamente vem à cabeça o desenho da caveira que está no "Infernal Overkill". Nós também costumamos usar esta arte no cenário de palco e eu mesmo tenho uma tatuagem com este desenho. Se podemos unir a força do som da banda com uma marca que já está vinculada a nós, não existe o porquê não usá-la novamente numa capa.

Mike parece uma máquina de riffs, começando com "Thrash ‘Till Death". Você acredita que isto é uma grande prova para estas novas bandas da moda de que é impossível fazer Heavy Metal sem riffs de guitarra?

Schmier: Nós viemos de uma fase em que não existia som pesado sem riffs de guitarra e acredito que isto pode ser uma maneira de mostrar para as pessoas que o velho Thrash Metal ainda detona, especialmente para aqueles que dizem que tocamos música ultrapassada. O que fizemos em nosso novo álbum é uma mostra de que este tipo de som ainda é muito forte, poderoso e atual, mesmo estando em 2001. É claro que estas bandas de Nu Metal, sei lá, o que posso dizer disso (risos). Não gosto de Rap e é muito chato tocar guitarra colocando apenas três notas e achar que já é o suficiente. Isto nem é Metal, eles estão usando este termo para bandas como Korn e Limp Biskit, uma coisa que deve ser bem embaraçosa para as bandas que realmente criaram o estilo. Por outro lado, acredito que seja bem melhor uma criança ouvir músicas que tenham peso, mesmo que mínimo, de uma guitarra do que ficarem curtindo música Techno. A coisa mais engraçada destas novas bandas é que eles gostam de Slayer, Iron Maiden e então isto significa que eles têm um bom ‘background’, só não estão sabendo fazer música de qualidade.

Você não acha que desta vez a produção de Peter Tägtgren ficou muito melhor que no "All Hell Breaks Loose"?

Schmier: Certamente. Para o novo álbum começamos tudo do zero, mas sabíamos perfeitamente o resultado final que estávamos querendo. Nós tínhamos consciência até do que deveria ser mudado. Foi bem mais complicado fazer o "All Hell Breaks Loose", pois estávamos onze anos afastados do esquema que envolve uma gravação e, além disso, nem sabíamos direito o que estava acontecendo no cenário do Metal. Depois de 11 anos você perde muito o que antes tinha certeza de que era o mais certo, estávamos meio perdidos e por isso aceitamos várias sugestões que nos davam. Mesmo assim acho que Peter fez um bom trabalho. Desta vez foi um processo diferente, estávamos mais determinados. É muito mais fácil você discutir com o produtor sabendo onde quer chegar. Além do mais, é muito difícil você fazer o seu melhor álbum depois de tanto tempo fora da cena. Agora sim estamos contentes!

Como está indo a nova turnê? Por que vocês não se apresentaram no festival alemão “Wacken”?

Schmier: Não tocamos no “Wacken” porque iremos fazer uma longa turnê no final do ano ao lado do Kreator e do Sodom. Também acho que seria um erro tocar em todos os festivais de verão, pois as pessoas poderiam perder o interesse em nossa turnê. Por isso, este ano tocamos apenas no “With Full Force”, que também é um festival de grande porte e conta com bandas de várias tendências do Metal. No ano que vem está confirmado, nós vamos tocar no “Wacken”!

E quanto ao Brasil?

Schmier: Nós estamos querendo muito tocar novamente no Brasil na turnê do "The Antichrist". Estamos conversando muito sobre esta possibilidade e poderá tanto ser antes da turnê com o Kreator e Sodom, como depois que a finalizarmos.

Em 1999, antes da gravação do álbum de retorno, a banda tocou em vários festivais na Alemanha. Vocês fizeram isto para testar a popularidade?

Schmier: Foi exatamente isso! Nós não queríamos fazer um grande estardalhaço sobre a nossa volta e depois ver que ninguém estava interessado em nosso som. Seria uma coisa muito frustrante, por isso, fizemos vários shows para ver se teríamos uma boa resposta dos fãs. Basicamente, já no primeiro festival percebemos que muitos fãs estavam nos esperando. Quando fizemos o “Wacken” tudo foi tão intenso que ficamos com a certeza de que deveríamos seguir em frente e gravar um novo álbum, que foi o All Hell Breaks Loose. Se não fossemos bem recebidos e a resposta tivesse sido uma merda iríamos parar e o Destruction seria coisa do passado. Sorte nossa que isso não aconteceu. O melhor foi que o contato com a Nuclear Blast surgiu exatamente naquela edição do “Wacken”. Tudo se encaixou perfeitamente para podermos seguir com a banda.

Falando sobre isso, como foi a aceitação dos fãs e da mídia com o "All Hell Breaks Loose", porque acredito que o novo álbum está superando-o com uma larga vantagem?

Schmier: Está mesmo, é verdade, mas o "All Hell Breaks Loose" também foi muito bem, um grande retorno. Todos sabiam que estávamos meio tímidos ainda, mas conseguimos passar nossa energia. Foi muito bom dar o primeiro passo para entrar na cena novamente. Agora, sei que demos uma ‘corridinha’, não só um passo (risos). Mesmo assim, a música "The Bucther Strikes Back", que é do "All Hell Breaks Loose" parece ter se tornado um hino para a banda, pois não podemos mais fazer um show sem ela, assim como as antigas "Mad Bucther" e "Bestial Invasion". O mais importante para nós é saber que podemos progredir, o próximo trabalho será ainda melhor! Precisamos provar que temos força para seguir e se você faz um bom álbum e fica preso nele por muito tempo, perde sua força. Para nós foi muito bom constatar que o "The Antichrist" superou o "All Hell Breaks Loose" porque isto tem a ver com nossas convicções.

Já faz mais de um ano que o entrevistei no festival “Dynamo” na Holanda. Naquela oportunidade perguntei sobre o conceito da música "Visual Prostitution". Desde então, você acredita que alguma coisa mudou quando você assiste televisão ou é a mesma “prostituição visual”?

Schmier: Mudou muito, está ficando ainda pior! (risos) Não vejo mais televisão aberta, tenho minha TV a cabo, que pago para ver o que mais me agrada, ou seja, tenho mais de 50 canais à disposição que não passam propagandas. Fico vendo filmes ou programas educativos, como o Discovery Channel. Nada de programas de auditório com entrevistas banais, propagandas de sexo pelo telefone e outras merdas que passam. Quero manter-me informado com o que acontece no mundo, por isso assisto a noticiários. Quando estou à frente da TV quero meu momento de paz, de relaxamento, não ficar vendo barbaridades, coisas fúteis e imbecis. Não sei se acontece o mesmo no Brasil.

É verdade, aqui temos muitas coisas parecidas.

Schmier: É uma merda ver TV para ficar irritado, bravo. Qualquer imbecil quer aparecer na TV ou qualquer vagabunda quer mostrar sua bunda na TV (risos). Deixem-me em paz!

Mudando de assunto, como Sven entrou para a banda? É verdade que ele era um antigo fã do Destruction?

Schmier: Sim, ele era um grande fã, e ainda é...Pelo menos eu acho (risos). Sven morava em nossa região e já era um jovem talento no underground local. Além do fato de ser fã, ele também era um amigo e isso facilitou as coisas. Ele entrou numa parada difícil, pois é muito jovem e não é fácil encontrar bateristas como ele na Alemanha, ainda mais para fazer Thrash Metal como o nosso.

Acredito que agora a Nuclear Blast está dando a vocês um status de ‘top band’, não é mesmo? Por que vocês deixaram a SPV?

Schmier: Sim, é verdade, o trabalho com a Nuclear Blast vem dando ótimos resultados e eles estão mostrando que se importam conosco. A Nuclear Blast dá total liberdade para nós e nos dá todo suporte necessário para mostrarmos nosso potencial. Queremos atingir todos os fãs do Destruction ao redor do mundo. Sei que existem países onde a cena do Metal não é tão grande, mas temos obrigação de dar a oportunidade para quem é fã de comprar o CD. Por isso a Nuclear Blast se dá bem e é considerada a melhor gravadora de Metal atualmente. Quanto a SPV, eles ainda nos devem muito dinheiro, tivemos problemas com eles e não quero falar sobre coisas ruins, pois tudo está indo bem agora. Não estou nada contente com os nossos CDs que eles relançaram, não vem nem com encarte e letras! Aliás eles nem nos comunicaram que iriam relançar os CDs e isso é uma atitude pobre.

Mas você acredita que a cena do Metal está ainda mais forte agora?

Schmier: Eu acho que sim, mesmo sabendo que em alguns países o Metal ainda não retomou a força que tinha antes, como nos Estados Unidos, onde as pessoas estão ouvindo a merda do Nu Metal. Lá a cena do Metal está bem no underground, mas os fãs existem, são apaixonados e fiéis. Está sendo muito bom constatar que o Metal está bem forte em muitos outros países, porque também serve como uma resposta aos que disseram anos atrás que ele estava morto. Tá bom. Isto é a maior besteira que já ouvi e que nem gostaria de ter ouvido! Falaram também que não haveria mais espaço para o Thrash Metal, mas estamos ai para provar o contrário. Você não deve aceitar tudo que lhe é imposto, pois muitas vezes pode ter algo muito sujo por trás de simples palavras. Os fãs decidem e esta é a melhor forma da cena crescer ainda mais. Você pôde ir ao “Wacken” e constatou a força do Heavy Metal, não é verdade?

Você tem razão! Agora vocês irão excursionar com o Sodom e o Kreator. Quais são suas expectativas para estes shows?

Schmier: Finalmente vamos tocar juntos! Será a primeira vez que faremos uma turnê com três headliners, iremos fazer uma composição ideal para cada local. Primeiro, será uma grande festa porque somos todos amigos e segundo, isto foi um pedido dos fãs, eles sempre desejaram ver estas três bandas juntas. Trazer-nos de volta à tona no cenário Europeu será muito bom. Talvez esta turnê ultrapasse o território europeu, vamos ver o que acontece. Ainda não temos datas agendadas fora da Europa, mas o começo será na Alemanha e Holanda. Seria muito interessante levar esta turnê para a América do Sul, mas isto não depende da banda, precisa ser acertado com os promotores de shows e ser for algo viável financeiramente, faremos com muito prazer. Se o Kreator e o Sodom não puderem ir, nós iremos! Já conversamos muito e, além do mais, chegamos a tocar recentemente no Chile, na Colômbia, mas não pudemos ir ao Brasil porque o promotor perdeu o interesse e quando outros apareceram já era tarde. Gostaria de pedir aos fãs do Destruction que deixem um recado em nosso site (www.destruction.de). Muitos têm feito isso, eles perguntam sempre porquê não tocamos no Brasil, mas posso dizer que não me esqueci dos brasileiros, gosto do seu país e o nosso show foi memorável. Voltaremos, não se preocupem!

Será uma turnê muito interessante porque o novo álbum do Kreator, "Violent Revolution", também mostra o típico Thrash Metal dos anos 80!

Schmier: É verdade e espero que o novo do Sodom venha nesta mesma linha! Eu ainda não ouvi, mas algumas pessoas me disseram que está na linha do "Agent Orange", o que é muito bom.

Algumas bandas têm mascotes, mas você considera o açougueiro “The Butcher”, mascote do Destruction?

Schmier: (risos) Sei lá, pergunte aos nossos fãs, eles transformaram o açougueiro numa figura conhecida (risos). Nunca imaginamos que ele pudesse ter tido esta conotação, não planejamos nada, mas foi uma espécie de atração mútua, os fãs gostaram da cara feia que ele tem e sempre nos perguntam sobre o “The Bucther”, parece algo como a Eddie do Iron Maiden. Acho que o “The Butcher” estará conosco até o fim.

Vocês decidiram fazer um som mais técnico a partir da aceitação do EP "Mad Butcher"?

Schmier: Não, apenas saiu daquele jeito e acho que os novos integrantes que tinham entrado na banda naquela época trouxeram novas influências ao som. Desta forma, saiu algo mais técnico. Mas, se você faz parte de uma banda, sempre que desenvolver seu lado técnico e crescer como músico, não há como negar isso. Sei que a música Reject Emotions ficou bem popular entre os nossos fãs na América do Sul. Se não a tocarmos na Europa, não há problema, mas na América do Sul não existe show do Destruction sem esta música!

E esta evolução musical teve seu ápice no álbum "Release From Agony"?

Schmier: Certamente, porque como lhe disse, tocar ao vivo dá uma maior segurança e naquela época estávamos muito entrosados e por isso não estávamos com medo de fazer algo bem mais ousado e técnico, sem brecar a força do som que a banda já tinha. Colocamos o lado técnico sem deixar para trás as raízes. Mas, acho que se você exagerar na dose poderá até ter em mãos um bom álbum, mas o som ao vivo nunca será igual e a banda perderá com isso. Não estou querendo desmerecer as bandas de Prog Metal porque para eles é fácil fazer o que fazem. Mas, se você é limitado, faça o seu som com muita energia e força, não tente complicar nada de propósito pois pode se dar muito mal. Nós compomos com o coração, não com a cabeça.

No "Release From Agony" a banda usou mais os backing vocals, como na faixa "Survive To Die", e eu senti o mesmo no "The Antichrist". Você acredita que estes coros agressivos representam uma marca do Thrash Metal?

Schmier: Sim, você está certo. Isto só foi possível agora porque Sven é também um bom vocalista e faz grandes backing vocals. Já lhe disse isso uma vez, mas se temos como fazê-lo, não vejo o porquê não tentar. Já que ficou legal, vamos usar! É simples. Se ele não conseguisse fazer os backing vocals ao vivo nós não colocaríamos no álbum.

O que aconteceu antes do lançamento do "Cracked Brain"? Por que você deixou a banda?

Schmier: Eu não deixei a banda, eles é que me abandonaram e por problemas musicais, as famosas diferenças musicais. Cada um queria fazer uma coisa diferente até que chegou a um ponto insustentável, a banda tinha que se separar e eles quiseram prosseguir sem a minha presença.

Musicalmente, qual sua opinião sobre o álbum "Cracked Brain"?

Schmier: Pelo lado musical é um álbum muito bem tocado, mas foi uma péssima fase para nós, tivemos muitas brigas e foi quando a banda se separou. Muita merda aconteceu, estávamos sem saber o que fazer e eu não participei deste trabalho. É um bom álbum, mas não é o típico Destruction.

No álbum "Eternal Devastation" você criou um estilo pessoal de cantar, mas qual o motivo de ter abandonado aqueles berros agudos, os “Schmier’s screams”, que caracterizavam a banda?

Schmier: Não parei de fazer isso, ainda faço, mas de uma forma menos intensa como anteriormente. Atualmente as linhas de voz tendem muito mais para o lado da agressividade, ainda dou meus gritos, mas de forma diferente. Não gosto de repetir sempre a mesma coisa, me dá nos nervos fazer isso. Como vocalista você deve procurar novas formas de interpretação para progredir e agora preferi colocar vozes fortes, rasgadas sem soar Hardcore ou coisa parecida. Esta mescla que faço hoje ainda caracteriza o som do Destruction.

Desde o EP "Sentence Of Death" o Destruction conta com uma grande tribo de fãs no Brasil. Quando você estava gravando este material, poderia imaginar que a música "Mad Butcher" se tornaria um dos clássicos do Thrash Metal?

Schmier: Não. Em todos os lugares que vamos tocar eles pedem essa música, mesmo se já nos viram tocar mais de 10 vezes. Estou certo de que se fizerem uma calçada da fama do Thrash Metal esta música terá seu espaço garantido entre os “Top 10”.

E deu muito trabalho gravar este EP, já que vocês não tinham tanta experiência na época?

Schmier: Me lembro muito bem. Gravamos este material num estúdio em Berlin (ALE) e quando estávamos indo para lá o Mike disse que havia esquecido de colocar cuecas na mala, pois como estávamos na correria tínhamos deixado isto para ele. O Mike iria fazer nossas malas, mas acho que ele não quis colocar a mão em cuecas e por isso as esqueceu (risos). Desta forma, tivemos que usar as mesmas todos os dias o que foi péssimo (risos). Mas, foi um período legal, nossa primeira experiência como uma banda profissional.

Antes disso, vocês tinham lançado Demo-Tapes?

Schmier: Sim, gravamos a Bestial Invasion From Hell e foi lançada 1 ano e meio antes do EP Sentence Of Death. Foi um tremendo sucesso no meio underground, vendemos mais de mil cópias do Demo em 1983 e 1984. Talvez tenha sido por causa dela que fomos contratados pela gravadora.

Sei que deve ser gratificante ser considerado uma lenda do Thrash Metal, mas você vive exclusivamente da banda?

Schmier: É muito difícil viver só de música. Vamos dizer que posso viver da música, mas não posso viver muito bem da música. Acho que me enrolei todo (risos). Dependendo do modo de vida que você quer levar não é possível. Se quer um carro do ano e um apartamento grande, não dá. Pelo menos até agora... Mas, eu sou proprietário de um restaurante e isto ajuda a pagar minhas contas. É difícil tomar conta do meu próprio negócio estando na banda, mas até agora está dando certo. Pode ser que um dia eu tenha que tomar uma decisão mais séria, ou seja, ser dono do restaurante ou continuar com a banda. Agora o Destruction está voltando a fazer sucesso e toma muito do meu tempo para outras coisas que até gostaria de fazer. Mesmo assim, é uma coisa que me dá prazer e eu gosto muito de viver fazendo música.

Atualmente o som que vocês fazem não é o mais agressivo, pois temos o brutal e extremo Death Metal, como os ‘basting beats’ da bateria. Você gosta deste estilo?

Schmier: É uma evolução do que nós começamos, mas pessoalmente o máximo que gosto é das batidas do Slayer no Reign In Blood. Não gosto muito dos ‘blasting beats’ e para mim não existe aquilo de “quanto mais rápido melhor”. Mesmo assim, admiro muito a técnica dos bateristas que conseguem tocar muito rápido porque é difícil fazer os ‘blasting beats’ e manter o tempo da música. Gosto de coisas bem rápidas, mas não de algo como o Grindcore.

Ainda falando sobre estilos, o que você acha do atual Black Metal, cheio de teclados, em comparação do som de bandas como Marduk e Immortal?

Schmier: Gosto do Immortal, é uma excelente banda de Black Metal. Destas que usam teclados nenhum está me cativando até o momento. O último do Dimmu Borgir é legal porque mantém o seu lado mais agressivo e é isto que as bandas atuais que fazem este tipo de som estão perdendo um pouco. Não gosto de teclados e quando começamos a banda costumávamos chamar de ‘gayboards’. Gosto de teclado nas bandas mais antigas, como Deep Purple e Uriah Heep, sou fã do som do Hammond, mas não de sintetizadores. Sei que eles podem ser usados como um elemento adicional para o som, mas não faz meu gênero.

Você faz coleção de armas ou é igual ao Ted Nugent, que se transforma em caçador quando não está em turnê?

Schmier: (risos) Não, nenhum dos dois. Só uso este tipo de coisa para mostrar a agressividade que o Destruction tem, ou seja, fazer com que visualizem isso antes mesmo de ouvir o som. Fazer uso de um visual condizente com o som da banda é algo que sempre deve ser um aliado. Imagine se usássemos pinturas de Black Metal ou visual de poser, quando as pessoas fossem ouvir o som ficariam até com raiva. Se você faz parte de uma banda chamada Destruction não pode fazer isso, não dá para tirarmos fotos em belas paisagens com árvores e o céu ensolarado no fundo. Acredito que o uso de armas nas fotos representa muito bem a imagem do som da banda.

Atualmente muitos músicos de diferentes bandas estão gravando álbuns com projetos paralelos. Você pretende ter o seu, ou mesmo lançar mais um álbum do Headhunter?

Schmier: Isto depende do tempo livre que você tem. Atualmente o Destruction está tomando inteiramente o meu tempo e estou muito ocupado. Talvez um dia, quando tirarmos umas longas férias, poderei pensar em gravar outro álbum do Headhunter. Ainda mantendo contato com o baterista Jörg Michael, que agora é do Stratovarius, e ele poderia gravar novamente comigo. Sei lá, agora o Destruction é a maior prioridade e não podemos deixar escapar esta grande chance de voltar a crescer.

Entrevista publicada na edição #35 da revista ROADIE CREW (novembro de 2001)

www.roadiecrew.com

Fotos: www.destruction.de